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Autor: Henrike Heick

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ART

Ni Ici, Ni la

NI ICI, NI LA

A CALIFORNIAN ARTIST PLANTS HIS FEET IN THE CONTINENT.

 

Colin Cook talks to Morgan Labar  about how it is to be an American artist in Paris and how it protects itself from “vulgarity” of the Americans.

 

Interview: Morgan Labar

Artworks: Colin Cook #colincookstudio

Photographs: Ralph Baiker #ralph_baiker__all_areas


ML: You have been back and forth between Paris and LA for about two decades now. How did it happen? 

 

CC: Well, in in the early 2000’s I started traveling to Europe from Los Angeles a lot for work. And then I met my wife, so I ended up staying for love.

 

ML: Did moving affect your practice as an artist? 

 

CC: As for the things I make, I’ve always felt driven to explore more-or-less the same subjects, no matter where I’ve lived. Ohio, Seattle, Los Angeles, Paris… compulsions don’t stop at the border. 

 

But to leave Los Angeles at 38 years old for Paris? A new city… a new country? Yeah, it changed a lot of things. Certainly in terms of connections and networking… I knew very few French artists, and I didn’t speak the language. It’s still up in the air as to whether I can speak French or not. Fortunately, I am incredibly charming, so all’s well that ends well.

 

But in other respects, the timing was good. I already had galleries in Cologne, Brussels and Paris, and the move basically coincided with the launching of a new body of work “Drawings with Bill”. So I came to Europe with a new artistic project… And if you’re going to reinvent yourself, you may as well do everything all at once.

 

ML: “Drawings with Bill”, is a series realized with a friend of yours, based in Portland, who had no prior experience drawing. The project brings together two styles of drawing in the same image, one trained and one untrained. What interests you in such a confrontation?

 

CC: I think what you are getting at are the various levels of contradictions that are built into the project.

 

When Bill and I made our first drawing together, it was basically conceived of as a joke. Bill was visiting Los Angeles and staying with me for a few weeks. We chose a porno from a magazine, and I drew the girl and he drew the guy. I didn’t really think about it that much. I certainly didn’t imagine that this drawing would lead to a project that has already lasted over 16 years! But that first drawing was amazing! Everything in it interested me.

 

At the time, I was mainly working in Sculpture and video, and I was already exploring the idea of how contradictions could function in a work. How can a piece contain divergent logical threads that seek to undermine each other, yet at the same time create a new logic that is entirely dependent on this internal dissonance? That first drawing was loaded with it: It was at once funny, yet very disturbing; the figures were de-eroticized yet completely immersed in an erotic situation, etc. And the sincerity of Bill’s drawing was also remarkable. We both attempted to draw as best we could, but we had different levels of skill. It was a seemingly silly exercise that began to take on a “gravitas”… a certain type of authority in which the end result became much more than the sum of its parts. 

 

ML: Let me follow-up with the idea of silliness you just mentioned. Bill’s drawings might be seen as ridiculous and hilarious caricatures, even though they are earnest. Your drawings are careful and diligent, and apparently take hours and hours. But both of these drawings would be pointless by themselves alone, if it was just about copying a landscape or a figure from a photograph, right?

 

CC: Without a doubt there is a strong conceptual aspect in this project.  They play with traditional notions of artistry and craft, among other things. As for my part, I think of drawing “photo-realistically” as an essentially banal activity. I enjoy it, of course, and may even be accomplished at it… but, yes… to me, copying a photograph is basically a pointless skill… until it serves as the backdrop for Bill’s work. Then it opens up another world. It’s his lines that flip the idea of the comprehensible drawing upside down. It’s his lines that we need to interpret.  

 

If Bill and I were a comedy duo, for instance, one could say that my drawing serves as the “straight-man” but its Bill’s work that delivers the punch line.

 

ML: But I see that your newest work changes this formula, and has expanded on the collaborative idea, bringing in other participants. How did this come about?

 

CC: In 2016, I finished a video called “You and I” which was essentially an early form of what I now call a “Double Self-Portrait”.  Following this, I decided to develop other variations of the “Double-Self Portrait” theme in both drawing and photography. This portrait series of myself – with- myself, would ultimately question the psychology of self-presentation. The idea was to relinquish control of the identity that a self-portrait ultimately represents…

 

But for the project, I felt it was important that each person draw in volume… three dimensionally… in order to create a consistent pictorial space. Bill doesn’t really use shading or volume in his work, and is more comfortable with flat line drawing. So I had to open up the field.

 

ML: How did you find the other collaborators?

 

At first, I had no idea how to find people to draw with… But then I discovered these sites where amateur artists post their drawings online. You know… drawings of celebrities from magazines, animals, etc.  There are tons of people who love to draw out there! More than I realized. So I was able to find those whose drawing style interested me, and ask them to participate.

 

Most of them, I have never met in person, because we collaborated via fed-X. It added a layer of anonymity otherwise incompatible with the idea of a “self-portrait”. The hope was that each participant, by virtue of their different drawing techniques, would bring a different psychological interpretation to each “self-portrait” of the series.

 

ML: I see that you use your own image in much of your work. Some of which certainly brings your psychological stability into question! How does this relate to your Paris swimming suit photographs?

 

Ha! Well, there certainly was a bit of instability to those! Especially when the Paris cops came and stopped the photo shoot because apparently my being in a swimsuit in the city was an “indecent” act. If I knew they would bust me for indecency, I could certainly have delivered more before the axe fell!

 

ML: I’m sure you could have… Once again, Paris protects itself from the ‘vulgarity’ of the Americans!

 

CC: Exactly… It’s a big job. 

 

 

 

 

 

Colin Cook

 

Artist Statement:         Drawings with Bill

                                   Collaborative drawings with Bill Shambaugh

 

The drawings in this series are the result of my ongoing collaboration with a self-described non-artist, Bill Shambaugh. The idea behind this work is simply to combine the styles of two very different hands –one naïve and one practiced– within the same drawing. The contrast is direct and unmistakable. Bill’s figures bluntly intrude upon the more ordered world of academic drawing. Yet these intrusions also reveal a strange unity in which the notions of high/ low, good/ bad, amateur/ professional are made equitable.

 

This collaboration also captures a fundamental theme appearing in much of my work: that there be an internal dialogue within each piece that seeks to subvert and undermine itself. As humor blends with perversity, uncomfortable relationships are formed. Uncovering these moments is the drive behind much of my current work with Bill.

“ Ni Ici, Ni LA“

Interview:Morgan Labar Photographer: Ralf Baiker Artworks: Colin Cook

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ART

Das Haar in der Suppe

Das Haar in der Suppe – Le cheveu dans la soupe

Christophe Martinez macht was mit Haaren. Er macht damit Kunst. Kunst, die irritiert, zuweilen verstört und dabei wahnsinnig faszinierend ist

Verkaufen? Nein. Es geht nicht ums Verkaufen. Es geht ums Machen. Es steckt in ihm drin. Er kann nicht anders. Seit er Kind ist. Malen, zeichnen, Skulpturen erschaffen. Schon immer ist das so. Friseur ist er „nur“, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Und das geht gut. Er frisiert die Wichtigen und Schönen. Bei Modeshootings, im Produktdesign, bei Auftritten. Er macht die Haare. Und dann macht er Kunst. Mit Haaren. Mit echten Haaren, von überall her. Auch aus der Familie. Überhaupt, Familie ist wichtig. Spielt eine große Rolle. Auch in seiner Kunst. Das Herz, aus Haaren seiner Frau und seines Sohnes. Der Stuhl, der unter Haaren versteckt ist, sein Kinderstuhl, den sein Großvater für ihn gemacht hat. Die Haare, aus der die Flamme der Kerze ist, die Haare seines verstorbenen Vaters. Er hat die Kerze segnen lassen. Es ist ein Kunstwerk. Das alles sind Kunstwerke, sie sind einzigartig. Nicht reproduzierbar. Nicht für ihn, denn in ihnen steckt die Seele derer, die das Haar mal an sich hatten, das mit ihrer DNA verknüpft ist. Auf immer.

 

… jeder Schopf, jedes Haar ist Inspiration

 

Haare vergehen nicht. Haare bleiben über Millionen von Jahren. Sie verlieren nicht ihre Farbe, einmal abgeschnitten. Sie verlieren nicht ihre Form. Lockig bleibt lockig. Glatt bleibt glatt. In den Haaren steckt die DNA des Menschen, ihr Leben lässt sich bis zu gewissen Graden daraus ableiten – auch das eines Tieres, aber Tierhaare verarbeitet Christophe Martinez nicht, nicht wie Meret Oppenheim.

Inspiration, woher? Überall, jeden Tag, immer. Auf der Straße, in Magazinen, in der Metro, das eigene Atelier … jeder Schopf, jedes Haar ist Inspiration. Haare sind Leben. Haar vergeht nicht. Seine Kunst vergeht nicht. Sie ist immer da. Wird immer da sein. Und das auf eine vollkommen unprätentiöse Art. Und er ist der Einzige seiner Art. Niemand sonst macht Kunst aus Haaren. Nicht in dieser Konsequenz.

Der Anblick seiner Werke erregen einen Reiz. Sie irritieren, ekeln, wühlen auf, berühren. Sie machen etwas mit dem Betrachter. Gutes? Ist es morbid? Bizarr? Was immer es ist, was immer es macht, es reizt und lässt den Blick verharren und die Worte verstummen. Es wummert in der Brust.

 

Word Games

Schere – Schnitt

Glatze – ich

Erfolg – Zufriedenheit

Atelier – Inspiration

Leben – L´amour

Tod – La vie

Ewigkeit – Ewigkeit

Suppe – mag ich nicht

Geld – die Frage mag ich nicht

 

Text: Henrike Heick Photographer: Stephan Ziehen 

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ART

Idem

Immer der Zukunft entgegen

 

Die lithographische Werkstatt idem in Paris ist eine Zeitmaschine.

Man wird mitgenommen auf eine Reise in die Vergangenheit des Drucks.

Räume, deren Atmosphäre einen sofort in ihren Bann ziehen, sprechen aber

nicht nur von früher – die Zukunft hat auch hier gerade erst begonnen.

 

 

idem (lateinisch idem „derselbe, dasselbe“)

 

Energie. Licht! Steine. Seele. Zeit-Reise. Dreck. Tinte. Platten. Walzen. Bilder. Farben. Schwarz-Weiß. Schweiß. Schleifgeräusche. Staub. Lack. Ehrfurcht. Ruhe. Akiko Otsu hat eingeladen ins idem. Ihr Mann ist der Chef des Maison Sota (s. Seite XX), an dessen Wänden man Akikos Kunst findet.

Das idem ist die älteste Lithographie-Werkstatt Frankreichs wenn nicht Europas.

Das Gebäude im Montparnasse und damit die Druckerei von Eugène Dufrénoy entstand 1881. Heute noch steht sein Name über der Toreinfahrt.

In den 1930ern übernommen von Monsieur Michard, spezialisiert auf geographische Drucke. 1976 schließlich nahm sich Fernand Mourlot der Werkstätten an. Er und seine Brüder hatten schon in den Jahren zwischen den zwei großen Kriegen die moderne Litographie zusammen mit den Künstlern ihrer Zeit – Matisse, Picasso, Miro, Dubuffet, Braque, Chagall, Giacometti, Léger, Cocteau etc. – begründet.

 

…die größte nennt David Lynch Moby Dick …

 

Sohn Jaques Mourlot führte die Werkstätten noch bis 1997, danach übernahm die „Gesellschaft Mourlot“ die Geschäfte und benannte die Druckerei um in idem.

Zwei Etagen, gesamt 1400 qm, lichtdurchflutet dank der Glasdecke. Sechs große Druckmaschinen – die größte nennt David Lynch Moby Dick – von Voirin et Marinoni von 1800, früher mit Dampfmaschinen über Antriebsriemen betrieben und heute noch werden die großen Kalkplatten mit Hilfe von Flaschenzügen durch den Raum  gehoben. Die größten Platten messen 120×80 cm und es braucht drei Männer, um auf der Moby Dick die vielfarbigen Drucke zu produzieren. Die alten Treppen mit zierlichen Geländern, die Wände gespickt mit historischen Drucken, deren Farben noch so kräftig sind wie bei ihrer Entstehung, dank der Konzentration an Pigmenten und hochwertigem Papier, das nicht vergilbt, trotz direkter Sonneneinstrahlung. Oben, am Büro des Meisters vorbei finden sich weitere Handpressen, Zeichenstudios und ein historisches Photolabor mit Dunkelkammer.

Man fühlt sich in eine unwirkliche Zeit zurück versetzt, atmet die Luft von Picasso und Matisse, steht in Ehrfurcht erstarrt vor den meterhohen Regalen voller Platten, die Kunstwerke aber auch alltägliche Vorlagen für Visitenkarten, Briefpapier oder Menükarten der Brasserien abbilden. Die wertvollsten haben eine tiefe Furche,  willentlich zerstört durch grobes Werkzeug, damit keine Nachdrucke, keine Kopien produziert werden können – eine Erhaltene von Picasso liegt im Safe.

 

Bekannte wie David Lynch, Christian Delacroix aber auch junge Künstler werden gefördert

 

Und immer noch und immer wieder kommen Künstler aus der ganzen Welt, um bei idem zu arbeiten, mit Hilfe des jungen Teams die Ideen und krausen Gedanken umzusetzen, um zu lernen, was der Stein mit der Farbe macht, wie welches Papier reagiert, die Geduld und den Frieden walten zu lassen, den der lange Prozess erfordert – raus aus der Welt der schnellen, seelenlosen Digitalisierung. Man betritt idem und wird ruhig, von innen.

Direkt nebenan hat man das Glück, Werke von jetztzeitigen Künstlern, die bei idem entstanden sind, zu seinem Eigen machen zu können. In der Galerie item éditions. Patrice Forest, ein leiser, sehr kluger Mann, führt aus der Werkstatt direkt in die lichte Galerie und zeigt bedächtig all die Drucke, aufbewahrt in marmorierten Mappen. Darunter David Lynch, Christian Delacroix, Richard Serra und viele weitere schon mal gehörte Namen, aber eben auch und das schreiben sich idem und item éditions verdient auf die Fahnen, viele junge Künstler werden hier gefördert.

Ob idem oder item éditions, eine Reise ins Montparnasse sei jedem angeraten. Man verlässt diese Räume beseelt, es wummert in der Nähe des Herzens.

 

 

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IDEM / ITEM

Text: Henrike heick #lousalo

Photograph: Stephan Ziehen #stephanziehen

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FASHION

Spring/Summer 2020

SPRING/SUMMER 2020

Illustrationen: Felix Dmmr #feliidm_r

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FASHION

Nothing New

Photograph: Stephan Ziehen Design: Michelle Scungio, Anna Kühmstedt, jo Kühmstedt Styling: Anna Kühmstedt Modelle Camila o.+ Leonie H. @Model Management Retouching: Elektronische Schönheit 

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FASHION

Vintage

 

VINTAGE – Helmut Lang T-Shirt „Maria“ 1997

Je mehr Patina desto mehr Poesie

 

Beim Ausmisten meines Kleiderschranks stoße ich immer wieder auf alte

und auch häufig zerschlissene Klamotten, die zu besonders sind,

um entsorgt zu werden. Ganz im Gegenteil, das sind die Teile, die eigentlich erst durch ihre Patina – sprich Zerschlissenheit – an Wert gewinnen. Darum geht es in dieser neuen Rubrik „Vintage“.

Habt Ihr auch Teile, wie dieses 23 Jahre alte Helmut Lang Shirt? Wir suchen keine Oldtimer aus der Mottenkiste, sondern coole Youngtimer, die den Test der Zeit bestanden haben, aber deren Zeitspuren sichtbar sind und die Euch am Herzen liegen.

Ich habe dieses T-Shirt damals in London gekauft. Es hat so um die hundert Pfund gekostet und es war zu einer Zeit, als Helmut Lang in aller Munde war. Jedes Teil von ihm war der Inbegriff der Coolness. Zwar ist dieses T-Shirt ganz sicher nicht das ikonographischste Teil aus seinen Kollektionen, aber es hat in meinem Kleiderschrank überlebt und erinnert mich an eine Mode, die heute so nicht mehr existiert. Wo jeder Designer noch für einen eigenen Stil stand und sich scharf von dem anderem abgehoben hat und auch dringend wollte. Langs Kollektionen standen für Minimalismus und waren häufig von Uniformen inspiriert, die aber modernisiert und dysfunktional präsentiert wurden. Zu dieser Zeit hatte ich einen Kunden aus Wien, der mich in der Esslinggasse im Hotel Bajazzo einquartierte. Meine Aufregung konnte kaum grösser sein als ich herausfand, dass HL sein Wiener Atelier in derselben Straße hatte. Begegnet bin ich ihm nie, aber ein paar seiner Klamotten haben in meinem Kleiderschrank überlebt – manche trage ich noch immer, gerade weil sie so zerschlissen sind.

 

Wenn Ihr auch solche Vintage Teile habt, freue ich mich über Eure Bilder und Stories.

cyte-magazin@gmx.de

Text+Photo: Stephan Ziehen

 

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SOCIETY

„in blackness like a star

„in blackness lika a star“

with you knife heart and voice you erase two nights i dream chalk with fields

the day before i caught a train to Bochumtom Tom and I spoke about Kazimir Malevich how he left the image painted a black square on white it was a tie crooked. done without a ruier he painted what he saw. and Infiniti space where spirit indicates a new logic 

you continue to talk to erase 

my black star wants 

by Gail Langstroth 

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SOCIETY

Mehr? Weniger!

Sandra Groll

Enttäuschungssyndrome 

 

Über mediale Wunschproduktionen, emotionalisierte Konsumversprechen, ein überromantisiertes Bild von Paris und was eigentlich Geld damit zu tun hat.

 

Tourist*innen finden sich auf den lang ersehnten Reisen oftmals in einem befremdlichen psychosomatischen Zustand wieder. Sie leiden unvermittelt an einem psychischen Ausnahmezustand, der als Paris-, Jerusalem-, New-York oder Florenz-Syndrom verschiedene Ausdrucksformen annehmen kann. Die jeweiligen Syndrome machen sich in Form von Panikattacken, depressiven Verstimmungen, Schamgefühlen, Wahnvorstellungen und Aggression bemerkbar, auch irrationale Schuldgefühle, Bußrituale und andere Dissoziationen können auftreten. Je nach kultureller Herkunft der Reisenden entzünden sich die Symptome jedoch an unterschiedlichen Triggern und treten dann fast ausschließlich bei bestimmten Gruppen auf. Das Paris-Syndrom zum Beispiel scheint fast ausschließlich Reisende aus Japan zu befallen. So unterschiedlich die Syndrome gelagert sind, ihr gemeinsames Merkmal ist: sie treten als Begleiterscheinung des modernen Massentourismus und der Konsumgesellschaft auf und scheinen sich zu verstärken, je ästhetisierter sich diese Gesellschaft präsentiert. Dass unser Alltag in einem hohen Maße von hochgradig ästhetisierten Produkten und Dienstleistungen fast vollständig durchsetzt ist, dürfte bekannt sein. Weniger offensichtlich ist hingegen, dass die Ästhetisierungen von Design und Werbung nicht nur für schöne, funktionale und begehrenswerte Dinge sorgen, sondern durch diese auch auf unseren Emotionshaushalt und unsere Psychen zurückwirken und das eben nicht immer so wie eigentlich gewünscht. So auch im Fall der Städtereisensyndrome. Im Falle der japanischen Tourist*innen ist wohl ein, in Werbung, Medien und japanischen Kultur vorherrschendes, überromantisiertes Bild von Paris ursächlich dafür, dass es die Tourist*innen in Paris mit einer nur schweraushaltbaren Diskrepanz zwischen idealisierter und erlebter Realität zu tun bekommen und dann die entsprechenden Symptome zeigen.

Es gibt auch eine Reihe anderer Unannehmlichkeiten, die die konsumästhetisch geprägte Fiktion beenden

Hinter diesen Syndromen verbirgt sich jedoch ein grundlegenderes Phänomen nämlich eine Erwartungsenttäuschung, die mit der fortgeschrittenen ästhetischen Ökonomie der Gegenwart einhergeht. Sprich, wir haben uns daran gewöhnt, dass Design und Werbung nicht nur Dienstleistungen und Angebote gestalten, sondern Erlebniserwartungen inszenieren und dass der Gebrauch des eher unsinnlichen Medium ‚Geld‘ den Zugriff auf genau diese Erwartungen sichert. Wir erwarten – und unsere Erwartungen sind dabei in vielfältiger Weise bereits durch andere Konsumangebote designt – ein ganz bestimmtes Erlebnis von der Reise, vom Zielort, von uns selbst und von anderen auf dieser Reise. Schließlich haben wir Zahlungen geleistet und da kann man schon erwarten, dass sich das gewünschte Erlebnis vollumfänglich so realisiert, wie wir es erwarten. Wir verhalten uns zur Wirklichkeit im Modus des Konsums und in der Erwartungshaltung von Konsumierenden, die sich mittels Zahlungen den Zugriff auf ganz bestimmte Angebote gesichert haben.

Das ‚Paris‘ ist in unseren Köpfen eben nun einmal auch gestaltetes und kommuniziertes Konsumversprechen, das aber an der Wirklichkeit scheitern muss, denn das reale Paris umfasst nun einmal auch Pariser*innen, denen man bekanntlich einen etwas raueren Umgang mit Tourist*innen nachsagen kann. Und es gibt auch eine Reihe anderer Unannehmlichkeiten, die die konsumästhetisch geprägte Fiktion beenden und kurzen Prozess mit den romantischen Erwartungen machen. All das sorgt dafür, dass aus dem fiktiven, fein entworfenen Sehnsuchtsort und Konsumort ‚Paris‘ wieder ein höchst realer überfordernder Komplex aus Zumutungen wird. Genau diese Fiktionsenttäuschung – oder besser: dieser Realitätskontakt – führt dann zu den entsprechenden psychosomatischen Auffälligkeiten.  

Die Verkettung individueller und medialer Wunschproduktionen, professionell gestaltete und emotionalisierte Konsumversprechen, plötzlicher Realitätskontakt und Psychokrise, scheint mittlerweile ein Phänomen zu sein, das sich in der ästhetischen Konsumgesellschaft mit Wachstumsorientierung in verschiedenen Abstufungen und Phänomenen an vielen Orten zeigt. Ein strukturell ganz anders gelagertes Phänomen spielt sich zum Beispiel auf den deutschen Autobahnen ab. Auch hier hat man es im weitesten Sinne mit einem Designproblem zu tun. Die nun schon seit Jahren das Automobildesign dominierende Formensprache von ästhetisch gesteigerter Sicherheit im Inneren und sportlicher Dynamik mit leicht aggressiven Zügen nach außen, sorgt für die Erwartung, irgendwie schneller und überlegener zum Ziel zu kommen und dabei Freude am Fahren zu empfinden. Das kann natürlich nicht klappen und führt zu ähnlich irrational-emotionalen Ausreißern, schrägen Verhaltensweisen und emotionalen Überforderungen, wie das in Wirklichkeit nur wenig romantische reale Paris.

Man hat es mit einer Designkrise zweiter Ordnung zu tun, denn der im und durch das Konsumangebot versprochene Mehrwert oder Zustand der Welt und des Selbst will sich nicht so recht einstellen. Schlimmer noch, wir müssen uns der Erkenntnis stellen, dass die schönen Bilder und Szenarien, die durch Werbung und Produktdesign so wunderbar mehrdimensional an unsere individuellen Wünsche, Erwartungen und Bedürfnisse anschließen und im Diesseits Erlösung von was auch immer versprechen, in letzter Konsequenz enttäuschen. Das Problem ist nicht nur unsere Erwartung und ihre Pseudobefriedigung durch Konsumangebote, die ganz nebenbei auch eine ganz bestimmte, nicht intendierte Variante von Wirklichkeit gestalten, sondern die durch Geldkommunikation zusätzlich vermittelte Erwartung, dass das, was das designte Angebot verspricht, auch so eintrifft. Wie versprochen.

Das Mehr! bildet den Resonanzkörper einer wachstumsorientierten Ökonomie und speist sich aus Transzendenzbedürfnissen

Dies geschieht anscheinend, weil wir uns kollektiv auf einer Sinn- und Sinnlichkeitssuche befinden, die scheinbar nur durch eine Form von Konsum zu stillen ist, in der es darum geht stets Mehr! zu bekommen. Mehr Sinn, mehr Sinnlichkeit, mehr Romantik oder eben mehr Geschwindigkeit und mehr Souveränität. Dahinter steckt ein psychisches und emotionales Resonanzbedürfnis, das in der modernen, ausdifferenzierten Gesellschaft nicht befriedigt wird, da an die Stelle echter Resonanzen funktionale Äquivalente, wie zum Beispiel das Geld getreten sind.[1] Diese Entwicklung verdankt sich nicht allein einer kapitalistischen Weltverschwörung, sondern in einem erfolgreichen Ineinandergreifen von psychischen, sozialen und kulturellen Prozessen, die sich wechselseitig stabilisieren und in einer wachstumsorientierten Gesellschaft und entsprechend enttäuschungssensiblen Individuen münden.

Das ‚Mehr!‘ ist das eigentliche Problem, denn es ist zunächst einmal gesichts- und gegenstandslos und wird begleitet von einer emotionalen Sehnsucht, die bereit ist, sich von Angeboten verzaubern zu lassen. Es bildet den Resonanzkörper einer wachstumsorientierten Ökonomie und speist sich aus Transzendenzbedürfnissen. Erst im Medium von Bildern, Narrativen und Design, findet dieses Mehr! überhaupt erst ein Ausdrucksmedium. Im Kern mischen hier soziale und psychologische Bedürfnisse mit, deren Befriedigung früher in den Bereich der Religion fielen und dort auch bedient wurden, nämlich Unsicherheitsabsorption und Kontingenzausschaltung. In der Gegenwart einer postindustriellen Konsumgesellschaft bleibt als Antwort auf individuelle und kollektive Sinnsuchen nur der Konsum von ästhetisch und funktional möglichst zugeschnittenen Dienstleistungen und Angeboten, die uns da abholen wo wir bereits stehen. Dass es eine Verbindungslinie zwischen kapitalistischer Ökonomie, Konsum und Religion[2] gab und gibt, ist bereits ebenso gut dokumentiert, wie die  psychosomatischen Muster, die im Hintergrund wirken.[3]

Ähnlich wie in früheren Zeiten die Religion und der Mythos, ist auch die Ökonomie der Gegenwart darauf angewiesen durch ästhetischen Budenzauber dem Mehr! einen Ausdruck zu verleihen. Allerdings geht es hier nicht um Heilsversprechen und eine einheitliche Deutung der Welt im Rahmen einer Kosmologie sondern darum, durch sinnliche und funktionale Steigerungen Attraktivität herzustellen und Zahlungen zu realisieren. Und am Ende geht es darum: um Zahlungen und zwar Geldzahlungen. Wer eine Zahlung anbieten kann, erhält Zugriff auf ein knappes Gut und zwar in Absehung aller weiterer Bedingungen, etwa des gesellschaftlichen Standes, der körperlichen Verfasstheit oder der Bereitschaft Gewalt auszuüben. Wer dies nicht kann, kann auch keinen Zugriff auf diese Güter beanspruchen. Niklas Luhmann[4] hat dies in eine schöne Form gebracht, nämlich das Geld sowohl ein symbolisches und diabolisches Medium sei. Symbolisch indem es verbindet und diabolisch indem es trennt. Mit einem solchen Medium lässt sich der Zugriff auf knappe Ressourcen recht friedlich organisieren, denn es entlastet von „Menschlichkeiten wie Hass und Gewalt.“[5]Mittels Geld lässt sich so der eigene Mehr!-Anspruch durchsetzen.

Und das Beste am Geld: es ist zähl- und sammelbar.

Allerdings kann Geld, als Medium von Kommunikation mittels Zahlungen noch mehr, es entbindet von der Notwendigkeit ein Gut sofort gegen ein anderes zu tauschen. Das bedeutet: man muss sich nicht sofort entscheiden und kann Erwartungen bilden. Damit bietet Geld die Möglichkeit Zugriffe aus Gütern von der aktuellen Situation zeitlich, sozial und thematisch unabhängig werden zu lassen mit dem Ergebnis, dass mit seiner Hilfe alles Mögliche erreichbar wird. Auch dies eine Form von Steigerung und damit ein Mehr!. Und das Beste am Geld: es ist zähl- und sammelbar. Wird es gesammelt, entstehen Summen oder besser, ein Potential, das mehr und größere Zugriffe ermöglicht. Wenn man sich hier geschickt anstellt, lässt sich dies ebenfalls wieder in Geld übersetzen. And so on. Man muss bei all dem nur ein recht einfaches Rezept verfolgen: Mach mehr Geld.

Das gesichtslose Mehr! steckt somit nicht nur in unseren haltlosen Psychologien, den Strukturen der Konsumgesellschaft, sondern auch grundlegen in der Logik des Geldes. In der Logik des Geldes verbirgt sich jedoch auch ein Weniger!. Auch wenn dieses Weniger! nicht den positiven Wert einer Wachstumsgesellschaft bildet, ist es doch unverzichtbar. Denn damit diese Ökonomie funktionieren kann, bedarf es Knappheiten, also weniger Ressourcen und Gegenstände als Zugriffswünsche. Nur so lässt sich das Mehr! realisieren. Bereits im 19. Jahrhundert wurde deutlich, dass Knappheit selbst zu einem knappen Gut werden kann und dass nun neue Knappheiten erschlossen werden müssen. Nicht ohne Grund fällt die Geburtsstunde von Design und Werbung in diese Phase. Sie erschließen nach und nach die emotionale und psychische Bedürftigkeit des Menschen, in dem sie ästhetisch gesteigerte Sinnangebote machen, die zu neuen Knappheiten führen und Kapitalbildung antreiben. Sie arbeiten an der Verzauberung der Welt und an den konkreten Erscheinungsformen unserer Erwartungen. Ab Mitte des 20. Jahrhunderts ist der Übergang in eine ästhetische angetriebene Ökonomie dann vollzogen, mit dem Ergebnis, dass man nun mehr im Alltag auf Angebote trifft, die unstillbare „Begehrnisse“[6] erzeugen, obwohl sie vorgeben, Bedürfnisse zu befriedigen. Dass diese dann an den jeweiligen Wirklichkeiten scheitern ist ein willkommener Impuls, der Wachstumseffekte aller Art in Gang setzt. Die Enttäuschung ist damit schon in die Dinge eingeschrieben. Am Ende mündet dies zwar in einer permanenten Spirale aus Erwartung und Enttäuschung und führt dabei zu den eingangs beschriebenen Symptomen, mündet dann aber nicht darin, dass man auf einen Postwachstumskurs einschwenkt, sondern in all den kleinen Alltagspsychosen, die sich aus dem oszillierenden Verhältnis von Mehr! und Weniger! ergeben.

 

Literaturverzeichnis

 

Baecker, Dirk (2003); Kapitalismus als Religion, Aufl. 2009, Kadmus Verlag, Berlin,

Baudrillard, Jean (1970); Die Konsumgesellschaft. Ihre Mythen, ihre Strukturen, 2015, Springer Verlag,

Böhme, Gernot (2016); Ästhetischer Kapitalismus, 2. Aufl. 2016, Suhrkamp Verlag, Berlin,

Bolz, Norbert (2002); Das konsumistische Manifest, Wilhelm Fink Verlaf, München,

Luhmann, Niklas (1988a); Die Wirtschaft der Gesellschaft, 1.Aufl. 1994, Suhrkamp, Frankfurt am Main,

Rosa, Hartmut (2016); Resonanz. Eine Soziologie der Weltbeziehung, 7. Aufl. 2017, Suhrkamp Berlin,

Weber, Max (1904); Die protestantische Ethik und der Geist des Kapitalismus, Berliner Ausgabe 2016, 4. Auflage, Holzinger Verlag,

[1] Rosa, Hartmut (2016); Resonanz. Eine Soziologie der Weltbeziehung

[2] U.a.: Weber, Max (1904); Die protestantische Ethik und der Geist des Kapitalismus, Baecker, Dirk (2003); Kapitalismus als Religion

[3] Baudrillard, Jean (1970); Die Konsumgesellschaft. Ihre Mythen, ihre Strukturen

[4] Luhmann, Niklas (1988a); Die Wirtschaft der Gesellschaft, S.258.

[5] Bolz, Norbert (2002); Das konsumistische Manifest,S.37.

[6] Böhme, Gernot (2016); Ästhetischer Kapitalismus

MEHR?

WENIGER!

Text: Sandra Groll #s_groll

Illustration: Oskar Nehry #oskkko

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BEAUTY

Le sourcil

LE SOURCIL

 

THE EYEBROW by Angélik Iffennecker

The eyebrow is a key facial element, which reveals a person’s

character. It is a significant aesthetic component of the face,

and can also be a subtle and powerful tool of seduction.

A balanced eyebrow amplifies the eyes and optimises all

the features of a face. It is a subtle detail, often disregarded

but that can change everything: It can enhance a face,

revealing the inner beauty and personality of a person.

 

  • why did you start a beauty company just about eyebrows?
  •  
  • It was missing in our makeup case ! Many make–up artists were using a mix of products to get the right color for eyebrows, only one American brand was offering a large palette specifically for brows at that time. So I had this idea to launch the first collection dedicated for eyebrows with 11 shades with French natural pigments. I created the colours on men to get the most natural result. Make-up on men is only right if you can’t see it. Once we achived that I knew it would give the desired look for women.

 

  • what is your favorite color?

 

  • Black if we consider it as a colour

 

  • your mother worked in haute couture, how did she influence you?

 

  • I used to live in a room with a mountain of fabrics, leather, glitter and I was practicing
  • dance, so my entire childhood gave me the taste of disguise and transformation.

 

  • is make-up still important today?

 

  • Beauty, art, paint, rituals, appearances, and with that make-up has been always been important to people from the beginning of our being. And with that, yes, it is still important today.

 

  • what do you think about plastic surgery?

 

  • It can be very interesting as long as it is just touches, as long as it doesn’t show. But I will always say that no cream, no plastic surgery could make an unhappy or mean woman beautiful. Beauty always rises from theinside.

 

 

  • do you plan to launch other products than for eyebrows?
  •  
  • I would love to and I have many ideas, 2 other collections are in my mind…to be continued

 

  • more businesswoman or make-up artist?

 

  • Make–up artist for sure

 

  • what inspires you?

 

  • Beauty in everything, women, photography, dance, music, love

 

  • who is your beauty icon and why?

 

  • Christy Turlington, she’s full of beauty, spirit, body and mind. Yasmeen Warsame could have been her twin and Prince is my definition of beauty in all – larger than life.

 

  • have french women a special relationship to beauty and fashion? And if so, why?

 

  • We are supposed to be the city of elegance and chic, where the best designers started out but i think we have good challengers in Belgium and London ….

 

 

LE SOURCIL

Make-Up: Angelik Iffennecker with products from lesourcil.com #lesourcil

Photograph: Clément PJ Schneider #clementpjschneider

Model:Renée B@Model Management #renee.bg

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MUSIC

Songs about Paris

Thees Uhlmann

Und …das ganze auf …französisch

 

Ich fahre nicht gerne in den Urlaub. Fernreisen sind mir ein Graus. Ich mag das Gefühl nicht, die Sprache von anderen Menschen nicht zu sprechen und habe das konstante Gefühl anderen Menschen zur Last zu fallen. Bali und Tokyo fallen da also schon mal raus.
Eine Freundin von mir hat in Paris ein Auslandsemester gemacht und mich vor die Wahl gestellt: Freundschaft oder ich komme sie in Paris besuchen.
Ich habe also meinen ganzen Mut zusammengenommen, Flug gebucht und bin mit allen Vorurteilen, die es nur gibt, nach Paris geflogen.
Ganz klassisch neben dem Eiffelturm getroffen. Das Wetter war im Herbst genau so, dass man in der klaren Luft ohne Wolken gleichzeitig in der Sonne noch den Sommer riechen kann und in der Luft den kommenden Winter spürt.
Das war schon mal das erste.

Manchmal denke ich, dass viel mehr Sachen gebaut werden sollten, nur damit sie gut aussehen
Und das nächste was mir aufgefallen ist: dass der Eiffelturm einfach nur da steht. Er wurde irgendwann zum Sendemast, aber als er gebaut wurde, war er einfach nur da, um gut auszusehen. Es ist die schöne Funktionslosigkeit, die mir so gut an ihm gefällt. Und ich mag es, als Expos noch Weltausstellungen hießen. Manchmal denke ich, dass viel mehr Sachen gebaut werden sollten, nur damit sie gut aussehen und sich die Menschen an ihnen erfreuen.
Museen zum Beispiel. Gibt es einen AFD Wähler, der sich für moderne Kunst interessiert? Man kann sich das wirklich kaum vorstellen. Irgendetwas ist da, was da in sich hakt.
Dann fiel mir auf, dass es mir vorkam, als ob in Paris alles doppelt so gut schmeckt wie in Deutschland. „Eine Scheibe Brot mit Käse und ein Bier, bitte!“ „Say no more!“ sagte der Garçon, weil er wusste, wie gut das schmeckt.
Ich habe überhaupt kein Problem mit dem Gefühl der Scham und Verantwortung, das ich gegenüber der Stadt Paris habe. Ferner noch spüre ich immer mehr, wie mich dieses Gefühl nachdenkend, reflektierter und schlauer macht. Und dann eben von oben von Sacre Coeur den Blick über diese schöne Stadt wandern zu lassen und neben der Schönheit diese Abscheu dafür zu spüren, wie 3 Generationen vor mir die Nazis hier gewütet haben.


Die Franzosen …BEGEISTERT! und dann meinte einer: „You can speak Englisch with us. Maybe that is easier for you!“

Abends eine Party. Ich liebe Partys bei denen ich keinen Menschen kenne und bei denen ich nur Anhängsel bin. Rumstehen, saufen, die Musik hören, ohne dass man sich darum kümmert oder eine Meinung hat.
(Beste Geschichte, aber auch ein Gerücht: der von mir heiß geliebte Sänger Jens Rachut soll mal auf einer Party in Oldenburg gewesen sein. Schaute sich durch die Plattensammlung des Gastgebers und sagte: „Das ist ja wirklich die schlechteste Plattensammlung, die ich je gesehen habe!“ Wahnsinnig witzig. Mein Gott, wie ich seine Musik und seine Texte liebe. Das gehört alles ins Museum der aktuellen Kunst, wo die Leute, die da drin hängen schon deswegen im Monat 5000€ bekommen. Steuerfrei – that is!)

Dann einfach Gespräche. Und zwar so, dass es toll ist. Gespräche darüber, dass ich Berlin nervig finde und die Pariser OBSESSED sind mit Berlin.  
Und …das ganze auf …französisch. Ich hatte in meinem Leben von der 7. bis zu 11. Klasse und davon ist NICHTS übriggeblieben. Meine Tochter hat jetzt Französisch und wenn ich mit ihr Vokabeln lerne merke ich wie ganz weit hinten in meinem Gehirn Gabelstapler durch die Gegend fahren und längst vergessene Paletten durch die Gegend fahren und noch nicht mal genau wissen wohin sie sollen. Die Paletten sind da, aber die Fahrer der Gabelstapler sind auch echt besoffen. So spreche ich Französisch.
„Je aime Paris toujour enorme et je ne amir normalemand a tue en vacation!“ So halt.
Die Franzosen …BEGEISTERT! und dann meinte einer: „You can speak Englisch with us. Maybe that is easier for you!“

Und dann haben wir über alles geredet. Über Frankreich und Deutschland, Franzosen und Deutsche, Fußball und Politik, über den Krieg und den Frieden und wie das alles weitergeht. Und wir haben eine Party gefeiert und waren trotzdem ernst. Wir haben Völkerfreundschaft gemacht. Ich dann zum Kühlschrank, um mir noch ein Bier zu holen. Und dann meinte der eine: „Eh, Nazi Bastard! Bring me a Beer.“ Und dann mussten wir so lachen. Und dann war der Krieg zu Ende.

 

Malcolm McLaren – Jazz is Paris (1994)

Die Essenz einer Metropole

 

Das ausgerechnet Malcom McLaren, der Erfinder des Punks die ultimative Paris-Hommage herausbringt, kann nur mit der emotionalen Nähe der Engländer zu Frankreich und dessen Lebenskultur zusammenhängen. Denn eigentlich könnte der Kontrast nicht größer sein: Punk Enfant Terrible auf der einen Seite und sensibler, frankophiler Romantiker auf der anderen. Einer der prägnantesten Songs des Doppelalbums heißt „Jazz is Paris“. Er beginnt mit den Zeilen: „I wore black on St. Germain Des Près“ und schon ist man mitten in Paris der 40er, 50er und 60er Jahre. Simone de Beauvoir und Jean-Paul Sartre gaben den Ton bei den Existentialisten an und trugen dabei selbstverständlich nur schwarz. Trafen sich im Café de Flore, im Stadtteil Saint Germain Des Près, mit Gleichgesinnten wie Albert Camus, Jean Cocteau und Pablo Picasso. Eine Zeit, in der Kunst und Philosophie einen ausgedehnten Raum im französischen Kulturleben einnahmen, aber rückblickend mehr ein stylischer Aspekt übrigbleibt, als die tiefen Gedanken dieser Zeit – zumindest in McLarens Songs. So ist das ganze Album – vor allem die erste CD – der Soundtrack zu einem regnerischen Tag einer verlorenen Zeit in Paris. Die Musik schwelgt zwischen Jazz, Chansons und ein paar House Versatzstücken und lässt nichts über die Herkunft und den Hintergrund des Machers vermuten. Aber vielleicht konnte nur ein Fremder diesen Blick auf die Stadt werfen. Ohne das Wissen um die ganzen Details und Codes des französischen Lebens, sondern reduziert auf die Fassade und die Klischees der „Stadt des Lichts“, „der Liebe“ etc.. Dadurch nicht weniger schön und in seiner Oberflächlichkeit vielleicht sogar wahrhaftiger als viele anderen Stücke/Platten über diese Stadt. Sozusagen die Essenz dieser Metropole, ohne zu viele Nebentöne. Selbst die französischste aller Ikonen trägt ihren Beitrag zu dieser Platte bei – Catherine Deneuve singt und wirkt im Video von „Paris, Paris“ mit.

Stilistisch schliddert die Platte immer haarscharf am Kitsch vorbei – wobei das wahrscheinlich auch beabsichtigt ist – der Kitsch – aber an irgendeinem beliebigen Tag oder Abend in Paris, bei Regen oder Sonnenschein versteht man sofort den Geist dieses Albums und die Seele dieser Stadt.

Oder um es ein paar Nummer tiefer zu legen, man hat hier den perfekten Soundtrack für einen langen Spaziergang durch die Straßen dieser Stadt – wobei mit einem bisschen Liebeskummer wäre es noch besser ….

 

Oder, wie Malcolm in „Mon dié sénié“ singt: „Yeah, always get a kick out of Paris“

La Préface

Als ich hörte, dass das neue Cyte Magazin Paris als Haupthema haben sollte, hoffte ich, dass ich um die Plattenkritiken herumkommen würde. Paris? Frankreich? Ich bin einfach nicht sehr bewandert in französischer Musik, außerdem hatte ich im Französischunterricht immer eine 5 oder 6. Es war ein Qual.

Also, mal die Gehirnwindungen abgefahren und überlegt …was gibt es da?
Plastic Bertrand …nee, eher nicht …was hat der eigentlich außer „Ça plane pour moi“ noch gemacht?
Edith Piaf …von der großen Chansonette lasse ich lieber die Schreibfinger.
Gilbert Bécaud …Monsieur 100.000 Volt oder so wurde er damals genannt, aber das ist mir dann doch zu damals.

Yves Montand oder Juliette Gréco …also jetzt wird es aber wirklich zu historisch …ich möchte auch nicht über Charles A. und Jacques B. schreiben …dies mögen alles unglaublich große Songschreiber sein, ebenso Monsieur Gainsbourg, ich will aber nicht, weil ich mich nicht auskenne …
Ahhh, was gibt es da bloß, an die ich mich auch wirklich erinnern kann?

Patricia Kass …och nö …
Zaz …sorry, mag ich nicht.
Jean-Michel Jarre …ok, Oxygene hat was …

Die aktuellen französischen Charts …schwierig, nur französischer Rap.

David Guetta …hmmmmm …
Air …oh …jetzt wird es spannend, plötzlich fallen mir noch viel mehr Künstler aus Frankreich ein ….
Daft Punk!!!!!
Jetzt kann es losgehen und ich sage: Quand le vin est tiré il faut le boire.

 

 

DIE INSELPLATTE

Daft Punk : Random Access Memories
Ja, ich weiß. Da macht es sich der Autor dieser Zeilen doch sehr einfach. Hilft aber nichts, Daft Punk besteht aber aus zwei Franzosen und sogar aus zwei Pariser Jungs. Juhu, was will man mehr, da wird Stephan stolz auf mich sein, voll das Thema von dieser tollen Cyte Ausgabe getroffen.
Guy-Manuel de Homem-Christo und Thomas Bangalter bilden das Duo Daft Punk und irgendwie haben mich die beiden Musiker schon immer musikalisch fasziniert. Sie waren einfach nicht so richtig greifbar. Manchmal experimentell im EDM verwoben dann wieder sehr melodiös und ihre Hits waren einfach extrem tanzbar und hatten eine tolle Hook.
Dazu noch diese Helme, dieser undurchschaubare Mummenschanz, toll. Kunst und Kommerz wurde so geschickt verschmolzen, man konnte sich nicht entziehen.
Bevor ich jetzt hier die bewegte Geschichte der beiden Musiknerds erzähle, empfehle ich die Daft Punk Doku „Unchained“, es lohnt sich.
Nun zu zum Album „Random Access Memories“, Erscheinungstermin 2013. Schon die erste Single aus dem neuen Daft Punk Album „Get Lucky“ war eine überraschende Versprechung. Waren die 70er Jahre wieder auferstanden? „Get Lucky“ war an Leichtigkeit kaum zu überbieten und der Track klang nicht nur nach Nile Rogers, er zupfte auch diese unwiderstehliche Rhythmusgitarre. Bäm, wer hätte das gedacht, Daft Punk goes CHIC.

Dieser Track löste in der Musikwelt eine Renaissance des Nile Rodgers Funk aus, die auch heute noch nachhallt. Bands wie die „Parcels“ (siehe auch Pacels Interview Cyte Ausgabe 2 und online cytemagazin.de) oder der Sänger Charlie Puth oder auch Jungle, entdecken plötzlich ihre funky Ader.

Ich muss mal überlegen …2013 …wo war ich da im Sommer bloß?
Ach ja, in Frankreich! Lieber geneigter Leser, du kannst Dir sicherlich vorstellen was dort überall an den Beachclubs aus den Boxen schallte.
Genau, Daft Punk! Die Sonne schien, wahlweise auch der Mond, das Meer war warm, die Cocktails waren fruchtig und die funky Klänge von Daft Punk huschten über den Strand.

Savoir vivre!
Die musikalischen Helden aus dem eigenen Land, die nun endgültig mit ihrem neusten Streich die Welt erobert hatten, wurden vom Land gefeiert – und auch von mir.

Das Album war mein Soundtrack zum Sommer 2013.
“Random Access Memory“ besteht aber nicht nur aus den tanzbaren Tracks wie „Give Life back to Music“ (der Name ist Programm), „Lose yourself to dance“ und eben „Get Lucky“, sondern auch aus Jazz, Rock, Elektronik, Swing und aus ganz viel Liebe zur Musik.
Wenn ich diesen Longplay höre, dann bin ich glücklich und wenn dann das Jazz/Disco/Elektro Monster„Giorgio by Moroder“ erklingt, explodiere ich vor Glück.

Neun Minuten instrumentaler Wahnsinn. Auf dieses musikalische Denkmal kann sich Herr Moroder wirklich etwas einbilden.

Zum Glück folgt nach diesem Parforceritt auf dem Album die wunderschöne Vocoder-Ballade „Within“, da es sonst für den Kreislauf doch sehr anstrengend werden würde.

Jetzt habe ich doch einen Song herausgehoben, wollte ich eigentlich gar nicht, denn „RAM“ ist ein Gesamtkunstwerk, das am Stück genossen werden sollte.
Guy-Manuel de Homem-Christo und Thomas Bangalter haben zusammen mit einer großen Anzahl an Musikern (u.a. den schon erwähnten Nile Rodgers, Nathan East, Omar Hakim, John “JR“ Robinson, Chilly Gonzales, Julian Casablancas, Paul Jackson Jr und natürlich Pharrell Williams u.a., das Ganze hat fast Steely Dan Ausmaße) ein zeitloses Meisterwerk geschaffen und deswegen gehört es ohne Frage in mein Inselgepäck …check!!!

 

 

Adam Naas: The Love Album

“Adam Naas” …klingt nicht französisch.
„The Love Album“ …klingt nicht französisch …macht aber ja nichts, da Adam Naas ein Franzose ist. Ob Adam Naas im echten Leben auch Adam Naas heißt? Keine Ahnung, ist aber auch so was von egal, denn sein Debutalbum flüstert mir ins Ohr merke dir meinen Namen.

„The Love Album“ …bitte, was passt denn wohl besser zu Paris, zur Stadt der Liebe, ohhh l’amour.
Ein schwülwarmer Abend, in Paris. Die Hitze des Tages steigt vom Kopfsteinpflaster gen Himmel empor, der Geruch von frisch entkorktem vin de pays biegt um die Straßenecke. Es ist gleich halb elf Abends und die Stadt der Lichter zeigt mir eben diese.
Irgendwo dort oben aus einem offenen Fenster klingt Musik zu mir herüber, magische Töne, Töne die Liebe in sich tragen, Töne die erotisch sind, Töne die ein Sänger …oder ist es eine Sängerin …oder ist es Camille (Prince feminines Alter Ego) …mit inbrünstiger Seele begleitet.

Ein liebendes Pärchen steht im Schein einer fernen Straßenlaterne und genießt den Moment. Traum oder Realität?
Ein heißer Club in der Nähe des Place de la Bastille, schöne Frauen, schöne Männer, schöne Menschen, bewegen sich im diffusen Licht. Das Glück strahlt aus ihren Poren, Endorphine wirbeln durch die Luft. Man möchte alle Tanzwütigen auf einmal umarmen.

Die Membrane der Boxen pulsieren zu den Songs „True Intimacy“, gefolgt von „Cherry Lipstick“.
Traum oder Realität?

Wie es auch immer sein mag, Adam Naas liefert den Soundtrack zu beiden Szenen, vielleicht auch weil der 26jährige Sänger aus Paris stammt und genau weiß, wie Paris bei Nacht klingt.
Liebe und Tanz, beides ist ihm nicht fern. Alles getragen von seiner ganz besonderen Stimme, die einen umgarnt und gefangen nimmt. Sein Album dreht sich tatsächlich um die Liebe, um die schöne und die dunkle und schmerzhafte Seite, er lässt nichts aus. Er legt seine Geschichten in ein warmes musikalisches Bett, dessen Matratze mit angenehm kühler Flüssigkeit gefüllt ist.
Er selbst nennt seine Musik angeblich Romatic Soul und vielleicht trifft es dies auch ganz gut. Als Vorbilder nennt er Nina Simone oder Sam Cooke, wobei ich immer wieder ganz viel Prince heraushöre (zum Beispiel im ersten Track „No Love without risk“ und dem besagtem „Cherry Lipstick“).
Besonders viele Informationen findet man über Monsieur Naas noch nicht im Internet. Es scheint so, als wolle er seine Musik für sich sprechen lassen.
In seiner Spotify Artistinfo findet man nur folgende Satz: “The Sorting Hat said I was a Gryffindor on Pottermore. I thought I was a Ravenclaw.”

Zumindest steht er auf der richtigen Seite und ich hoffe, er bekommt noch mehr Aufmerksamkeit für seine tolle Musik, denn eins ist klar, die Welt braucht mehr Liebe und die strömt aus dem „Love Album“ von Adam Naas.
Deswegen sage ich, anhören, weitersagen und diesen Planeten mit musikalischer amour aus Frankreich überziehen.

 

 

Maurice Ravel: Daphnis & Chloé

Nun geht es mal so richtig rund in dieser Rubrik. Hier kommt eine Rezension zu einem klassischen Ballett-Werk von mir, obwohl ich keine Ahnung von Klassik habe.
Höre ich da etwa Zwischenrufe aus dem Publikum: Wer wagt es, unsere E-Musik mit ungeübtem Ohr in einer Rezension zu besprechen?.

Meine Antwort kann nur lauten: Hier, ich wage es. Ce qu’on ne peut pas dire est ce qu’on ne peut pas taire la musique l’exprime.
Was soll ich sagen, dieses Ballett von Maurice Ravel fasziniert mich schon seit meiner frühen Jugend. Ich kann mich noch erinnern, mein Vater hatte die Vinyl mit einer Aufnahme des Balletts bei einem NDR Preisausschreiben gewonnen. Ich schnappte mir die Platte sofort und wollte hören was es da zu hören gab.
Maurice Ravel war mir tatsächlich durch den „Bolero“ ein Begriff, also erwartete ich keine Popmusik und war auch nicht überrascht, als das Orchester langsam und vorsichtig die ersten Töne anstimmte.
Ich glaube es war das NDR Symphonieorchester, das war mir aber schuppe, ich dachte damals noch, es ist doch egal wer da spielt, da mir erst viel, sehr viel später bewusst wurde, dass nicht jedes Orchester gleich klingt.

Das Orchester beginnt vorsichtig, ganz leise, es dräut und es flötet eine kleine Piccolo, ein Horn setzt ein und im Hintergrund hört man einen Chor, der etwas verspricht und dann, dann die volle Dröhnung. Orchester und Chor durchbrechen für einen kurzen Moment den vorsichtigen Moment, bevor es wieder zart wird. Ich kann hier nicht das ganze Stück beschreiben, da es so viel Abwechslung bietet.

Der Anfang ist für mich aber immer besonders, einfach wunderschön. Für mich sind die ersten 10 Minuten von Daphnis und Chloé wie eine Reise auf einem Meer. Ein stilles Gewässer wird plötzlich wild und unbarmherzig, bevor es sich wieder beruhigt.
Die Musik kommt in Wellen und umspült den Hörer süß und wild.

Aber nicht nur die Suite Nr.1 hat ihre großen Momente, auch die Suite Nr. 2, die noch mehr auf Gegensätze setzt, ist ein Fest für die Ohren.
Für den schnellen Einstieg empfehle ich den Teil „Lever du jour“, wem da nicht das Herz aufgeht, der sollte nie nach Paris reisen.
Inzwischen kenne ich die Geschichte von „Daphnis und Chloé“ und wer hätte es gedacht: es geht eigentlich nicht um eine Seereise, sondern um eine dramatische Liebesgeschichte mit allem Brimborium. In der griechischen Lovestory aus dem 2. Jahrhundert gibt es Götter, Zeigen, Schafe, Bösewichte, Nymphen und einiges mehr. Da wundert es mich nicht, dass die Musik so viele verschiedene Stimmungen transportiert.
Ich persönlich bleibe trotz allem bei meiner gedanklichen Bootsfahrt. Schließlich ist die Liebe doch wie eine Reise über das Meer. Mal schön und sanft und dann wieder unbändig und wild, auch mal bedrohlich und manchmal sinkt das Traumschiff leider.

Maurice Ravel, der nicht in Paris geboren wurde, dort aber zumindest lange lebte und dort auch unter tragischen Umständen 1937 starb, hat für mich mit „Daphnis und Chloé“ ein modernes Meisterwerk geschaffen.

Zwar wurde das Werk schon 1912 uraufgeführt, für mich klingt es aber wie ein moderner Soundtrack zu einer Romanze, nein, zu einem SciFi Film, nein, zu einem Thriller, auch nein, zu einem Marvel Movie, ach nein …es ist einfach gut komponierte Musik im Klassikgewand.

Auch 108 Jahre nach der Uraufführung klingt das Ballett nicht angestaubt und jeder Musikfreund, der gerne auf musikalische Reisen geht, sollte sich einmal die Zeit nehmen und sich dieses Werk anhören. Und ich wette, es gibt da draußen unzählige Filmkomponisten, die Ravel als Vorbild nennen.
Übrigens, ich habe das Ballett noch nie live gesehen, sondern kenne nur Tonaufnahmen und ich weiß noch ganz genau, als ich mir dann irgendwann eine andere Aufnahme von Daphnis und Chloé anhörte, war ich entsetzt, wie seltsam diese klang, da von einem anderen Orchester und Dirigenten vorgetragen.
Nun müsste ich eigentlich eine ganz bestimmte Version empfehlen, schließlich macht man das so als ernstzunehmender Klassikrezensent. Da ich aber kein erstzunehmender Klassikrezensent bin, überlasse ich das dir, lieber Leser. Suche dir deine Lieblingsversion von „Daphnis und Chloé“ doch selbst. Wichtig ist nur, dass du suchst und dich dann auf Ravels Love Boat begibst, denn dann wird alles gut.