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Sophie Auster

IT DOESN’T END
Artist: Sophie Auster | Words: Claudia Ippen
Als ich höre, dass Sophie Auster mit ihrem neuen Album Milk for Ulcers nach Hamburg
kommt, zögere ich nicht lange, ich möchte unbedingt dabei sein. Doch schnell merke ich:
Ich kenne sie eigentlich kaum. Ein paar Songs hatte ich mal gehört, der Name war mir ein
Begriff, doch Fan war ich vor allem von ihren Eltern. Ihr Vater, der große Paul Auster, ist
im letzten Jahr verstorben. Ihre Mutter, die Schriftstellerin Siri Hustvedt, hat mit Was ich
liebte eines meiner Lieblingsbücher geschrieben. Aber Sophie? Sie habe ich erst durch die
Vorbereitungen auf diesen Abend wirklich entdeckt. Milk for Ulcers lief bei mir rauf und
runter. Eine Stimme, klar und eindringlich, die hängen bleibt. Und Texte, die unter die Haut
gehen.
Das Interview ist schnell vereinbart. Kaum angefragt, kommt auch schon die Zusage vom
Tourmanagement: ein kurzes Gespräch und Fotoshooting am Abend ihres Konzerts, direkt
im Nochtspeicher. Und obwohl der Soundcheck deutlich länger dauert als geplant, nimmt
sich Sophie im Anschluss entspannt Zeit für unser Gespräch. Dort begegnet sie mir sehr
offen, sympathisch und reflektiert. Sie spricht ausführlich über ihre neue Platte, über
Schmerz, Geburt, Verlust und die Musik als eine Form der Bewältigung. Eigentlich hatte
ich vor, das Thema um den Tod ihres Vaters nur vorsichtig zu streifen – aus Respekt vor ihr,
aber auch, weil ich vermute, dass sie oft darauf angesprochen wird. Doch Sophie geht von
sich aus ohne Scheu und mit großer Ehrlichkeit auf dieses Thema ein. Beim kurzen
Fotoshooting zeigt sich sofort ihre professionelle Seite – man merkt, dass sie schon oft vor
der Kamera stand. Diese Professionalität zieht sich auch durch ihren Bühnenauftritt: eine
stilvolle, äußerst präzise Performerin, die technisch jedes Detail beherrscht und jeden Ton
perfekt trifft.
CYTE: Your new album Milk for Ulcers feels deeply personal and intimate. How did this
specific image – milk as a remedy for an ulcer – become a central metaphor for the music
and emotions behind it?
SOPHIE AUSTER: It’s weird, because we are talking about things that are kind of
outdated. They used to say that if you burned yourself, you should put butter on it. Now
people think that’s a terrible idea. And that you should drink milk for stomach ulcers
because it coats your stomach. But apparently, that’s really bad for you. There are all these
things that used to be considered helpful, and now we have learned they are actually not.
And I decided in that moment, I’m going to call my next record Milk for Ulcers. I was with
my parents and my husband at the time. I remember Spencer [Anm. d. Red.: Sophies
Ehemann], who’s a huge 90s rock guy, was like, that’s a cool title. And then my dad said, I
don’t like it, I don’t like it. And I thought, I don’t know. But as things started to unravel in
my life [Anm. d. Red.: Paul Auster starb 2024 an Komplikationen infolge von Lungenkrebs,
Daniel Auster, Sophies Halbbruder verstarb 2022 an einer Überdosis], I realized it was
actually the perfect title. When you’re going through really difficult
times, looking for answers, you sometimes turn to the wrong
things.

And does anything really fix something that devastating? No. But things shift.
And time can make things a little easier, for sure, but it doesn’t go away. I liked the idea of
these temporary things that might make you feel better, even if they don’t fix the issue at its
root.
Auf der Bühne wirkt Sophie auf mich, im direkten Vergleich zum Interview, kontrollierter,
vielleicht sogar etwas distanzierter, beinahe unnahbar. Zwischen den Songs erzählt sie kurze
Anekdoten – ruhig, lakonisch, manchmal mit einem leicht ironischen Lächeln. Am Anfang,
nach ihren ersten Songs Heartbreak Telephone und Don’t ask me what I do, sagt sie: Being
a musician is not the easiest thing in the world. Vielleicht ist das auch der Grund für ihre
Zurückhaltung.
CYTE: You mean that some things can start a healing process, even if a complete healing
may never come?
SOPHIE AUSTER: Yeah. We live in a world where everyone’s trying to fix everything.
There are so many messages out there tellling us we can live
forever, that we can fix this or that. That we can be 25 when
we are really 45. I liked playing with that – because the truth
is, there’s no real answer for that stuff, you know?
CYTE: You experienced a lot of extremes while working on the album: grief, loss and pain,
which I don’t want to go too deeply into.
SOPHIE AUSTER: It’s out there, so I do have to talk about it sometimes, even though it’s
hard. But in a way, that’s part of how I process things. To put it out
there, to be public about grief, and to turn it into art, into
music. And I can say this publicly, too: it doesn’t end. Sometimes in your private life,
people forget. They’ll say, oh, my God, how are you? And you’re like, well, still not great,
but, I’m okay. People really do forget. A lot of people are there for you in the first month or
so, but then they go back to their lives. They forget that grief is just this long,
hard process.
CYTE: And, from personal experience, I don’t think it ever really ends. It changes in
intensity, but it never ends.
SOPHIE AUSTER: I think it’s always good to check in on people who’ve lost someone. To see how they’re adjusting to a new life, because it is a whole new life without that person.
Yeah. It’s weird.
Ein leiser, zutiefst emotionaler Moment ihres Sets: Blue Team. Ein Song über Trauer und
den Wunsch, ein moralisches Versprechen einzuhalten. Der Song ist ihrem Vater gewidmet und greift das von ihm geprägte Bild des Blue Teams auf, ein Sinnbild für Integrität und
Fürsorge. Der Text erzählt von Dankbarkeit und dem Willen, sein Vermächtnis
weiterzuführen. Er verbindet den Schmerz des Verlusts mit Hoffnung und der Kraft
gemeinsamer Erinnerungen. Sophie sagt dazu, grief stays with you like a sweater you wear
all the time. But grief changes. In diesem Moment ist sie ganz bei sich – und zeigt sich
ehrlich und verletzlich.
CYTE: And alongside the grief, you also experienced the birth of your son. Someone very
important to you left and someone very important arrived.
SOPHIE AUSTER: You’re pulled in all these different directions. You’re really happy and
really sad at the same time. It was intense. It was hard. And even little babies – they feel
everything. So I tried to protect him from me being too sad. One
thing about having a baby is that everything is so immediate. I didn’t get a lot of time to selfreflect,
if that makes sense. In a way, it was confusing and also helpful because you just
have to push through. You know that if you don’t show up for that little guy, he’s not gonna
make it. So you have to be present. You can’t tune out. In a way, having my baby saved me
during a really hard time. But it’s also exhausting. Sometimes you just want to crawl under
the covers. But somehow, I find the energy. Still, sometimes before a show, I think, no way.
CYTE: He’s with you on tour, right?
SOPHIE AUSTER: He was with me. After Germany, I’m playing a show in Mallorca and
then in Barcelona. So now he’s with his dad and my mother-in-law in Mallorca. He’s having
the time of his life. He is very well taken care of. Right now, there’s just way too much
going on. We’re doing all the driving, and he’d be in the car for too long. I think they
recommend that babies his age shouldn’t be in a car seat for more than two hours, and we’re
sometimes traveling for ten.
CYTE: Did the extremes of birth and loss change your music or how you worked on the
record?
SOPHIE AUSTER: Yeah, definitely. I’ve gone through different phases in terms of what
kind of music I wanted to make. Before all of this happened – during Covid – I was trying to
make dance music. I didn’t want to make anything too sad. I just wanted to have fun. Even
though it was a global catastrophe, I personally just wanted to escape a little. I thought
dance music would be the right move, for when we could all be back together again, go out
and celebrate. And I think it was the right move at the time. But then, going through
something so devastating and personal, I felt like if I didn’t write about it,
I’d be running away from the biggest thing happening in my
life. So I felt like there was no other way but to be honest, to write songs that sometimes
felt like private demos. I’ve had songs like that for years, but I hadn’t shared them. This
time, I just had to.
CYTE: Your songs are so personal – so much of you goes into your texts and your music. I
can imagine that it would be quite difficult to leave these themes and feelings out.

SOPHIE AUSTER: My family cries when they listen to the record. Because it directly
deals with things we’ve all been through.
CYTE: How does your family listen to your music, especially this album?
SOPHIE AUSTER: I grew up in a house where people really
listened to music. They’d sit down, close their eyes, dance, whatever – but they
really listened. They’d really take in the lyrics. My family doesn’t do a lot of background
listening. I do. I play music all the time. But the way they do it is probably the best way to
experience a record. They’ve listened to Milk for Ulcers. Not every day, but they’ve listened
to it.
CYTE: There are moments on the album full of imagery, but also full of silence. Some
songs feel very quiet. Do you write lyrics intuitively, like you have something in mind and
write it down? Or is there a more conscious process, almost like writing poetry or prose,
influenced by your parents?
SOPHIE AUSTER: That’s a a good question. I grew up reading a lot. My parents were
very critical of texts, of what made them good or not. And they were critical of me, too. I
remember showing my mother a poem in college, and she said, it’s not good. It’s really not
good. And she was right, it was terrible. I’m glad she told me. That helped me be
more direct in how I write lyrics – to be careful with what I
say. When I was younger, I think one of my big hindrances was trying too hard to be
original. I was nervous about sounding like someone else. I wanted to be different. But that
can really hinder you. As I’ve gotten older, I just don’t care anymore. I don’t care if a song
sounds a bit like another song. I’ve had to free myself. I write what feels good
and honest. I try not to worry too much. And have fun with it.
I think, if you’re honest, it’s automatically original. I think listeners
can hear that and feel it, too.
CYTE: So what’s next? Are you already thinking about what comes after this?
SOPHIE AUSTER: I’ve been thinking about it, especially in talks with the touring agency
for next year. I’ve been thinking about how I can still play melancholic themes, but maybe
with different tempos and beats. You can certainly have sad songs you can dance to. And
also I’m a mom now. I feel like my son deserves a few songs as well.
CYTE: How old is he?
SOPHIE AUSTER: He’s 16 months.
CYTE: Oh, wow.
SOPHIE AUSTER: Yeah, he’s very adorable. And an enormous flirt. He sees ladies, and he turns around and blows kisses. He’s living his best life in Mallorca with all the Spanish
ladies – naked, flirting, eating oranges, and I think his grandmother’s giving him ice cream
every day.
CYTE: Great, grandmas have to spoil!
Vor Dollar Man dann der erste politischere Moment: Bruce Springsteen said something
about the orange man. This song is about rich powerful men. Ein Satz, der im Raum hängen
bleibt. Ihre klare Haltung wird spürbar – ohne Pathos, ohne große Gesten.
CYTE: One last question, something totally different. In Germany, every morning we wake
up and read the latest news from the US and about Trump. What do you say to the current
developments in your country? I read that Bruce Springsteen has been very political and
openly anti-Trump in his recent concerts.
SOPHIE AUSTER: And now Trump doesn’t want to let him back into the country. That
just shows you what narcissists obsess over. He’s preoccupied with Bruce Springsteen. He’s
spending time tweeting about Springsteen, about Taylor Swift, saying she’s lost her looks…
CYTE: And that Springsteen has a leather face.
SOPHIE AUSTER: Springsteen is handsome, and he’s a nice guy, too.
CYTE: His team posted a topless photo of him on his Instagram, saying he has great skin,
as an answer to Trump. I don’t know, it felt a bit off. You don’t need to go there.
SOPHIE AUSTER: It’s kind of funny though, but I don’t think you should
even respond to Trump. I haven’t been saying his name really. The very
frustrated left, myself included, is looking in horror at what’s going on. I can’t believe
it’s 2025, and we’re rolling back so much progress. He doesn’t
care about science, he doesn’t care about facts. He doesn’t care
about protecting anyone. We’ll see what happens when he gets rid of Medicare
and Medicaid. Our healthcare system is already terribble, and now he’s trying to destroy the
few good parts that exist. It’s crazy. My friends and I try to focus on local elections, like in
New York. But it’s very hard and scary. All those people who voted for him, they’ll see
what’s coming. Do you know what the head of border patrol wants to do? She wants to
make a reality TV show where immigrants compete for citizenship. It’s disgusting.
It’s like Black Mirror. You know that show? It’s like these horrible, dystopian futures – and
it’s happening right in front of us.
CYTE: I know a lot of people who can’t watch Black Mirror anymore because they feel like
it’s already our reality.

SOPHIE AUSTER: I agree. It’s here. We’re living it and it’s scary.
CYTE: My biggest concern is that even the people who voted for him will continue to
support him, no matter what he does, even if it’s against their own interests.
SOPHIE AUSTER: Many Trump voters justify it by saying, it has to get worse before it
gets better. That’s not smart. Why should it get worse? Biden inherited Trump’s tax plans
and inflation. He actually managed to cap the inflation, it wasn’t his fault. It was all Trump.
Sophie Auster ist längst keine Newcomerin mehr, doch ihre Reichweite ist überschaubar:
rund 12.500 monatliche Hörer auf Spotify, etwa 26.000 Follower auf Instagram. Angesichts
ihrer wunderschönen und gut ausgebildeten Stimme, der eingängigen Songs und ihrer
jahrelangen Erfahrung überrascht das. Woran liegt es? Vielleicht daran, dass ihre Musik
eher ein reiferes Publikum anspricht. Vielleicht auch daran, dass sich – zumindest für mich
– ein Widerspruch auftut, im persönlichen Gespräch und auf der Bühne. Ich kann nicht
genau benennen, warum.
Nach dem Konzert geht sie nicht in den Backstage-Bereich. Stattdessen steht sie am Merch-
Stand, signiert T-Shirts und Taschen. Ganz nah am Publikum. Woher also dieses Gefühl der
Distanz auf der Bühne? Vielleicht gehört es einfach zu ihr. Eine Form von Selbstschutz, ein
Teil ihrer Kunst.
Dass Sophie weitermachen wird – als Künstlerin, als Songwriterin und Sängerin – steht
außer Frage. Trotz Trauer, trotz ihrer neuen Rolle als Mutter. Ich wünsche ihr, dass ihre
Musik noch mehr Menschen erreicht. Aber vielleicht ist das gar nicht ihr Ziel. Vielleicht
geht es ihr um etwas anderes: ehrlich zu bleiben, sich verletzlich zu zeigen und integer zu
sein. Eine Haltung, die an ihren Vater erinnert. Vielleicht liegt genau darin ihre größte
Stärke.
Vielen Dank, liebe Sophie Auster, für unser offenes und sehr persönliches Gespräch. Wir
wünschen dir viel Erfolg für deine kommenden Pläne, Projekte und Musik.

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Blumengarten

Blumengarten
Photographer: Kristina Wolf

Dass ich heute mit Blumengarten spreche, ist ein kleines Wunder und eine Verstrickung von vielen Zufällen. In dieser CYTE-Ausgabe gibt es eine Backstage-Story von der Modenschau des Berliner Labels SF1OG. Während ich dort photographierte, hörte ich, wie sich zwei Modelle unterhielten. Ich nahm den Wortfetzen wahr: „Ich wusste gar nicht, dass ich singen kann, aber jetzt bin ich in einer Band!“. Daraufhin fragte ich: „Wie heißt denn die Band, in der Du singst?“ Er: „Blumengarten.“! Ich: „Kann man euch denn auf Spotify hören?“. Er: „Ja, klar, wir haben auch eine Plattenfirma.“. Ich: „Echt?!“.
Der Name schwirrte mir im Kopf rum. Wieder zu Hause, habe ich mir die Playlist von Blumengarten angehört und war total begeistert! DAS hatte ich nicht erwartet.
Aus „Ich wusste gar nicht, dass ich singen kann“ und meinen null Erwartungen, tönte mir der tröstendste Soundtrack des Jahrzehnts entgegen. In einer Zeit, in der alle sorgenvoll in die Zukunft blicken und eine Horrormeldung die nächste jagt, spenden Rayan und Sammy mit ihrem soften Sound Trost und geben Hoffnung. Hoffnung auf eine bessere Zukunft, Hoffnung auf eine bessere Welt. Obwohl einige Texte im ersten Moment fast kitschig wirken, rutschen sie niemals ab, sind immer glaubwürdig und aufrichtig. Gefühlvoll, ja! Sentimental, vielleicht! Aber vor allen Dingen rein und klirrend unschuldig. Und das ist wahrscheinlich alles, was die Welt im Augenblick am dringendsten braucht!

Cyte: Das ist ja schön, dass das noch geklappt hat mit uns.

Rayan: Ja, voll. Du und ich, wir haben uns ja quasi kennengelernt, da Backstage bei der SF1 OG Show. Du warst der mit der Kamera, oder?

Cyte: Genau, ich habe photographiert und du hast mit einem von den anderen Modellen gequatscht und ich hörte diesen Satz: „Ich wusste gar nicht, dass ich singen kann, aber jetzt singe ich in einer Band.“

Rayan: Ja, das habe ich wohl gesagt, das stimmt.

Cyte: Der Satz kam so leise und bescheiden um die Ecke, ich hatte gar keine Erwartungen. Dennoch ist er mir im Kopf geblieben und als ich mir dann eure Sachen auf Spotify angehört habe, war ich total geplättet. Und nach wie vor: ich bin platt, wirklich toll, was ihr macht.

Rayan: Boah, danke, das ist sehr lieb.

Cyte: Der Name Blumengarten, wie seid ihr dazu gekommen?

Rayan: Also hinter dem Namen gibt es gar keine so große Idee. Es ist schon immer ein Wort gewesen, das ich schön fand. Vielleicht ist es auch ein bisschen beeinflusst von Tyler, The Creator mit dem Flower Boy Album. Das Wort „Blumengarten“ hat so eine gewisse Ästhetik und ich hatte einfach Glück, dass Sammy ja gesagt hat. Wir haben wirklich kein einziges Mal über den Namen nachgedacht. Manchmal sieht man ja bei anderen Musikerkollegen, die dann im Laufe ihrer Karriere nochmal ihren Namen ändern. Aber wir waren so happy mit dem Namen und mir fällt kein besserer Name als Blumengarten ein. Das passt irgendwie zu uns, das passt zu unserer Band, das passt zu unserer Musik, deswegen: alles richtig gemacht.

Cyte: Band heißt im Augenblick, nur ihr beiden, oder?

Rayan: Ja.

Cyte: Und für Konzerte oder so, da holt ihr euch dann Musiker dazu?

Rayan: Genau, wir haben da ein paar Musiker, mit denen wir arbeiten. Auf der letzten Tour waren es drei MusikerInnen und auf der nächsten Tour sind es dann vier MusikerInnen, die noch mit uns auf der Bühne stehen werden.

Cyte: Wie schreibt ihr eure Lieder?

Rayan: Ich schreibe die Texte und Sammy schreibt die Musik. Ich kann leider kein Instrument spielen und deswegen ist, sobald es dann um Musik geht, immer Sammy gefragt, mich zu unterstützen oder mir zu helfen, wenn ich halt nur Text oder auch nur Textfitzel habe. Aber das gilt genauso vice versa. Es ist oft auch so, dass Sammy an einem Stück Musik gearbeitet hat, irgendwie einen Beat gebaut hat und mir den dann schickt. Und manchmal fällt mir dazu auch sofort was ein.
Wenn wir uns an ein längeres Projekt setzen, sammeln wir so die ersten Fitzel und dann irgendwann kommen wir zusammen und fangen an da durchzugehen, was uns gefällt, was nicht.

Cyte: Sammy, Du schreibst keine Texte?

Sammy: Also ich bin kein Texter, ich schreibe keine Texte, ich kann auch nicht singen und ich gebe nur meinen Input. Also wie Rayan halt Daumen hoch oder Daumen runter zum Beat gibt, gebe ich halt auch meins dazu „ey, man könnte das ja hier machen, man könnte das zu einer Bridge machen und das zu einem Refrain machen“, aber ich schreibe keine Texte.

Rayan: Wir geben uns auf jeden Fall Input, weil wir müssen ja auch beide mit allem d’accord sein So wie Sammy keine Texte schreibt, komponiere ich auch keine Musik.

Cyte: Wie beschreibt ihr diesen Stil, den ihr habt? Ich kann eure Musik ganz schwer einordnen. Es ist relativ soft vom Sound, es ist deutsch gesungen, aber es klingt nie – und die Gefahr besteht bei softem Sound in deutscher Sprache – kitschig. Und das ist so toll, wie geht das?

Rayan: Also das habe ich schon öfter gehört, dass wir diese Stellung haben, dass es dann bei uns nicht kitschig ist. Ich glaube, dass jeder Songwriter, jede Songwriterin irgendwie andere Sachen sagen darf. Das ist ein lustiges Phänomen. Ja, also ich würde sagen, unser Sound ist einfach eine Manifestation von all der Musik, mit der wir aufgewachsen sind und die wir lieben gelernt haben. Wenn so eine klassische Band, jetzt sagen wir mal early 2.000er, damals Musik gemacht hat, dann hat man halt gehört, okay, die haben Oasis gehört und ihren Sound dementsprechend daran angeglichen. Ich habe das Gefühl, damals war immer alles einfacher einzuordnen. Heute ist Musik, ihre Vielfalt mehr available, wegen den ganzen Streaming-Plattformen. Ich habe Musik nie genre-basiert gehört, ich habe Musik immer nur vibes-basiert gehört. Also wenn mir heute Skrillex gut gefällt, morgen Queen und übermorgen 50 Cent, dann ist es okay. So habe ich Musik gelernt und genau so machen wir Musik. Nicht getrieben von irgendwelchen Genre-Codes, sondern eher von Gefühlen und von Vibes. Deshalb ist unsere Musik nicht so definierbar. Wir finden gut, dass es so ist.

Cyte: Findet insgesamt gerade ein Wechsel statt? Bis vor zwei, drei Jahren war vieles, was auf deutsch war, eher so dicke-Hose-Gangster-Rap-mäßig. Dieses „Softe“ ist neu, oder? Und ist das andere, das dicke-Hose-Ding vorbei?

Rayan: Ich glaube nicht, dass es vorbei ist, das wird vermutlich nie vorbei sein. Aber ich glaube, dass sich der Space erweitert hat und sich das Männlichkeitsbild in der deutschen Gesellschaft geweitet hat. Mehrere Typen oder unterschiedliche Auslegungen von Männlichkeit kommen jetzt einfach gut bei den jungen Leuten an. Ich habe vor kurzem ein lustiges Video auf YouTube gesehen, über so Deutsch-Poesie und die Schreiber der early 2010er. Da hast du die Mark Forsters, Cluesoes und Max Giesingers, die von meiner Generation weitgehend als kitschig und uncool betrachtet werden. Und ich weiß nicht, ob das damit zu tun hat, dass diese Generation schon sehr vulnerable und männlich war.
Letztlich feiert aber dieser Charakter und dieser Typ Mann in der Musik eine Renaissance. Das sieht man nicht nur bei uns, das sieht man auch bei vielen anderen Acts, die auf eine bestimmte Art männlich sind, sich aber gefühlvoll und verletzlich zeigen. Ein Beispiel ist Berq, der gerade alles auseinandernimmt oder Zartmann. Das sind alles Acts, die jung sind und männlich aber einen anderen Weg gehen. Dass wir Teil dieser Bewegung sein können, finde ich sehr schön.

Cyte: Ihr scheint, ob bewusst oder unbewusst, einen Nerv der Zeit damit zu treffen.
Wenn die Zeiten da draußen rauer werden, braucht man eine Musik, die einen wieder auffängt.

Rayan: Ja, ich kann mir vorstellen, dass das auf jeden Fall einer der Gründe ist, weshalb uns die Menschen hören. Wie Du sagst, es ist eher unbewusst. Es kommt aus der Perspektive, aus der wir die Welt sehen und wie wir die Welt gerne hätten.

Cyte: Ihr kommt beide aus Velbert. Wie war es, dort groß zu werden?

Rayan: Boah, es war… Also, wenn ich mich in die Version von mir zurückversetze, die dort gelebt hat und die dort aufgewachsen ist, die würde jetzt wahrscheinlich sagen, nervig und scheiße. Man hatte das Gefühl, dass die Menschen dort nicht so tolerant waren für Dinge, die irgendwie anders sind oder aus der Reihe tanzen. Aber heute, aus meiner heutigen Perspektive, bin ich schon sehr dankbar, dort aufgewachsen zu sein. Über die Zeit hat sich meine Sichtweise darauf ziemlich verschoben. Sammy, wie war es bei dir?

Sammy: Ja, würde ich genauso sagen. Jetzt rückblickend, war Velbert eine ganz schöne Stadt. Es ist halt eine Kleinstadt. Jeder hatte so seine Grüppchen von Freunden und man konnte sich da nicht so ausleben, wie hier in Berlin. Das ist natürlich ganz krass anders. Rückblickend war es eine sehr schöne Kindheit, mit Fußball spielen und so. Wir sind auf eine Gesamtschule gegangen. Das war auf jeden Fall sehr prägend. Das war eine sehr große Schule und alle möglichen Leute waren da drauf. Das war auf jeden Fall sehr schön. Aber auch schön, dass wir nicht mehr in Velbert sind.

Rayan: Ich bin sehr, sehr happy, dass ich nicht mehr in Velbert bin. Ich glaube, jetzt würde mich das killen, weil da kann man sich auf jeden Fall nicht komplett kreativ ausleben und komplett man selber sein. Das wird dann doch nicht toleriert.
Aber für das Großwerden war es gut. Es hat uns stärker gemacht und uns zu den Leuten gemacht, die wir jetzt sind. Viel von dem, wie wir jetzt sind, hat mit der Sozialisierung in Velbert zu tun. Und natürlich auch unser Sound. Das sind alles Überreste aus Velbert.

Cyte: Habt ihr in Berlin mit der Musik gestartet oder war das noch in Velbert?

Rayan: Wir haben schon bei Sammy zu Hause angefangen, damals im Keller seiner Eltern. Jetzt sind wir beide in Köln. Hier bekommt man Kultur mit und hat auch als junger Mensch Spaß. Und irgendwie ist das auch eine Stadt, die jetzt nicht so schnell ins Bett geht wie Velbert. Aber wir sind halt gleichzeitig nicht super weit weg von unseren Familien.

Cyte: Euer Album, das jetzt im März rauskommt, Ich liebe Dich für immer, ist das erste, richtig? Bisher gab es EPs. Wie seid ihr da rangegangen?

Rayan: Also irgendwann war es klar, jetzt ist der Zeitpunkt, wo wir ein Album machen. Wir hätten uns noch viel länger Zeit lassen können. Aber irgendwann war der Zeitpunkt, wo wir gesagt haben, okay, wir machen jetzt dieses Album.

Cyte: Kurze Zwischenfrage. Es ist schon interessant, dass ihr euch entschieden habt ein Album zu machen, das ist doch ein recht klassischer Ansatz, fast etwas rückwärtsgewandt. Heute ist es ja gang und gäbe einfach nur Songs rauszuhauen. Und dann ist das so ein Stückelwerk. Aber ihr habt euch bewusst für ein Album entschieden, weil ihr das als Form gut findet?

Rayan: Ja, voll.

Sammy: Wir haben uns dafür entschieden, weil das ein Medium ist, mit dem wir aufgewachsen sind. Und das ist das Medium, über das wir uns in Musik verliebt haben.

Rayan: Ich glaube, Sammy und ich gehören noch knapp zu der Generation, die Musik nicht nur über TikTok kennengelernt hat und deshalb einfach nur single-mäßig hört. Bei uns war es schon so, dass man Alben noch appreciated hat. Wir sind einfach glücklich, Teil der Gruppe zu sein, die dieses Medium einer neuen Generation näher bringt. Man sieht auch, wie die darauf reagieren, sie freuen sich auf das Album.

Sammy: Wir haben uns sehr bewusst dafür entschieden, dieses Album zu machen. So wie wir das Album erarbeitet haben und so wie wir Musik machen, kann man es nicht häppchenweise rausgeben. Wir sehen es als Großes und Ganzes.

Cyte: Ein Teil des Albums ist in Frankreich entstanden, wie kam es dazu?

Rayan: Wir waren zwei Wochen mit unserer Band auf einer Album-Fahrt. Das Ziel war, Demos für das Album zu machen, so dass wir zumindest instrumental fertig wieder zurückkommen. Außerdem wollten wir gucken, was passiert, wenn wir neue Sachen schreiben. Und tatsächlich überkam uns in Frankereich echt eine Welle der Kreativität. Wir haben richtig viele neue Stücke, viele neue Songs geschrieben.

Cyte: War Frankreich zufällig gewählt oder habt ihr eine Beziehung zum Land?

Rayan: Frankreich ist einfach ein schönes Land. Wir wollten aus Deutschland raus, wir wollten eine andere Umgebung, auf andere Gedanken kommen. So weit weg wie es dann mit der Band geht, denn es musste ja das halbe Studio mit. Damit konnten wir jetzt nicht auf die Malediven oder so. Aber wir wollten ohne Ablenkung, ohne den Alltag sein, frei von Friseurterminen und Fußballspielen. Das hieß auch weg von Freunden. Keine Freundin erlaubt.

Cyte: Ist der Song Ich liebe dich für immer die erste Single, die ausgekoppelt worden ist?

Rayan: Das war tatsächlich einer der ersten Songs, die für das Album entstanden sind. Da waren wir noch nicht in Frankreich. Wenn wir an so ein Projekt rangehen, treffen Sammy und ich uns erstmal für uns, um uns in den neuen Vibe reinzufühlen. Und genau da ist halt der Song entstanden. Zum großen Teil also in Köln. Das war einfach so eine Session von uns beiden, bei der wir uns auf den Vibe vom Album geeinigt haben. Dieser Song und Erinnerung waren die ersten beiden Songs, die für das Album standen. Wir wussten sofort, dass Ich liebe dich für immer sounddefinierend sein wird und so heißt auch das Album.

Cyte: Wenn ihr dieses Album jetzt fertig gemacht habt, wie geht es dann bei euch weiter? Was sind die Pläne für die nächste Zeit?

Rayan: Jetzt kommt erstmal ganz viel Promo-Arbeit, damit das Album auch an die Leute kommt. Und dann haben wir eine Tour vom 5. bis zum 16. April, auf die wir uns vorbereiten. Wir bauen gerade das Set mit unserem Musical Director. Das proben wir und bringen es dann auf die Bühne. Und danach hoffentlich erstmal Urlaub.

Cyte: Der ist dann wohlverdient! Habt viel Erfolg mit dem Album und viel Spaß auf der Tour!

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Paura Diamante

THE DESCENT – Paura Diamante

Photographer: Stephan Ziehen
Hair: Jesus Rodriguez
Make-Up: Antina Christ

Paura Diamante ist eine Künstlerin aus Berlin, die seit vier Jahren eine Art Synth-Wave Pop macht. Sie ist der Gegenentwurf zu den Retortenproduktionen der großen Major Labels. Eine Nische, die gar nicht zwangsläufig erfolgreich sein möchte, sondern der es um Selbstverwirklichung und Authentizität geht. Entsprechend ist die Fangemeinde ausgesucht und besteht in erster Linie aus Insidern.
Hier möchte niemand glatt und mainstreamig sein, vielmehr ist man bereit, Ängste und Fehler mit dem Publikum zu teilen. Diese Community entzieht sich jeder Kommerzialität und macht sich so unabhängig von der Zwängen der Musikindustrie. Der Preis für die Unabhängigkeit ist jedoch, dass sie von der Musik alleine nicht leben kann.
Wir finden es wichtig, dass es solche Künstler:innen gibt, die sich nicht vereinnahmen lassen und denen Integrität wichtiger ist als Geld. Willkommen in der Welt von Paura!

Cyte: So, in den 90er Jahren hast Du in Kassel angefangen Musik zu machen, dann bist Du nach Berlin gegangen. Und dann gab es eine Pause.

Paura: Ich hab auch noch Musik gemacht, als ich schon in Berlin gelebt habe. So bis Ende der 90er. Das war ja irgendwie auch eine andere Zeit. Heute setzt man sich an den Computer und kann relativ autonom alleine Musik aufnehmen und produzieren. Damals war das nicht so einfach und auch das ganze Equipment kostete viel mehr Kohle, wenn man gute Aufnahmen machen wollte. Ich hab dann studiert und wollte zu der Zeit auch einfach was anderes – ausgehen, die queere Szene erleben, mich in der Stadt verlieren. Und dabei hat sich das mit der Musik so vertüddelt. Ich habe es aber immer doof gefunden, dass das so gelaufen ist. Ich bin dann erstmal Musikjournalist geworden und habe dabei immer gemerkt, dass ich eigentlich lieber selbst Platten machen würde, als nur darüber zu schreiben. Dann kam eines Tages Corona und dann dachte ich: Jetzt machst du das einfach. Ich kenne sehr viele Musiker:innen hier in Berlin und habe Romain Frequency aka Electrosexual gefragt, ob er eines meiner alten Demos neu mit mir aufnehmen würde. Er meinte dann „Ja, der Song gefällt mir, lass uns das machen.“.

Cyte: Welcher Song war das damals?

Paura: „Berlin“, den habe ich vor zwanzig Jahren geschrieben, allerdings mit einem anderen Text. Und dann ging es eigentlich nahtlos weiter. Ein Album und dann noch ein Album und jetzt habe ich ja noch ein zweites Musikprojekt. Ich bin völlig hysterisch.

Cyte: Das heißt, in der Form, wie du es jetzt machst, ist es erst so seit drei, vier Jahren?

Paura: Genau, so seit 2020.

Cyte: Und wie ist daraus die Figur Paura entstanden?

Paura: Ich habe vorher schon Drag gemacht, da hieß ich aber noch ausgehDörte. Ich habe Lip-Sync-Performances gemacht und so ein Kram, halt Drag. Als ich dann wieder mit der Musik angefangen habe war mir relativ schnell klar, dass ich das auch in Drag machen möchte. Dieses Understatement in der 90er- und Postmillennial-Musik, was Image und Look betrifft, fand ich immer öde. Außerdem fühlte ich mich zu diesem Zeitpunkt in Drag sicherer.

Cyte: Wäre all das, was du machst, außerhalb von Berlin möglich?

Paura: Als queere Person muss du dir ja meist die Frage stellen: Ertrage ich es, in der Provinz zu bleiben, oder ziehe ich in eine große Stadt? Ich glaube, als hetero Person hat man einfach viel mehr Möglichkeiten, sich auch in kleineren Städten zu verwirklichen, weil es ganz viele Angebote gibt. Wenn du schwul bist, wie in meinem Fall, dann hast du in einer Provinzstadt im schlimmsten Fall nach drei Jahren mit allen gepennt, mit denen du pennen möchtest. Das ist jetzt natürlich nicht ganz ernst gemeint. Es geht einfach darum, dass das Leben außerhalb großer Städte für queere Menschen oft sehr herausfordernd sein kann auf verschiedene Art und Weisen. Es gibt meist kaum LGBTIQ*-Infrastruktur. Ich kann ehrlich gesagt in anderen Städten schlecht atmen. Also muss ich leider hier sein, auch wenn es mich nervt.

„ …klatsch eine Dutte drauf, ein bisschen Make-up und schon sieht der Loser aus wie eine Amazone.“

Cyte: Gibt es eine Limitierung im Publikum, weil das schwul und Drag ist?

Paura: Für mich und meine Musik?

Cyte: Ja.

Paura: Ich glaube manchmal, dass es für einige vielleicht schwer ist, emotional anzudocken, weil ich doch sehr Kunstfigur bin und vieles von dem, was ich so singe, im Gegensatz dazu sehr persönlich ist. Wenn man ein sehr spezielles Image erschafft, dann kann das manchmal einer emotionalen Glaubwürdigkeit entgegenstehen, weil alles so Oberfläche ist. Aber ich versuche zeitgleich sehr offen zu sein, wenn es darum geht, mit meinen Defiziten umzugehen. Ich habe mir nicht so eine Teflon-Image angeschafft, das wirklich nur Look und nur geil ist. Ich habe zum Beispiel eine relativ ausgeprägte Angststörung und gehe damit immer sehr offensiv um. Deswegen heiße ich auch Paura, das heißt Angst auf Italienisch. Mir ist es wichtig zu zeigen, dass ich eben keine unverwundbare Kreatur bin, die so high-gloss-mäßig daherkommt, sondern dass ich voller Fehler, voller Ängste und eigentlich in meiner Selbstwahrnehmung voll der Loser bin. Aber klatsch eine Dutte drauf, ein bisschen Make-up und schon sieht der Loser aus wie eine Amazone.

Cyte: Wie stelle ich mir das vor, wenn du Musik schreibst, wie geht das?

Paura: Das hat sich ganz schön verändert. Als ich angefangen habe, habe ich tatsächlich viel mit der Gitarre gemacht und einfach mit meinem Gesang. Ich habe Demos allein mit Harmoniegesang aufgenommen oder mit Gitarre und die hat Romain Frequency von akustisch in elektronisch übersetzt. Gerade bei der ersten Platte „Tango“ war wirklich ein künstlerischer Dialog zu gleichen Teilen zwischen mir und ihm. Er hat meine Songs sehr frei interpretiert. Das hat sich ein bißchen verändert, als ich angefangen habe, auch selbst zu produzieren. Heute schreibe ich viel am Rechner. Du fängst an mit einem Beat, dann machst du eine Bassline und so weiter. Gutes Songwriting finde ich aber schon toll und tatsächlich kriege ich das oft nur mit einer Gitarre hin. Da entsteht ein klassisches Musik- oder Songwritergefühl. Bei Clubmusik hast du oft nur ein paar Töne, die sich wiederholen. Da geht es dann eher um die Produktion, den richtigen Beat, den Spannungsbogen.

Cyte: Aber das Gitarre spielen stammt noch aus Deiner Zeit, in der Du mit Bands in Kassel gespielt hast?

Paura: Genau, aber ich war nie besonders gut.

Cyte: Jetzt machst Du das seit vier Jahren. Hast du noch die Plattenfirma, von der Du vorhin gesprochen hast?

Paura: Also ich habe einen Vertrag unterschrieben, aber ich glaube, der ist jetzt nach zwei Jahren und zwei Alben ausgelaufen. Muss ich mal nachschauen. Heute kannst Du ja deinen Kram genauso gut selbst veröffentlichen. Das Label war vor allem sinnvoll, weil ich gerne Vinyl machen wollte. Dafür brauchst du natürlich ein Label. Wenn du das aber nicht machst und nur digital veröffentlichst, kannst du deinen Kram jederzeit selbst raushauen. Ich fand das mit dem Label aber schon toll, weil ich nie erwartet hätte, dass sich jemand für meine Musik interessiert. Das war also für mein Ego ziemlich gut. Unterm Strich habe ich auch gut von deren Community profitiert. Das war eine tolle Starthilfe. Im Großen und Ganzen darf man sich das aber auch nicht mehr so vorstellen wie früher. Labels haben auch kaum noch Kohle, vor allem im Underground-Bereich. Die haben einfach keine Ressourcen, um einen Act aufzubauen, mal Werbung zu machen, irgendwo eine Anzeige zu schalten. Das können die gar nicht leisten.

„Mich turnt der Prozess des Musikmachens an, neue Welten erschaffen, neue Lieder.“

Cyte: Aber wie wichtig ist Dir denn bei diesem Projekt auch ein Erfolg. Ist das eine Kategorie, in der Du denkst?

Paura: Nicht wirklich. Das macht auch wenig Sinn. Dafür müsste ich auch live auftreten und das mache ich derzeit nicht wegen meiner Angst-Problematik.
Ich würde sehr gerne auftreten, aber ich bin im Moment psychisch nicht in der Lage, das zu tun. Ich muss es erst mal schaffen, irgendwie in die U-Bahn einzusteigen. Und danach kann ich überlegen, mich auf eine Bühne zu stellen. Nee, ist wirklich so, kein Scherz. Ich habe in meinem Job als Journalist oft Podiumsdiskussionen oder sowas moderiert. Das war die Hölle und mir ging es drei Wochen vorher immer schon extrem schlecht. Vor einem Konzert wäre das Gefühl vermutlich zehnmal so schlimm. Und dann bist du auch noch auf Tour, machst das dann vielleicht 14 Tage lang, dreimal die Woche. Aber es ist schade, weil mir das ganz viel nimmt. Musiker:innen sollten live spielen, vor allem wenn sie Erfolg haben und ein bißchen was verdienen wollen. Natürlich würde ich lügen, wenn ich behaupte, dass mir Erfolg komplett am Arsch vorbei geht. Es beschäftigt mich schon, wenn ich zum Beispiel selbst finde, dass irgendwas sehr gut geworden ist, es dann aber nicht so angenommen wird wie gedacht. Dann merke ich, das ärgert mich. Aber ich sehe auch, dass ich sehr ungeduldig bin. Ich bin nicht der Typ, der jahrelang an einer Platte feilt. Das muss alles sofort sein und raus damit. Mich turnt der Prozess des Musikmachens an, neue Welten erschaffen, neue Lieder. Und alles andere, was älter ist, ist für mich irgendwie nicht mehr so interessant. Deswegen veröffentliche ich sehr schnell, bin dann sehr pushy. Wo andere Künstler:nnen sagen, nee, ist nicht gut genug, jetzt musst du noch mal singen oder so, denke ich halt eher: Komm, scheiß drauf! Das Feeling stimmt.

Cyte: Auf der einen Seite ist es ja toll, dass es so leicht geworden ist im Vergleich zu früher, Musik zu veröffentlichen und sie auch selbst zu produzieren. Aber dadurch gibt es natürlich auch viel, viel, viel, viel, viel mehr Musik, Bands, Künstler…

Paura: Es gibt so viele Bands da draußen und so viel Kram. Ich finde, das ist ja einerseits eine Anarchisierung des Musikmarkts. Wenn ich mir überlege, wie viele tolle Sachen in den 80ern abgelehnt wurden, wo dann einfach irgendein alter Sack vom Label gesagt hat, „Das ist scheiße, das veröffentliche ich nicht.“. Das sind Bands, von denen man nie was gehört hat. Da hat ja früher die Industrie entschieden, ob du eine Plattform kriegst oder nicht. Also in den meisten Fällen. Und heute finde ich es schon gut, dass man selbstbestimmt sagen kann, ich gehe da raus. Und wenn die Leute es kacke finden, dann finden sie es halt kacke. Für mich ist das bis auf die beschriebenen Ausreißer nicht mehr so relevant. Ich habe schon ein Leben hinter mir. Aber wenn du jetzt Anfang 20 bist und dich im Musikbusiness wirklich etablieren willst, dann hast du, glaube ich, einen ganz anderen Zugang. Du machst das dann viel mehr, weil du denkst, das könnte ein Lebensmodell für dich sein, so als Musiker. Und das hatte ich nicht, weil ich schon vorher wusste, wer ich bin. Und ich brauchte das nicht, um erstmal herauszufinden, wer ich bin.

Cyte: Es erübrigt sich eigentlich, wenn man sich in Deiner Wohnung hier umguckt, aber ich frage es trotzdem: wer sind Deine musikalischen Vorbilder.

Paura: Mein Musikgeschmack ist tatsächlich sehr breit. Also ich gehöre nicht zu den Leuten, die sich musikalisch nur innerhalb einer Bubble bewegen. Ich bewege mich völlig ungehemmt zwischen Polen von Christian Death bis Daliah Lavi. Für die Musik von Paura Diamante gab es aber anfänglich tatsächlich ein Vorbild. Anfang der 80er gab es in den New-Romantic-Kreisen in London ein französisches Model mit dem Namen Ronny. Die hatte so nen androgynen Grace-Jones-Vibe. Also vom Style her ein bisschen maskulin, androgyn. Und die hat, glaube ich, vier Songs veröffentlicht. Ein Lied heißt „Blue Cabaret“. Und dieses Lied ist eines meiner absoluten Lieblingslieder. Ich wollte immer etwas machen, was diesen Vibe hat. Das hatte sowas Marlene Dietrich meets Synth Wave mäßiges. Also eine verruchte, tiefe, etwas bittere, arrogante Frauenstimme, die eigentlich nicht richtig singen kann. Und dazu so ein ganz bestimmter, voluminöser Schulterpolster-Sound. Sowas wollte ich machen. Das habe ich damals auch zu Romain gesagt bei der ersten Single – der Track soll klingen wie „Blue Cabaret“. Klang natürlich dann anders, ist ja auch okay, aber hatte tatsächlich einen ähnlichen Vibe.

Cyte: Was unterscheidet denn Jan von Paura?

Paura: Nichts. Außer ner Perücke und Make-up. Ich bin nicht anders, wenn ich ein Drag bin. Ich bin eher so ein depressiver, soziophober Typ, immer latent schlecht gelaunt. Und das ist Paura auch.

Cyte: Das heißt, dann ist dieser Schutz, den diese Figur bieten könnte, nicht so groß, wie man denken würde.

Paura: Tatsächlich nehmen dich die Leute aber anders wahr. Ich glaube, das ist eher der Punkt. Also ich bin so, wie ich bin. Wenn ich aber nicht lustig bemalt bin, haben die Leute einen anderen Blick auf mich. Dann denken sie: Was für ein mürrischer alter Sack. Und wenn ich in Drag bin, denken sie: Ach toll, was für eine, was weiß ich, flamboyante, mürrische Person. Du wirst einfach anders rezipiert. Und ich glaube, darin besteht der Schutz – dass die Leute das dann einordnen in ein Image, das es vielleicht gar nicht gibt. Man nimmt es eher hin, solange es gut aussieht. Ich meine, das hast du ja auf allen Ebenen der Gesellschaft. Wenn Leute schön sind, in so einem sehr vorgefertigt kapitalistischen Sinne, werden ihr Leid und ihr Output ganz anders rezipiert. Und wenn du den klassischen Schönheitsnormen nicht entsprichst, dann gilt auch dein Leid nicht als sexy. Das ist zum Kotzen, aber so funktioniert Gesellschaft leider. Wenn du dir einen Film anguckst und Hollywood will dir eine bestimmte Emotion präsentieren, dann nehmen sie Menschen, die den Schönheitsnormen entsprechen, weil dann vermutlich mehr Menschen mit den Held:innen mitleiden. Aber wenn du einen Film hast, in dem die Hauptperson der Körpernorm nicht entspricht, dann ist das Mitleiden eher ein Mitleid. Und das, glaube ich, trifft auch ganz gut auf dieses Drag-Ding zu. Es überhöht das, was ich sage, auf einer glamourösen Ebene. Und ich habe dann das Gefühl, ich bin nicht so angreifbar.

„Ich sage immer: Ich verwalte die Angst und schaue, dass sie meine Freiräume nicht zu sehr einschränkt.“

Cyte: Verstehe. Wenn du Dir was wünschen dürftest, wenn Dir ein Traum erfüllt werden würde, was wäre das? Innerhalb Deines Musikerinnen-Daseins.

Paura: Ich wäre gerne eine bessere Musikerin. Ich würde gerne wissen, wie ich klingen würde, wenn ich nicht so viel rauchen würde. Wenn meine Stimme geschulter wäre. Ich habe immer das Gefühl, es würde noch mehr gehen, wenn ich nicht so eine faule Sau wäre. Ich habe nicht so die Technik. Und ich würde gerne live auftreten. Das ist etwas, das ich wirklich gerne machen würde.

Cyte: Seit wann hast Du das Gefühl, dass das nicht geht? Ist das schon immer so?

Paura: Nee, es gibt tatsächlich sogar einen – schlimmen – Live-Auftritt aus den frühen 90ern mit meiner Band im Fernsehen. Das war natürlich damals nur im Offenen Kanal. Ich habe aber wirklich mittlerweile eine lange Geschichte von psychischen Beeinträchtigungen und lebe seit mehr als 20 Jahren mit klassischen Panikattacken. Es gibt ganz viele Dinge, die ich nicht gerne mache oder vermeide. Dazu gehört eben alles, was mit auf die Bühne gehen, Zug fahren, U-Bahn fahren, fliegen, überhaupt in Urlaub fahren, zu tun hat. Vieles davon mache ich trotzdem, aber es ist immer ein schmaler Grat. Mit der Angst lebe ich jetzt schon ganz lange. Ich sage immer: Ich verwalte die Angst und schaue, dass sie meine Freiräume nicht zu sehr einschränkt.

Cyte: Aber vielleicht könntest du ja aus der Not auch eine Tugend machen, so wie damals während Covid, als die ganzen Modeschauen nicht auf dem Laufsteg stattfinden konnten, sondern Filme gemacht wurden. Man müsste ein Konzept entwickeln, wie man einen Live-Auftritt bei Dir im Wohnzimmer filmt.Wäre das theoretisch denkbar?

Paura: Das einzige, was mir bei einem Auftritt Sicherheit geben würde, wäre absolute Routine und das bedeutet, ich müsste wirklich lange proben, um das zu realisieren. Und wenn ich vor der Entscheidung stehe, ob ich meine Wochenenden mit Proben im Proberaum verbringe oder lieber damit, neue Musik zu schaffen, dann habe ich mich bisher immer für das Aufnehmen von neuer Musik entschieden. Ich will nicht primär das Alte verwalten, ich will lieber Neues schaffen. Aber, wer weiß, vielleicht trete ich irgendwann dann doch mal live auf.

Pressetext über Paura’s letztes Album:

PAURA DIAMANTE: THE DESCENT
ALBUM RELEASE DATE: OCTOBER 6, 2023

Die queere Synth-Wave-Chanteuse Paura Diamante aus Berlin hat ihre Wurzeln im Dark-Wave/Gothic-Tape-Underground der frühen 90er-Jahre und veröffentlichte während dieser Zeit mit diversen Projekten Musik.

Nach über 20 Jahren Schweigen meldete sie sich 2022 mit ihrem Solo-Debütalbum „Tango“ (Young & Cold Records) zurück. Das von Romain Frequency – der schon mit Acts wie Hard Ton, Aerea Negrot und Peaches zusammen arbeitete – produzierte Album wurde mit seinem Mix aus Synth Wave, Dark Wave, Neo Folk und Pop von Fans und Presse gleichermaßen positiv aufgenommen. Remixe von renommierten Acts wie Rue Oberkampf, Double Echo, WLDV oder Madmoizel folgten, Paura Diamantes Song „Berlin“ wurde für den Soundtrack des Underground-Films „Captain Faggotron Saves The Universe“ ausgewählt.
Zwei ihrer Videos (zu „Berlin“ und „Tango“) schafften es außerdem in die Silver Selection bei den Berlin Music Video Awards 2022 und 2023.
Am 6. Oktober veröffentlicht Paura Diamante nun ihr zweites Album „The Descent“ auf Young & Cold Records, erneut produziert von Romain Frequency. Als Gastmusiker*innen dabei sind Sängerin und Saxofonistin Ruby Mai (Totenwald) sowie Magnus von Keil an der E-Gitarre. Für den Song „We Are The Dead“ konnte Paura Diamante außerdem den Experimental-Musiker Bleedingblackwood als Gastsänger gewinnen.
„The Descent“ hebt die bereits im Vorgänger „Tango“ angelegte Mischung aus Synth Wave, Dark Wave, Pop und neoklassisch angehauchtem Ambient auf ein musikalisch deutlich höheres Niveau. So zeichnet das Album einen Bogen von eingängige Wavepop-Hymnen wie „Abigail“ oder dem elegischen „Spiders“ zu dunkel-opulenten, von Harmoniegesang getragenen Klangkathedralen wie „War“ oder „We Are The Dead“.
Auch textlich fällt Paura Diamantes zweites Album ausgefeilter aus. Thematisch wesentlich persönlicher behandeln die Songs Themen wie soziale Ängste, Depressionen und Manie, aber auch zwischenmenschliche Zurückweisung, Sterblichkeit und die steigende Queerfeindlichkeit innerhalb etlicher Gesellschaften dieser Erde. „The Descent“ ist ein vielschichtiges künstlerisches Statement, dass sich allen derzeit gängigen musikalischen Trends entzieht. Ein großes, abgründiges Songbook voller Wut, Traurigkeit und Resignation.

Für Ende 2024 ist Paura’s nächste EP „New Dawn Decay“ geplant.

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MUSIC

New Faces in Music

New Faces in Music

Auf den nächsten Seiten stellen wir euch neun neue Acts vor, von denen man bald

viel hören wird. Nachdem Deutschland im Gangsta Rap unterzugehen drohte, ist eine neue Generation an Musikern groß geworden, die mit einfühlsamen Texten und facettenreichen Sounds

die Musikszene neu belebt. Die Zeiten von „dicker Hose“ und Mackersprüchen sind glücklicherweise vorbei! Man spürt das nach Covid, Krieg und endlos Krisen andere Themen in der Musik relevant geworden sind. Die Töne werden nachdenklicher und weicher. Die Gesichter, die diese Sounds repräsentieren sind so vielfältig wie diese Welt ist. Divers und bunt: Faces in Music! Diese Musikgeneration macht Mut.

Photograph: Stephan Ziehen

Retuschen: Gloss Envision

Wir danken Warner Music für die freundliche Unterstützung

GERD
On a friday night you can find me…?
Singing to the cat… or possibly drinking wine with friends.
What was the best/worst point of growing up in Sweden?
The connection and closeness to nature, it was definitely the best part.
What is a typical day in your life like?
I stare at my coffee for an hour, get ready, go to the studio to record something, go back home
and panik about what I just made, do something that’s not related to music so I remember I’m
human. Get an amazing idea at 00.00, go to sleep way too late, thinking ”I’ll have to record this
tomorrow”.
What was the last record/cd you bought?
My friends Teodor Wolgers had a release party. I bought his vinyl – ”Dialogues”, it’s now my
favorite dinner record to put on, highly recommend.
What is your favorite swear word?
Fan.
When are you the happiest?
When I feel free and creative, like anything is possible.
When did you last cry and why?
I usually cry watching movies, last night to Sound of Music.
Why do you make music?
I’ve always played music but I think I started to make my own music during a period when I felt
lonely. It made me connect with others trough music. Nowadays music is my way of staying
mentally sane, music is where I breath from everyday life, It has become like a new layer of me.
What’s next?
I’m releasing my first album and doing my first Swedish tour! I’m finally gonna play every single
song live and meet my audience. I’m also excited to have the chance to develop a larger concept
of the GERD musical world.
What’s the secret of your success?
Being authentic and connecting to others, I think has been my biggest asset to move forward.
What makes life worth living?
Friends, art and exploring. Trying new things and embracing the little things.
What was your childhood dream of the future?
Becoming an artist on a grand stage with an orchestra like Edith Piaf or Kate Busch was always
the dream, and if that wasn’t possible, a hippo vet. So far I haven’t had any hippo experience
added to my resume.
Describe your musical style!
I usually say my music genre is melodramatic indie-pop! I love mixing orchestral sounds and big
choirs with electronic sounds and play with dramatic transitions. I’m hoping my songs will be
heard as dreamy, dramatic surprises with timeless melodies.What song do you listen to when you’re sad?
I don’t listen to music when I’m sad. When I’m sad I enjoy the silence or I create something new to
cope with my feelings.
What song makes you smile?
There’s no happier song than Dj Bobo Chihuahua, it’s such a stupid song, makes me smile every
time. It also happens to be the best ”get the party started song”, try it!
What’s your career high so far?
My biggest career high is probably one of the summer gigs when I had the audience sing along to
the songs, or when I was voted ”future artist” by my fans. It makes me feel like the music has
connected to so many people and has a life of its own. I can’t wait to get out and play more music
live.
What is your favorite work of art?
It would probably be one of the darker pieces of a Swedish painter called Sven Frödin. He painted
graphic art based on his favorite music, he even had a exhibition called ”The visual music”. There’s
a lot of movement in his art and it combines strict themes with soft shades, it feels very timeless
and a lot like music.
What is your fashion style?
I like classic pieces, and usually mix secondhand with new stuff. My favorite piece of clothing is a
navy striped blazer, and my most worn jewelry is vintage Dior earrings in silver that I bought from
auction a few years ago.

H+M: Lisa Neubacher@Bigoudi
H+M Assistenz: Guerdy Casimir
Styling: Daniel Blechman
Assistent: Winston Sussens

Sanko

  1. Freitagabends findest Du mich …

… mit meinen Jungs in einer Bar in Düsseldorf oder im Studio.

  1. Was war das Beste/Schlimmste daran, in Deutschland aufzuwachsen?

Das Beste war, dass einem hier eine Menge Perspektiven und Sicherheiten geboten werden.

  1. Wie sieht ein typischer Tag in Deinem Leben aus?

Content drehen, Gesangsübungen bzw. zum Vocal Coaching fahren oder auch ins Studio, um neue Songs aufzunehmen.

  1. Was war die letzte Platte/CD, die Du gekauft hast?

Es ist ziemlich lange her, aber es müsste das Bruno Mars Album „Doo-Wops & Hooligans“ gewesen sein.

  1. Wann bist Du am glücklichsten?

Wenn ich Songs schreibe und meine Gefühle in den Texten verarbeiten kann, denn das Gefühl ist magisch, wenn etwas Gutes dabei entsteht.

  1. Warum machst Du Musik?

Weil ich über Musik das ausdrücken kann, was ich nicht immer in Worte fassen kann. Ich möchte anderen Menschen in schwierigen Situationen helfen, sich durch meine Musik und Messages besser zu fühlen oder zu heilen.

  1. Was kommt als nächstes?

Als nächstes kommt mein neuer Song „Gospel“, der von mir und meiner Kindheit erzählt und Hoffnung in die Herzen der Menschen bringen soll.

  1. Was ist Dein Erfolgsgeheimnis?

Man sollte immer die Möglichkeiten ergreifen, denn es laufen jeden Tag 1000 Gelegenheiten an einem vorbei. Man hat sein Glück selbst in der Hand.

  1. Was war Dein Kindheitstraum für Deine Zukunft?

Ich wollte immer schon Sänger werden und mein Traum ist es, auf einer großen Bühne zu stehen und die Menschen zu begeistern.

  1. Beschreibe Deinen Musik-Stil!

Ich singe Deutsch-Pop mit Soul-Elementen und orientiere mich dabei an internationalen Artists.

  1. Was war Dein bisheriger Karriere-Höhepunkt?

Mein ganz persönlicher Höhepunkt war mein Signing bei Warner Music sowie mein allererster Release „Wenn ich Dich Vermiss“.

  1. Wie würdest Du deinen Mode-Stil beschreiben?

Ich trage gerne einen Mix aus elegant und sportlich bzw. Streetwear.

Styling: von Uwe
Grooming: Kristin Waltersdorf@Bigoudi

MELE
Freitags abends findest Du mich…?
In einer Kneipe am Tischkicker. Ich spiele Sturm und Mittelfeld.
Was war das beste /schlimmste daran, in Deutschland aufzuwachsen?
Das allerbeste waren die Jahreszeiten und schlimm an Deutschland fand ich eigentlich
ziemlich wenig. Ich hatte eine sehr sichere und zumindest grundsätzlich unbeschwerte
Kindheit (kein Krieg, kein Mobbing, kein Hunger…), deshalb fühlt sich Beschweren falsch
an.
Wie sieht ein typischer Tag in Deinem Leben aus?
Es ist wirklich unmöglich das zu sagen. Es gibt Tage, da stehe ich um 7:30 Uhr auf,
verbringe den ganzen Tag am Schreibtisch für Berufs-Orga und verlasse das Haus nicht und
dann gibt es Wochen, in denen ich nur unterwegs bin. Was gleich bleibt: das Erste, was
morgens passiert, ist Kaffee in meinem Mund.
Was war die letzte Platte/CD die Du gekauft hast?
Puh, das muss ungefähr 100 Jahre her sein… Ich hab weder einen CD Player noch einen
Plattenspieler. Aber ich glaube, es war das Album „Kalenderblätter“ von Fabian Römer.
Dein Lieblings-Schimpfwort?
Dumme Nudel.
Wann bist Du am glücklichsten?
Auf der Bühne und beim Schlafen.
Wann hast Du zuletzt geweint und warum?
Wegen einem Kommentar bei YouTube, der mich wütend gemacht hat, weil er sehr
ungerecht war. Ungerechtigkeit macht mich generell sehr wütend und wenn ich wütend bin,
muss ich öfter weinen.
Warum machst Du Musik?
Das frag ich mich auch jeden Tag haha. Ich glaube, vor allem für das Gefühl, wenn man
nach dem Musikmachen raus geht, AirPods rein macht, den Song abspielt, den es wenige
Stunden vorher noch gar nicht gab. Es fühlt sich einfach so gut an, wenn man etwas Neues
geschaffen hat. Dieser Moment hat Magie.
Was kommt als nächstes?
Im Sommer kommt mein Album und ich freue mich wahnsinnig. Davor kommt aber erstmal
noch mein Song „Alle schauen“, der mir sehr wichtig ist.
Was ist Dein Erfolgsgeheimnis?
Ehrlich gesagt, ich glaube Menschen nicht, wenn sie mir sagen, dass ich Erfolg habe.
Deshalb habe ich auch kein Erfolgsgeheimnis.
Was macht das Leben lebenswert?

Spätzle mit Soße, Brettspiele, Sauna, knutschen, Harry Potter
Was war Dein Kindheitstraum für Deine Zukunft?
Mariah Carey werden
Beschreib Deinen Musik-Stil!
Bei mir ist jedes Lied anders, weil ich selbst auch ein sehr impulsiver Mensch bin. Ich
glaube, das merkt man meiner Musik an. Aber wenn ich es definieren müsste, ist es schon
Popmusik mit Hip-Hop-Einflüssen. Und ich hoffe, dass man hört, dass mir der Text wichtig
ist.
Welches Lied hörst Du, wenn Du traurig bist?
Happy Ending von Mika.
Welches Lied zaubert ein Lächeln auf Dein Gesicht?
Fruchtsaft von Layla.
Was war Dein bisheriger Karriere-Höhepunkt?
Mein Auftritt auf dem Modular Festival. Das war einfach nur krass… Ski Aggu war nicht da
und ich durfte seinen Slot übernehmen. Es war überwältigend.
Was ist Dein Lieblings-Kunstwerk?
Alles von Otto Dix
Wie würdest Du Deinen Mode-Stil beschreiben?
Ein Mix aus ultra basic und extra. Ich trage zum Beispiel sehr gerne auffällige Jacken oder
Schuhe zu nem sonst sportlichen Look. Auf jeden Fall bequem, unbequeme Kleidung macht
mich sauer.

H+M: Lisa Neubacher@Bigoudi
H+M Assistenz: Guerdy Casimir

Ledu

Worin liegt der Reiz Songs zu schreiben?

Für mich liegt der Reiz darin, mich in verschiedenen Formen von Kunst ausdrücken zu können und ein fertiger Song wirkt wie ein vollendetes Bild für die Ohren.

Ist Kunst Freiheit für Dich?

Definitiv. Ich bin der Meinung das Kunst überlebensnotwendig ist, um dem Grauen Alltag etwas Leben einzuhauchen.

Gibt es ein Plan B?

Derzeit nicht, nein. Ich habe bewusst alles auf eine Karte gesetzt, da mir schon immer klar war das ich Vollzeit-Künstler sein möchte. Sollte jedoch das Projekt LEDU andere Formen annehmen, so wäre ich in Zukunft auch dafür offen.

Was macht dir Angst?

Abhängigkeit in jeglicher Hinsicht. Das Gefühl zu haben eventuell nie anzukommen. sowas macht mir Angst. Spinnen sind okay.

Wann bist Du im Zusammenhang mit deiner Kunst am glücklichsten: am Anfang oder am Ende einer neuer Arbeit?

Ich würde mir wünschen das ich nach der Fertigstellung eines Projekts wunschlos glücklich mit dem Ergebnis wäre, doch leider bin ich’s gefühlt nie. Ich bin so perfektionistisch das ich  nur beim starten eines Projekts oder der Ideenfindung Euphorie verspüre. Alles was danach kommt ist mit vielen Kopfschmerzen verbunden. Sowas gehört zum kreativen Prozess dazu und liefert solide Ergebnisse.

Wer oder was inspiriert dich?

Jeder der das tut was er/sie für richtig hält. Es ist wichtig reflektiert zu sein, jedoch finde nichts inspirierender als Menschen die ehrgeizig und vertraut mit sich selbst sind. Ich bin zum Beispiel mit Lady Gaga und Nicki Minaj groß geworden. Das verrät schon einiges.

Findest du es wichtig als Künstler geschäftstüchtig zu sein?

100%. Wenn du davon Leben möchtest bleibt es nicht nur bei Songs machen und veröffentlichen. Ab einem gewissen Punkt formt man eine künstlerische Vision. Dann ist es wichtig zu schauen ob und wie deine Kunst/Persönlichkeit einen Platz in der Geschäftswelt finden kann. 

Sollte ein Künstler vielseitig sein oder nur einem Stil folgen?

Ich persönlich passe ich keine Box und liebe es mich neu zu (er)finden. Jedoch finde ich das es dem Künstler selbst überlassen ist wie experimentierfreudig er/sie ist. Da gibt es keine Regeln.

Ist Feedback wichtig?

Bis zu einem gewissen Grad ist es total sinnvoll sich Feedback anzuhören und auch anzunehmen. Jedoch sollte man immer eine gewisse persönliche Distanz dazu aufbauen und am Ende des Tages abgleichen wie „verwertbar“ das Feedback ist, das du bekommst.

Ist der Ort wichtig an dem du arbeitest?

Ich habe keinen festen Ort an dem ich arbeite. Mal in der einen Stadt mal in der anderen. Ich arbeite am liebsten dort wo ein kreatives Umfeld herrscht. Manchmal ist auch das im Bett um 2 Uhr nachts das beste Umfeld um kreativ zu sein.

 

Welche Deiner persönlichen Eigenschaften sind wichtig für deine Arbeit?

Ich glaube die Dinge die ich erlebt habe, haben einige Eigenschaften bestärkt. Diese Eigenschaften geben mir die Möglichkeit mich präziser auszudrücken. Sprich ich weiß meistens ganz genau was ich von mir sehen oder hören möchte. Perfekt im Chaos.

Styling: von Uwe
Hair+Make-Up: Kristin Waltersdorf@Bigoudi

Svea

Styling: von Uwe
Hair+Make-Up: Erika Neumann@Kult Artists

TEMMIS – Der Soundtrack für das Coming of Age der Generation Z

TEMMIS ist eine junge Band der viel zitierten Neuen Neuen Deutschen Welle. Alex (Bass), Tizi (Gitarre) und Roman (Gesang) machen 2018 in Tübingen zum ersten Mal gemeinsam Musik, wo sie sich an der Uni kennenlernen. Drummer Emil stößt 2021 hinzu. Innerhalb kürzester Zeit gewinnen sie den „HiFi Klubben Amplified Newcomer-Bandcontest“ und unterschreiben einen Vertrag bei Warner Music. Die vier mittzwanziger entwickeln als homogenes Team ihren eigenen Sound – leicht melancholische Songs irgendwo zwischen Post-Punk, New Wave und Indie – und sind dabei nah am Puls der Zeit wie Edwin Rosen, Steintor Herrenchor und einige andere Acts aus ihrem Umfeld. Die Texte schreibt Roman, womit die Cover-Songs aus der Anfangszeit der Band größtenteils Vergangenheit sind, ebenso wie Tübingen. Seit 2023 heißt der Heimathafen und Studienort Hamburg. Hier nahm die Band auch ihre aktuellste Single „Alles brennt“ auf.

 

Der aktuelle Sound

Es sei ihnen wichtig, deutschsprachige Musik zu machen. Vor allem solche, die sie – bei allen persönlich sehr verschiedenen Geschmäckern – auch selbst hören würden, betonen TEMMIS. „Alles brennt“ ist textlich ein schallendes Manifest gegen die provinzlerische Langeweile, ein entschlossenes „Verschwende deine Jugend“, ein erfrischender Ausdruck adoleszenter Rebellion. durchzogen von autobiographischen Elementen. Denn alle vier Musiker sind in der Provinz aufgewachsen und wissen, wovon sie reden: Sänger Roman ist gebürtiger Hesse, Gitarrist Tizi und Drummer Emil stammen aus Baden-Württemberg. Alex, der Bassist, ist der Einzige, der mit seinem Heimatort Königs Wusterhausen in Stadtnähe, sogar in Hauptstadtnähe, aufgewachsen ist.

Und so klingt „Alles brennt“ wie ein surrealer Traum. Um diesen vor dem inneren Auge der Fans abzuspielen, brauchen TEMMIS keine gängigen Song-Strukturen. Im Gegenteil: Roman, Tizi, Alex und Emil brennen für das experimentellen Phasenspiel. Die „Alles brennt“ ausschmückende, flirrend-füllige Soundkulisse durchläuft innerhalb von drei Minuten verschiedenste Stadien. Zwischen harmonisch-triumphalen Synthies und unorthodoxem Gitarrenspiel, großflächigen Störgeräuschen und Stutter-Effekten schwingen Emotionen von Kälte bis Innigkeit mit. In der Konsistenz und Vielseitigkeit des Sounds und der Texte spiegelt sich der Teamgeist der Band wider, der auch einer gesunden Portion Selbstironie nicht entbehrt.

 

Die Band

„Eine Band, das ist wie ein Dinosaurier aus einer anderen Zeit“, sagt Roman. Fakt ist, es gibt weniger Bands als früher, dafür mehr Solokünstler. Die Technik macht‘s möglich. Mit einem einzigen Laptop lässt sich heute vieles in Eigenregie erstellen – unterstützt durch Social Media, ebenfalls auf Individuen und nicht auf Gruppen zugeschnitten. „Doch der Vorteil ist: Eine Band kann sich facettenreicher präsentieren“, erklärt der charismatische Frontmann. „Beim Posten müssen wir erst alle Vier schauen, wo wir stehen. Diese Spannung ist es, die das Ganze interessant macht,“ resümiert er. Interessantes entspringt auch häufig Fehlern. Und so war es auch ein Fehler, der zum Namen TEMMIS führte: Roman hatte schon angefangen, bevor es die Band gab, in seinem Handy eine lange Liste an Namen anzulegen. Inspiriert von Midwest Emo Bands wie „American Football“ oder „Modern Baseball“, die sich nach Sportarten benannt hatten, sammelte auch Roman Ideen. „Als dann Freunde fragten, ob wir spontan einen Gig spielen wollen, brauchten wir super schnell einen Namen. Ich habe in meine Liste geschaut, war aber besoffen und habe statt Tennis ‚Temmis‘ aufgeschrieben“, gesteht Roman. Die Flyer und Plakate wurden gedruckt und so blieb es dann dabei.

 

Dreamteam mit Träumen

Immer montags bespricht die Band, was die Woche über ansteht. Vor einem Festival proben die Jungs bis zu sechs Tage in der Woche. Gerade schreiben sie gemeinsam an neuem Material, um im Laufe des Jahres neue Musik zu veröffentlichen. „Bei mir kommen die Texte von selbst noch vor der Musik“, erklärt Roman. Es fällt ihm leicht, weil er schon als Kind gerne Geschichten schrieb, während der Pubertät Gedichte verfasste und mit 17 zu Singen begann: „Ich bin viel im Internet und versuche alles mitzubekommen, ich tauche in Löcher ab, versuche Sprech- und Denkweisen zu lernen, mit denen ich noch nie etwas zu tun hatte.“ In Notizbüchern zusammengeschriebene Gesprächsfetzen, Bücher von Coelho bis Hölderlin – die Einflüsse für Romans Texte sind vielfältig, der Stil eklektisch. Und doch gilt, so Roman: „Man muss einfach chillen. Man selbst sein.“ Und das ist es, was TEMMIS als Band ausmacht. Vier Individuen bilden ein Team mit gemeinsamen Träumen. Und auch darin sind sich alle einig: Das Nervigste am Musikerdasein sind das Abbauen nach einem Konzert und der Heimweg. Woraus sich für Roman ein großer Wunsch für die weitere Karriere ergibt: Er möchte nach einer Show einmal im Nightliner  nach Hause fahren.

Grooming: Volkan Günaydin

Text: Kathrin Klemp

Becks

CYTE: Erstmal vorweg, ich finde es bemerkenswert, dass Du es geschafft hast mit, dem Song „June“ ein Liebeslied zu schreiben, was so emotional und trotzdem überhaupt nicht kitschig ist.

Dass es in einer Reihe von einer Milliarden Liebeslieder inhaltlich wirklich raussticht, in einem Genre, das ja wirklich bis zum Erbrechen abgedroschen ist. Ich finde es wahnsinnig beeindruckend, dass Du einen Text hinbekommen hast der zeitgenössisch, emotional aber trotzdem nicht seicht ist! Also großes Kompliment dafür!

Jetzt bist Du ja seit zwei, drei Jahren in Berlin. Was hat sich für Dich alles verändert?

 

Becks: Vorher habe ich nur zu Hause Musik für mich selbst gemacht. Seit ich in Berlin bin, hat sich mein ganzes Leben verändert. Bevor ich hierher kam, hatte ich nichts und wenn ich nichts sage, meine ich wirklich nichts: wohnungslos, geldlos…. nichts! Berlin und die Musik haben mich gerettet! Ich bin total dankbar und glücklich, dass mein Leben so verlaufen ist und ich das machen kann, was ich schon immer wollte und ich davon auch leben kann. Mein ganzes Leben hat sich in Berlin zum Positiven verändert. Es gibt natürlich auch negative Aspekte, jeder hat im Leben nicht so guten Zeiten, aber grundsätzlich hat sich hier alles zum Positiven gewandelt. Ich bin glücklich!

 

Cyte: Hast Du noch einen Bezug zu Deinem alten zu Hause?

 

Becks: Den einzigen Bezug, den ich noch habe, ist meine Mama, also generell meine Familie und zwei Freunde, die ich dort noch habe. Ansonsten habe ich alles „zurückgelassen“. Und das ist besser so!

 

Cyte: Ich habe den Eindruck, dass Dein Fortgang dort und auch all die Veränderungen für Dich, thematisch in die Songs eingeflossen sind. War das Songschreiben über diese Zeit eine Art therapeutischer Prozess?

 

Becks: Ich habe ja angefangen über LGBTQIA+ zu schreiben, weil ich fand, dass zu wenige in dieser Bubble darüber schreiben. Und tatsächlich habe ich am Anfang wenig über mich persönlich geschrieben. Ich war da eher verschlossen und habe mich auf andere Themen konzentriert, wie Dinge, die ich wichtig fand, z.B. in den Songs „Chemie“, „Avatar“ und und und…

Ich fange jetzt erst so richtig an über mich, meine mentale Gesundheit, Songs zu schreiben. Im Studio fällt es mir schwer, mich gegenüber fremden Menschen zu öffnen und wenn Du Musik machst, machst Du Dich halt auch gleichzeitig nackt. Und das konnte ich am Anfang mit meiner mentalen Gesundheit noch nicht. Es gibt einen Song, der heißt Medizin, da habe ich darüber gesungen, was dieses „people pleasing“ mit mir macht ….

Also, ich habe am Anfang nicht so viel von mir preisgegeben, sondern eher über gesellschaftliche Sachen geschrieben, die ich wichtig fand!

 

Cyte: Wie findest Du da die richtigen Worte? Was ist das für ein Prozess, wie muss ich mir das vorstellen?

 

Becks: Ich habe mir schon immer bestimmte Wörter, Themen und Gefühlslagen aufgeschrieben,

ob ich sie nun draußen auffange oder beim Fernsehgucken. Neulich hatte ich z.B. nur ein Bild als Referenz und hab aufgrund des Bildes geschrieben. Ich habe das Bild nochmal neu gemalt und dann angefangen zu schreiben …es gibt nicht den einen Prozess. Für mich ist alles, was ich sehe und fühle, Kunst. Ich könnte jetzt ein Lied darüber schreiben, wie leer und voll dieser Raum zugleich ist. Ich sehe in allem Kunst und Inspiration.

 

Cyte: Ich finde das besonders und außergewöhnlich, dass Du über alles schreiben kannst und Dich in alles hinein fühlen kannst!

 

 

Becks: Mein Lieblingsspruch im Augenblick ist: „Ich bin der Poet, aber nie das Gedicht“,

denn ich kann über alles und jeden schreiben und sehe immer das Schöne, auch im Kleinen und ballere dann einen Text hin.

 

Cyte: Und ganz real, wie stelle ich mir das vor? Hast Du ein Notizbuch oder …

 

Becks: …nee, mein Handy! Also eigentlich will ich immer in ein Notizbuch schreiben, aber wenn Du im Studio bist, ist es einfacher, praktischer mit dem Handy. Du kannst leichter Sätze ändern, Worte streichen – das geht einfach schneller auf dem Handy, iPad oder Laptop. Im Notizbuch musst Du immer durchstreichen, neu schreiben und irgendwann tut das weh.

 

Cyte: Das heißt, Du schreibst auch eher im Studio?

 

Becks: In letzter Zeit schreibe ich eher zu Hause und gehe mit meinen Skizzen ins Studio, aber manchmal ist es auch so, dass ich schon im Studio bin und es irgendwas gibt, über das ich gerne schreiben wollen würde, und dann erkläre ich dem Producer meine Vision und er ballert mir dann einen Beat, Klavier oder Gitarre dazu und dann weiß sich sofort was ich dazu fühle und welches Thema dazu passen würde.

 

Cyte: Bist Du ein spiritueller Mensch?

 

Becks: Ja! Momentan mache ich da tatsächlich sehr wenig, aber gestern habe ich darüber nachgedacht, dass ich gerne wieder mehr in dieser Richtung machen würde.

Ich habe sehr lange gesucht. Ich wusste, dass ich an irgendetwas glaube, aber es war nie spezifisch jemand wie Gott. Es gibt ja so viel. Aber ich fühlte mich mit nichts wirklich verbunden und dadurch bin ich auf Spiritualität gekommen und habe ich mich sehr damit beschäftigt und auseinandergesetzt. Als ich gemerkt habe, dass es mir hilft, das war bevor ich den Plattenvertrag bekommen habe, da lag ich mit meinen Kristallen im Bett und hab das so manifestiert. Ich habe gefühlt da kommt jetzt etwas. Und dann habe ich diesen Song gepostet, Chemie, und ein paar Tage später habe ich die Nachricht bekommen von meiner jetzigen Managerin, ob ich nicht Hilfe beim Musik machen brauchen könnte. Ich hab nur gedacht, wie krass! Wochenlang habe ich abends mit meinen Kristallen im Bett gelegen, aber wenn Du etwas manifestierst und fest daran glaubst, das bringt wirklich was. Und wenn Du etwas manifestiert muss Du ja im „Jetzt“ sprechen, Du musst sagen „Ich bin …erfolgreich, oder ich bin eine Künstler*in“ und nicht „Ich werde sein…“, weil wenn Du es immer in die Zukunft schiebst, dann …es ist schwer zu erklären.

 

Cyte: Kreativer Prozess und kommerzieller Erfolg sind zwei völlig verschiedene Dinge. Wie stehst Du dazu?

 

Becks: Man merkt, ob ein Mensch das fühlt, was er gemacht hat, oder er es macht, weil andere es wollen. Du kannst Erfolg nicht planen. Es wird immer Leute geben, die das auch fühlen und die, die es nicht tun, gehören einfach nicht zu Deiner Zuhörerschaft.

 

Cyte: Wie stehst Du denn grundsätzlich zum Musikbusiness? Es geht ja auch um Geld und Du bist dann in diesem Gefüge auch so etwas – auch wenn es sich nicht schön anfühlt – ein Produkt.

 

Becks: Ich stimme Dir schon zu, dass man in gewisser Weise für andere ein Produkt ist, aber ich denke mir halt, ich mache Musik, weil ich sie liebe und sie meine Leidenschaft ist und das Geld kommt ganz zu Schluss. Du musst erstmal Deine Arbeit machen, um dann irgendwann davon zu profitieren. Es ist zwar nicht einfach, man spürt auch Druck und man muss auch viel pushen, aber

wenn ich diese Tage habe, wo ich nicht mehr kann, dann überlege ich, warum ich damit angefangen habe, was mir am Musikmachen gefällt und dann bin ich wieder dankbar dafür, dass ich das machen kann, was ich liebe. Ich fühle mich auch sehr privilegiert, dass ich überhaupt die Chance habe, das zu tun, weil es extrem schwer ist, hoch zu kommen, weil es einfach schon so viele gibt. Gerade in Deutschland ist der Markt an Newcomern riesig.

Klar ist es blöd, wenn man weiß, dass man ein Produkt ist, das immer wieder verkauft wird,

aber wenn Du für Dich selbst weißt, wofür Du das machst und wenn es Dir Spaß macht und Du es fühlst, dann ist es doch cool, wenn Du nebenbei noch davon profitierst.

Bei der Musik ist es wie ein Geben und Nehmen, ich finde es voll schön und surreal, wenn Du etwas zu Hause schreibst und einsingst und dann ein halbes Jahr später, können es die Leute auswendig mit Dir singen. Du bist die Person, die auf der Bühne steht und das singt, die Leute gucken Dir zu …für mich ist das voll surreal: “Ihr seid alle wegen mir hier“? Das ist cool – ich liebe Musik einfach und könnte nie damit aufhören.

 

Cyte: Wo bist du lieber, im Studio oder auf der Bühne?

 

Becks: Gute Frage. Ich glaube, ich bin lieber im Studio, aber nur weil ich manchmal sehr mit social anxieties kämpfe. Ich wurde ja direkt rein geschmissen, habe direkt Festivals gespielt,

bin aber aufgewachsen mit dem Gefühl, ich kann nicht vor Leuten singen. Ich war immer sofort anxious und habe mich total schwer getan, vor Leuten zu singen. Ich hatte kein learning und wurde direkt rein geschmissen: „Und jetzt mach!“ Ich bin deswegen nicht böse, aber es war eine Überwindung – wahrscheinlich lernt man nur so. Es kommt allerdings darauf an, wo ich auftrete, wofür und wie die Fans sind. Wenn ich auf meiner eigenen Tour bin, ist das immer ganz krass, da kennen sie meine Songs auswendig, da sind sie wegen mir da und das weiß ich. Aber wenn Du jetzt auf einem Festival bist, musst Du so performen, dass Leute, die vorbeilaufen, in Deinen Bann gezogen werden. D.h. Du musst ein bisschen mehr geben.

 

Cyte: Das habe ich mir schon fast gedacht, dass Du Dich wahrscheinlich im Studio sicherer fühlst?

 

Becks:…wobei, das kommt darauf an mit wem ich da bin. Wenn ich jetzt mit neuen Leuten im Studio bin, bin ich auch erst mal vorsichtig …aber ich habe dieses Jahr sehr gelernt für mich selbst zu sprechen und zu sagen, was ich mag oder nicht. Wenn ich etwas nicht fühle, mache ich es mittlerweile nicht mehr. Das habe ich mir versprochen und bis jetzt hat es dieses Jahr ganz gut geklappt. Deswegen freue ich mich ganz doll auf nächstes Jahr, da kommt noch ganz viel.

 

Cyte: Dann kommt das Album?!

 

Becks: Ich hoffe es! Eigentlich habe ich es schon für dieses Jahr vorgehabt, aber ich habe dieses Jahr generell sehr wenig released, weil ich anderes gemacht habe. Aber nächstes Jahr sollte es klappen …

Ich plane ein Konzeptalbum und nicht nur random Songs. Es soll ein Kunst-Ding sein! Ich mag, wenn Musik zeitlos ist und wenn die Leute sie in fünf oder zehn Jahren immer noch hören mögen. Und nicht, was gerade im Trend ist – aber jeder wie er mag!

 

Cyte: Konzeptalbum ist ja eher ein altes Ding, was eine zeitlang niemand hören wollte, sondern es ging nur noch um einzelne Songs, die möglichst nicht länger als 2:30 Minuten sind …

 

Becks: Ich habe zwei Hauptthemen, über die ich immer schreibe: einmal über Probleme in der LGBTQIA+ Community, also die Diskriminierungen, die dort stattfinden oder etwas, das mit love zu tun hat. Es gibt so viele junge Menschen hier in Deutschland, die Probleme damit haben und niemand, der es für sie tut. Und dann gibt es auch die Seite von mir, die sehr offen mit mental health umgeht. Auch da habe ich sehr viele Dinge, über die ich gerne schreiben würde. Deswegen bin ich am schwanken, ob ich ein Album rausbringe, das Songs für die Leute enthält oder dieses mental health Ding. Ich muss mal schauen in welche Richtung es gehen wird.

 

Cyte: Gibt es Künstler*innen an denen Du Dich musikalisch oder inhaltlich orientierst?

 

Becks: Inhaltlich gibt es keinen der mich inspiriert, ich spreche aus meinen eigenen Erfahrungen oder denen meiner Community, die mir glücklicherweise sehr vertraut und mir viel schreibt.

Darüber kann ich oft Songs schreiben. Daher sind die Inspirationen da eher meine eigenen Erfahrungen und meine Welt.

Musikalisch, weiß ich gar nicht. Ich will nicht in irgendein Genre, ich will alles ausprobieren, weil ich alles liebe. Von Rap bis Trap bis …alles! Aber ein Saxofon wird man demnächst hören – ich möchte unbedingt ein Saxophon in einem meiner nächsten Songs haben!

 

Cyte: Bester Rat, den Du bekommen hast?

 

Becks: So was wie, dass ich alles in meinem Tempo machen soll und mich nicht gegenüber anderen verstellen soll. Zum Beispiel auf der Bühne – ich muss nicht dieses Rockstar Ding machen, das bin nicht ich. Ich geh auf die Bühne, stell mich dahin mit meinem Tee, ich geh ein bisschen rum, rede mit den Leuten, ich mach auch sehr viel Quatsch auf der Bühne. Am Anfang dachte ich immer, oh mein Gott, ich muss übelste Party machen und das stresste mich, weil ich dachte, die Leute würden irgendwas von mir erwarten und und und …Ich bin aber nicht so! That’s not me!

Mein Rat wäre: Nicht stressen und wirklich so sein, wie man ist!

H+M: Lisa Neubacher@Bigoudi

error – Musik als Safe Space

 Newcomer gibt es viele, aber die wenigsten klingen schon vom ersten Song an so eigen und einzigartig wie error. Jeder Vergleich – egal ob musikalisch, stimmlich oder textlich – greift ins Leere. Aber wenn der 23-jährige Hamburger voller Melancholie von Einsamkeit, Angst vor der Zukunft und der Suche nach sich selbst singt, dabei mit den eigenen Gefühlen und Befindlichkeiten ringt und währenddessen mehr als einmal zu Boden geht und doch immer wieder aufsteht, spricht er damit ganz nebenbei seiner Generation aus dem Herzen.

Mit „Starkes Drehbuch, schwacher Cast“ hat Hauke Kranz, wie error mit bürgerlichem Namen heißt, gerade erst im September 2023 bei Warner Music seine beeindruckende Debütsingle vorgelegt. Der Song des Newcomers landete in unzähligen Playlisten und verlangt nach mehr. Deshalb lässt der gefühlvoll-zerbrechlich wirkende Künstler Mitte November letzten Jahres mit „1000 Liter Teer“ gleich das nächste Release folgen. Von Fabian Isaak Langer, einem Berliner Produzenten, und error selbst produziert. Die neue Single bewegt sich zwischen bittersüßen Synths und melodischer Melancholie, harten Trap-Drums und Uptempo-Beats – rau und unperfekt, aber genau deshalb so relatable.

Ein sehnsüchtiger Soundtrack zu dem error von einem Schmerz singt, den man nicht genau erklären kann. Ein Gefühl, als ob Massen öliger Flüssigkeit und steinerne Brocken einem das Herz verkleben. Dieses Gefühl, das man etwas sagen will, aber nicht weiß, wie. Weil einem die Worte fehlen.

Die Ideen fehlen dem Sohn eines Musiklehrers auf jeden Fall nicht. Bereits mit 15, während der Schulzeit, experimentiert Hauke Kranz auf dem ausrangierten Laptop seiner Mutter mit Musik. Erst allzu Offensichtliches zwischen abgegriffenen C-Dur-Akkorden und 150 BPM-Taktung, ehe sich – beeinflusst durch britischen Kitsch-Pop und deutschsprachigen Indie der späten Zweizehnerjahre – mehr und mehr eine eigene Handschrift herauskristallisiert. Singen kam erst recht spät dazu, autodidaktisch und intuitiv. Während Hauke in der Schule in zahlreichen musikalischen Ensembles mitwirkt, spielt er außerdem auf den verschiedensten Open Mics, Song-Contests und offenen Bühnen Hamburgs – und arbeitet zusätzlich in der Jugendsparte des Schauspielhauses Hamburg und Ernst-Deutsch-Theaters als Darsteller mit.

In der Folge stellt sich für ihn die große Frage Musik oder Theater? Während Corona entscheidet sich Hauke für die Musik. Er berichtet CYTE:

error: Ich bin aus Hamburg weggezogen, um Musik zu studieren. Morgens Uni, abends kellnern und dann irgendwie noch meinen Musikkram produzieren.

CYTE: Jetzt nach dem abgeschlossenen Studium setzt du ganz auf Musik?

error: Ja, das habe ich im September  in die Tat umgesetzt mit der ersten Veröffentlichung.

CYTE: War das ein großer Schritt für dich?

Error: Zugegebenermaßen ist das auch mit viel Druck und Überwindung verbunden, wenn man das erste Mal so viel von sich preisgibt. Da habe ich gemerkt, dass es viel konstruktiven Zuspruch gab. Der trägt mich dann auch über die eigene Unsicherheit. Und hält mich auf Trab, diese Reise weiter zu verfolgen. So kam Mitte November der zweite Song „1000 Liter Teer“.

CYTE: Wie sehen deine Pläne für 2024 aus?

error: Es ist noch viel in der Pipeline, was in naher Zukunft das Licht der Welt erblickt. In welcher Form es kommen wird, bleibt abzuwarten.

CYTE: Wie würdest du selbst deine Musik beschreiben?

error: Ich stehe ein bisschen zwischen den Stühlen. Es gibt klassische Songwriting-Ansätze: Klavier, Gesang, Chorus, Strophe, aber dann auch klare urbane Einflüsse wie Rap und Hiphop. Ich stehe irgendwie zwischen Indie Pop und spürbaren Rap-Einflüssen.

CYTE: Schreibst du deine Musik und die Texte selbst?

error: Ich schreibe alles selbst. Oft bin ich auch derjenige der die Songs produziert. Es gibt aber auch Songs, bei denen ich mit ProduzentInnen zusammenarbeite. Das heißt, da ist dann auf der musikalischen Ebene noch eine weitere Person beteiligt. Aber die Texte schreibe immer ich. „Starkes Drehbuch, schwacher Cast“ war ein kompletter Alleingang. Ich bin da eher schüchtern. Am einfachsten ist es, wenn ich mit mir selbst die Dinge ausmachen muss und nicht noch andere mit in die Kommunikation mit einbeziehe. Aber das kommt trotzdem vor.

CYTE: Warum singst du auf Deutsch?

error: Ich singe auf Deutsch, weil es meine Muttersprache ist und sich daher auch ganz natürlich für mich angefühlt hat. Deshalb hab‘ ich das eigentlich nie in Frage gestellt, in welcher Sprache ich Musik machen möchte. Außerdem mag ich den Klang der deutschen Sprache sehr.

CYTE: Welches Ziel hast du dir für die nächsten fünf Jahren gesetzt?

error: Ich möchte weiter an meiner Musik arbeiten und sie mit der Welt teilen. Und wenn es dann auch Menschen gibt, die sich diese gerne anhören, bin ich schon ziemlich happy. Ich fände es spannend, perspektivisch selbst in die Produzentenrolle zu schlüpfen. Ich hätte auch Lust, mich mit der ganzen visuellen Ebene auseinander zu setzen. Video ist auch ein cooles Medium. Da möchte ich gerne noch mehr lernen. Das ist ein riesengroßer Spielplatz.

CYTE: Was wünscht du dir für Deine Musik?

error: Wenn ich mir etwas für meine Musik wünschen könnte, dann wäre es, dass sie ein Safe Space ist. Ein Ort, an dem man sein kann, wie man will, an dem man sich wohlfühlt und sich wiederfindet. Mir war Musik in meinem Leben immer eine Stütze und genau die soll meine Musik auch für andere sein.

error hat Ende Januar seine aktuelle Single „Richtung Mars“ veröffentlicht und arbeitet derzeit an neuer Musik.

Grooming: Emma Bombosch@Bigoudi

 

Tim Baldus

Cyte: Viele deiner Sachen sind ja eher gefühlvoll und tendenziell auch ein bisschen traurig. Worin liegt der Reiz, traurige Sache zu schreiben?

Tim: Das ist eine gute Frage, die ich mir selbst schon oft gestellt habe. Ich weiß gar nicht genau warum. Das kommt einfach aus mir heraus. Das hat auch eine gewisse Ästhetik, ich sehe etwas Schönes in der Melancholie und lasse mich auch gerne nachts um drei Uhr in so ein Gefühl fallen. Ich finde in diesem Leid ist auch etwas Schönes, etwas Dramatisches.

Cyte: Dementsprechend ist Sprache wichtig für dich?

Tim: Absolut. Ich gebe mir auch immer sehr viel Mühe mit den Texten, wenn ich Songs schreibe. Ich feile manchmal tagelang daran, ich brauche extrem lange für meine Texte. Aber mir macht es auch Spaß, da wirklich über ein Wort eine Stunde nachzudenken, ob mir nicht etwas besseres einfällt. Ich liebe es, dann Bilder in den Köpfen damit zu malen.

Cyte: Wann bist du im Zusammenhang mit deiner Kunst, mit deiner Musik am glücklichsten? Am Anfang oder am Ende von einem neuen Song?

Tim: Das geilste Gefühl ist immer, wenn diese erste Skizze steht und man denkt „ja, da könnte was daraus werden“. Das ist bei mir meistens, wenn ich am Klavier sitze. Ich schreibe eigentlich alles immer alleine am Klavier. Ich bin dann immer gespannt, wie sich das gleich anhören wird, wenn ich es auf dem Handy aufgenommen habe. Dann spiele ich es ab, und wenn dann ein gutes Gefühl kommt, dann  schicke ich es gleich in die Runde und guck, wie das Feedback so ist! Das ist immer der intensivste Moment, und auch der schönste!

Cyte: Und wenn das Feedback nicht so gut ist?

Tim: Ich höre mir natürlich Kritik an. Aber es ist nicht so, dass ich, wenn ich einen Song schreibe, den ich unfassbar fühle, und jemand sagt „irgendwie macht der gar nichts mit mir“, dass ich den Song dann weniger fühle. Aber es ist trotzdem natürlich noch ein Plus, wenn die anderen ihn auch mögen, weil man dann weiß, dass man das Bild oder das Gefühl, das man transportieren will, dann auch von anderen so aufgefangen wird.

Cyte: Änderst du Dinge bei einer negativen Kritik?

Tim: Ich bin offen für konstruktive Kritik, aber es  kommt auch drauf an, wer es sagt! Dann gehe ich auch gerne noch mal drüber. Es passiert aber oft, dass ich mir einfach sehr sicher bin bei bestimmten Textzeilen, und andere dann sagen „da musst du konkreter werden, da darfst du nicht so in dieses Metaphorik-Geballere abdriften“, was ich ja oft gerne mache. Aber ich sehe das einfach so, dass es mein Markenzeichen ist, dass ich sehr gerne mit Worten Bildmalereien mache. Und da lasse ich mir wenig reinreden. Trotzdem nehme alles immer ernst, solange es konstruktiv ist.

Cyte: Wenn du Neues machst, gehst du dann eher konzeptionell an die Sachen ran oder intuitiv.

Tim: Das meiste kommt immer intuitiv, ich hab dann eine Zeile oder ein Bild im Kopf. Zum Beispiel bei dem Song „Schleudersitz“ war ich auf einem Jahrmarkt. Ich hatte vorher die Melodie von „Schleudersitz“ ewig lang in meinem Kopf und habe sie immer wieder vor mir her gespielt, aber einfach keinen passenden Text dafür gefunden. Wir standen dann an für diesen Turm, wo man im freien Fall runterfällt, was eigentlich gar nicht so mein Ding ist. Mir hätte es gereicht einfach nur hochzufahren und alles von oben zu betrachten. Die bernsteinfarbenen Straßenlaternen und alles, und da ist mir zum Beispiel die Zeile eingefallen “Fühlt sich an wie stundenlanges Anstehen, dann Freefall-Tower, nur um oben zu sein“. Darauf aufbauend habe ich dann den Text geschrieben. Ich bin nach Hause und habe in derselben Nacht noch die erste Strophe geschrieben. Das kommt schon oft intuitiv, eigentlich kommt alles intuitiv, weil ich mich nie hinsetze und sage „so, ich will jetzt einen Song über ein bestimmtes Thema schreiben“. Das meiste passiert einfach so. Allerdings habe ich mir für 2024 vorgenommen, einen Good vibe-Song zu schreiben. Wir sind schon dabei zu probieren, wie ich auf einem UpTempo Song so klinge. Bin gespannt, was daraus wird.

Cyte: Müsste der zu einer anderen Tageszeit geschrieben werden?

Tim: Ja, bei dem UpTempo Song war das schon anders. Da habe ich nicht am Klavier gesessen um drei Uhr nachts und vor mich her geklimpert. Wir waren im Studio und es wurde erst mal ein Beat gemacht, der schon UpTempo war, so Skater-style. Ich hatte ein Bild von Skatern in Kalifornien, die im Sonnenuntergang fahren. Das war dann der Vibe. Da war auch gute Stimmung im Studio, und genau darauf aufbauend, konnte ich einen Good vibe-Song schreiben.

Cyte: Ist es wichtig, dass man vielseitig ist als Künstler oder sollte man aus Deiner Sicht eher einen klaren Stil verfolgen? Also in deinem Fall wäre es ja momentan immer noch eher gefühlvolle, langsame Songs zu schreiben.

Tim: Ich bin auch Fan davon, wenn Künstler und Künstlerinnen so viele Facetten wie möglich haben. Wenn ich da nur an Freddy Mercury denke, den ich extrem feiere, der mal eine Oper aufgenommen hat. Das ist einfach saukrass, und ich bewundere das sehr. Ich kann mir auch vorstellen, dass ich mal wirklich eine experimentelle Geschichte ausprobiere. Bei Freddy Mercury war trotzdem immer noch dieser rote Faden erkennbar: seine Stimme, seine Aura und sein Auftreten. Man braucht ein Markenzeichen.

Cyte: Sind Ort und Umgebung wichtig für Dein Schaffen?

Tim: Ich bin an vielen Orten kreativ und es braucht nicht besonderes Licht oder ähnliches, um wirklich arbeiten zu können. Aber ich war zum Beispiel schon mal in einem Studio, das extrem clean war. Alles war weiß. Das hatte einen gewissen Touch. Aber der Song, der da entstanden ist, ist nicht besonders intim geworden. Ich weiß nicht, ob das an dem Raum gelegen hat. Aber die Atmosphäre kann oft Einfluss auf alles nehmen, was dann in dem Text oder in der Musik verarbeitet wird. Man guckt ja auch beim schreiben so durch den Raum und wird dann dadurch unterbewusst auf jeden Fall beeinflusst.

Wenn es bernsteinfarbenes Licht ist, dann kommt so ein cosy, edler Vibe in den Text. Wenn es so kaltes, weißes Licht ist, dann ist es vielleicht eher so etwas wie Unnahbarkeit.

Cyte: Würdest Du Dinge anders machen, wenn du nicht so erfolgreich wärst, wie du es bist?

Tim: Nein, ich würde alles genauso machen.

Cyte: Hier eine Reflexion auf das, was ich zum Beispiel als Photograph mache: Agenten sagen ja häufig „Um den und den Punkt zu erreichen, mußt du mir das und das liefern, und dann bringe ich dich da und da hin.“ In meinem Fall meinte er, wenn ich mehr lachende Bilder machen würde, dann könnte er mir auch kommerziell lukrativere Jobs verschaffen. Dann habe ich mal versucht, mich dazu zu zwingen, in die Richtung zu gehen. Es hat aber nie geklappt. Vermutlich hat jeder, der das lachende Bild dann gesehen hat gespürt, dass das nicht aus mir kam und letztendlich bin ich – im Sinne des Agenten – nie so kommerziell erfolgreich gewesen wie ich seiner Meinung hätte sein können, wenn ich mich anders verhalten hätte.

Tim: Ich weiß was du meinst und ja, solche Sachen gibt es auch bei mir. Zum Beispiel war am Anfang, bevor ich angefangen habe mit professionellen Produzenten zusammenzuarbeiten, so ein Ding, dass ich gerne mal einen Song auf vier Minuten gestreckt habe, dann noch mit einer überkrassen Bridge und dann kam da noch ein Gitarrensolo rein. Und da habe ich mich schon so ein bisschen angepasst. Aber wahrscheinlich würde ich Dinge anders machen, wenn es nicht so laufen würde, wie es gerade läuft. Social Media spielt da eine Rolle. Ich poste gern Sachen und bekomme auch gern Feedback darauf. Aber manchmal muss man sich schon überwinden, Stichwort TikTok.

Cyte: Das kann ich gut verstehen, das ganze Social Media-Ding ist eine eigentlich unnatürliche Form der Selbstvermarktung.

Tim: Absolut. Ich finde Instagram ist sehr ästhetische, sehr schön. Aber manchmal habe ich das Gefühl, man muss als Künstler sehr aufpassen, was man alles mitmacht. Dass man sich nicht selbst sein Künstlerimage irgendwie befleckt. Bei TikTok hat man ja leider das Gefühl, man muss ein lustiger Clown sein, damit das Video viral geht. So gehe ich bei manchen Künstlern oder Künstlerinnen lieber nicht auf den TikTok-Account, damit ich sie weiter so hören kann wie ich sie jetzt gerade höre.

Cyte: Welche von deinen persönlichen Eigenschaften sind wichtig für deine Arbeit?

Tim: Eine Art des Perfektionismus. Ich denke einfach sehr viel über meine Worte nach und sie müssen perfekt passen, das Gefühl muss perfekt ausgedrückt sein.

Außerdem beobachte ich. Zum Beispiel bin ich sehr vernarrt in die Farbe Bernstein, weil die mir extrem viel gibt und ich finde sie sehr ästhetisch. Bernstein spielt eine sehr, sehr wichtige Rolle.

Cyte: Ist Kunst Freiheit für dich?

Tim: Ja, absolut. Ich schreibe sehr viele Sachen oder mache sehr viel Musik, die niemals jemand hören wird. Zum Beispiel habe ich mit einer Freundin, rein aus Joke, einen Ballermann-Song geschrieben, einfach weil wir Lust darauf hatten. Ich mache ja nicht nur die Kunst, die man hier auf meinem Spotify-Account hört. Ich male auch und dabei fühle ich extrem viel Freiheit, denn ich male einfach los, wie ein dreijähriges Kind. Da kann ich diesen Perfektionismus, den ich bei den Worten habe, ausschalten. Es braucht nicht immer eine Message, es kann auch einfach mal etwas frei Schnauze entstehen. Ich bin am freiesten, wenn ich einfach ein leeres Blatt Papier vor mir habe. Ich liebe es aus nichts etwas zu machen. Wenn ich hier die Sachen auf dem Tisch sehe und du sagst mir „mach` da mal was draus, etwas Bedeutungsvolles. Etwas, das man metaphorisch interpretieren kann“, dann bin ich spontan dabei. Ich würde mich da so ausleben. Zum Beispiel, lag neulich bei mir in der Wohnung Stahlwolle rum, und wir waren gerade dabei, uns TikTok-Formate auszudenken. Und dann sind wir irgendwie darauf gekommen, in die Stahlwolle metaphorisch etwas reinzuinterpretieren. Stahlwolle ist ja einfach ein super potenter Begriff. Was die metaphorische Bedeutung angeht: Stahl und Wolle, was ja erst mal total gegensätzlich ist. Mir macht das einfach Spaß darüber nachzudenken. Das ist pure Freiheit für mich, sich da künstlerisch auszuleben.

Cyte: Das heißt aber auch, es braucht gar nicht so viel, um dich zu inspirieren?

Tim: Nee, vieles geht ja einfach im Kopf ab. Aus dem Nichts, irgendetwas zu machen, ist einfach ein extrem interessanter Moment, weil alles, was in dem Moment entsteht, im Kopf entsteht. Und das ist wieder Freiheit. Weil man sich alles im Kopf vorstellen kann und dadurch auch Bilder im Kopf haben kann, wenn man Texte schreibt, die sonst niemand hat. Aber man selbst sieht sie ja. Das finde ich auch so interessant, wenn ich Texte-Interpretation von irgendwelchen Leuten zu meinen Songs höre. Die haben oft ganz andere Bilder im Kopf, weil die eine andere Erfahrung haben. Das kann auch komplett konträr sein. Vielleicht nie 100 Prozent konträr, aber so einfach mal ein Song anders interpretiert.

Cyte: Was macht Dir Angst?

Tim: Tod! Also, ich hab darüber schon viele deepe Diskussionen mit Freunden geführt. Ich würde am liebsten niemals sterben. Was haben wir denn davon? Da ist ja rein gar nichts. Das macht mir Angst. Das ist, glaube ich, gar nicht so gesund, weil das ja einfach dazu gehört. Aber das ist das, was mir gerade am ehesten in den Kopf gekommen ist. Ich würde schon gerne für immer leben (lacht). Und im Zusammenhang mit Tod, denke ich natürlich auch an den Tod von Angehörigen, die man liebt.

Ich mache mir mal manchmal selbst Angst! Wenn ich nachts wach werde, dann habe ich manchmal schon sehr crazy geträumt. Oder auch beim Texteschreiben ist es so, dass ich manchmal, wenn ich den Text dann nochmal lese, den ich aus einer Stimmung heraus geschrieben habe, so denke „was ist eigentlich mit dir los?“.

Cyte: Und änderst du das dann oder lässt du es auch manchmal so.

Tim: Es ist irgendwie faszinierend – ich finde es natürlich krass, dass ich dann in dem Moment so etwas schreiben konnte, das mir im nächsten Moment Angst macht. Aber dann denke ich auch, ob ich möglicherweise irgendwas nicht aufgearbeitet habe? Sollte man mal drüber reden? (lacht)

Cyte: Okay, zum Abschluss: bester Ratschlag, den du bekommen hast?

Tim: Mich hat mal ein Kumpel sehr dazu ermuntert, die Musik einfach nur so zu machen, wie ich sie fühle. Mich an niemandem orientiere, sondern einfach nur das mache und dann auch aufnehme, wie ich es in dem Moment feiere. Er hat mich damit sehr aufgebaut. Mich an niemandem als mir selbst zu orientieren, damit ich noch mehr Spaß am Musik machen habe. Es gab eine kurze Zeit, zu der das nicht der Fall war. Das war damals der beste Ratschlag, den ich bekommen habe. Shout out, an Luca!

Cyte: Vielen Dank, Tim!

Styling: von Uwe
Grooming: Lisa Neubacher@Bigoudi

 

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MUSIC

MEHR MACHT DEN ARTISTS!

MEHR MACHT DEN ARTISTS!
Steht uns eine Revolution bevor?! Die Zukunft des Musik Business im Web3.


In der Musikindustrie hat sich in den letzten Jahren viel verändert. Durch fortschreitende technologische Möglichkeiten und die Nutzung dezentraler Strukturen im Web3-Ökosystem, können Musikprodukte und -dienstleistungen auf neuartige Weise angeboten und konsumiert werden, mit deutlichen Vorteilen für Künstler und ihr Schaffen.
Web1 – Lesen und Abrufen
Web2 – Lesen und Schreiben im bidirektionalen Austausch im Social Web
Web3 – Lesen, Schreiben und Besitzen
Aber der Reihe nach. Fangen wir mit ein paar Begriffserklärungen an. Web3 bezeichnet die dritte Generation des World Wide Web, die durch den Einsatz von Technologien wie Blockchain und Peer-to-Peer-Netzwerken ein dezentralisiertes, transparentes und sichereres Internet schaffen soll. Das Ziel von Web3 ist es, den Nutzern mehr Kontrolle über ihre persönlichen Daten, ihre Online-Identität und ihre digitalen Inhalte und Güter zu geben. Web3 stellt dabei eine bedeutende Abkehr von den vorherigen Generationen des Webs dar, die als Web1 und Web2 bekannt sind.


Im Web3 werden die Daten dezentral per Blockchain-Technologie auf einem Netzwerk von Computern gespeichert, anstatt auf zentralen Servern, die sich im Besitz einiger weniger großer Unternehmen befinden. User besitzen und kontrollieren also selbst ihre digitalen Assets, was den Bedarf an Zwischenhändlern überflüssig macht. Das Kreieren und Vertreiben von digitalen Gütern soll damit transparenter und fairer gestaltet sein.
Eine Blockchain ist eine besondere Form einer Datenbank, welche aus einer Reihe von miteinander verbundenen Unterdatenbanken, auch Blocks genannt, besteht. Jeder Block enthält nicht nur die zu speichernden Informationen, sondern auch einen eindeutigen Identifikator in Form eines Hash-Werts. Alle Blöcke innerhalb der Blockchain sind miteinander verknüpft und verfügen jeweils über die Kenntnis ihrer eigenen sowie der anderen Hash-Werte. Eine Manipulation von Daten innerhalb eines Blocks würde zu einer Veränderung des dazugehörigen Hash-Werts führen und somit auch die gesamte Blockchain unbrauchbar machen. Somit stellt die Blockchain ein wirksames Instrument dar, um Betrug und Manipulationen zu verhindern. BITTE QUELLE ANGEBEN

 

 

 

Web3 und NFTs (Non-Fungible Tokens) sind eng miteinander verbunden. NFTs stellen einzigartige digitale Marken dar, die nicht austauschbar sind und in der Blockchain gespeichert werden. Jeder NFT ist speziell an einen bestimmten realen oder digitalen Vermögens-/Wertgegenstand gebunden und dient als eine Art Besitzurkunde, aber nicht als der Gegenstand selbst. In den letzten Jahren hat die Verwendung von NFTs im Zusammenhang mit digitaler Kunst, Musik und anderen Sammlerstücken erheblich zugenommen. Sogenannte Creators limitieren die Anzahl ihrer digitalen Gegenstände und laden diese auf dezentrale Marktplätze hoch. Dort werden sie mit Kryptowährung gehandelt. Diese Transaktionen können direkt zwischen Käufern und Verkäufern abgewickelt werden, ohne dass Zwischenhändler beteiligt sind. Am Ende ist der Käufer eindeutiger Besitzer eines einzigartigen digitalen Werkes, das mit einer genauen Transaktionshistorie versehen ist. Digitale Güter gewinnen dadurch deutlich an Wert. Neben dem digitalen Kunstmarkt boomt mittlerweile auch die Nutzung von NFTs im physischen Kunstmarkt. Anteile von physischen Kunstwerken können als NFTs verkauft werden und die Käufer-Community kann somit ein – im Idealfall – bekanntes Kunstwerk zusammen besitzen. Warum ist das spannend? Sammler können ein Kunstportfolio mit zahlreichen Anteilen von bekannten Kunstwerken zusammenstellen und dieses eigenständig handeln. Wovon Künstler aufgrund des Smart Contracts direkt profitieren. Denn sie sind dadurch nachweislich der Urheber des Kunstwerks und verdienen (je nach Vertrag, z.B. 10% von jedem Weiterverkauf) am Handel mit ihrer Kunst.

Und jetzt ans Eingemachte. Was hat das Ganze mit Musik zu tun? Die heutige Musikindustrie erwirtschaftet weltweit Milliarden von Dollar, wovon aber nur ein kleiner Teil an die eigentlichen Künstler geht. Die meisten Musiker verdienen ihren Lebensunterhalt durch Konzerte, Merchandising und Ähnlichem. Sie verdienen kaum Geld mit digitalem Streaming über Spotify, Apple Music und Co. Denn: Streaming Plattformen zahlen große Summen an die bekannten Plattenlabels, um ihre Musik überhaupt vertreiben zu dürfen. Viel bleibt da für die Künstlerin, den Künstler nicht übrig. Er/Sie wird nach dem Anteil der Abrufe an allen Klicks bezahlt, dem sogenannten „Pro-Rata-Modell“. Das dezentrale Web3 könnte diese eingefahrenen Strukturen im Musikgeschäft zukünftig ordentlich aufmischen. Und für völlig neue Machtverhältnisse sorgen! Mithilfe neuester Computersoftware ist der Künstler in der Lage, gleichzeitig Künstler, Songschreiber, Produzent und Tontechniker zu sein. Über dezentrale Streaming Services (zum Beispiel Audius, blockchain-basiert und dezentral, betrieben durch eine Community aus Künstlern, Fans und Entwicklern) kann er Fans direkt mit seiner Musik bespielen, ohne zwischengeschaltete Distributoren und Plattformen. Fans wiederum bezahlen den Künstler unmittelbar über Kryptowährung und einem Krypto Wallet. Klingt wie ein Sci-Fi Szenario? Ist es aber nicht. Audius wächst von Jahr zu Jahr und zeigt mit seinen rund 6 Mio. Unique Usern im Februar dieses Jahres, dass schon jetzt das Interesse bei Musik Fans groß ist. Und auch das Wiener Start-up, Musiklabel und Online-Plattform Global Rockstar mischt im NFT-game ordentlich mit. Es hat sich zum Ziel gesetzt, junge Künstler zu unterstützen, indem Musikfans über Crowdinvesting neue und bereits bestehende Musikrechte erwerben, als Musik-NFT in der Blockchain sichern und in Zukunft auch handeln können.
Und jetzt noch die Sache mit dem Metaversum. Das Metaversum ist ein virtuelles Universum, das Elemente der physischen (realen) Welt und der virtuellen Realität miteinander verbindet. Es ist ein gemeinsamer, immersiver und interaktiver Raum, in dem Menschen in Echtzeit miteinander und mit digitalen Inhalten interagieren können. Dabei gibt es nicht nur ein einziges Metaversum, sondern verschiedene virtuelle Welten mit ihren eigenen einzigartigen Eigenschaften und Merkmalen. Bekannte und bereits heute existierende Metaverse-Plattformen sind zum Beispiel Decentraland, The Sandbox oder Roblox. Und wie gehören Musik und Metaversum jetzt zusammen? Ganz einfach. Artists können die Metaverse-Technologie gezielt nutzen, um besondere Fan-Erlebnisse zu schaffen und eine größere Fan-Base zu erreichen. Wie so etwas aussehen kann, haben bereits der DJ Marshmello in 2019 und Travis Scott, US-amerikanischer Rapper und Musikproduzent, ein Jahr später vorgemacht. Beide spielten im Computerspiel „Fortnite“ ein virtuelles Konzert. Scott erreichte mit seinem Auftritt in der Hochphase der Corona-Pandemie mehr als 12 Millionen Fans! Die Tragweite dieser Entwicklung wurde schnell klar und war Startschuss für eine neue Phase der Innovation und Monetarisierung in der Musik- und Gamingindustrie. Epic (Herausgeber von „Fortnite“) konnte zeigen, dass das Unternehmen mehr ist als ein reiner Hersteller von Videospielen. Travis Scott wiederum konnte durch das Mega-Event beweisen, dass virtuelle Auftritte keine verrückten Spielereien mehr sind. So hat Scott mit dem Konzert sowie dem Verkauf von Merch angeblich 20 Millionen Dollar verdient, deutlich mehr als bei seinen sonstigen Konzerten. Und auch in 2023 geht es mit zahlreichen spannenden Metaverse-Projekten weiter. Nach virtuellen Performances von Justin Bieber, John Legend & The Weekend veranstaltete die virtuelle Konzertagentur Wave mit dem DJ und Songwriter Calvin Harris im Januar 2023 ein einstündiges Metaverse-Konzert. Das virtuelle Event wurde zeitgleich über Tik Tok Live gestreamt. Fans konnten also auch ohne VR-Brille und in 2D das Konzert genießen – was für eine noch größere Reichweite sorgte. Und von diesen oder ähnlichen Beispielen gibt es unzählige. Denn Musikindustrie und Metaverse verschmelzen immer mehr miteinander. Im Jahr 2022 brachten mehrere Hochkaräter Metaverse-Musikvideos heraus – so beispielsweise Snoop Dogg zusammen mit The Sandbox. Vor kurzem kündigte die Warner Music Group zusammen mit The Sandbox an, im Metaverse eine virtuelle Musikwelt zu schaffen. Das Ganze soll eine Kombination aus Musik-Vergnügungspark und Veranstaltungsort für Konzerte sein. Wir sind gespannt! Und auch die MTV Music Awards – eine Institution und Mainstream-Veranstaltung (!) im Musik Business – ziehen mit. Seit 2022 gibt es die neue Kategorie „Best Metaverse Performance“ – alle Nominierten traten in verschiedenen Metaversen auf. BLACKPINK (schaut euch auch mal meinen Artikel zu K-Pop in der CYTE-Ausgabe 9 an) räumte den Award ab – die koreanische Girlband veranstaltete im PC-Spiel PUBG Mobile ihr erstes virtuelles Konzert „The Virtual“.


Die Musikindustrie wird sich in den kommenden Jahren erheblich verändern – ob wir es wollen und sehnlichst herbeiwünschen oder auch nicht. Die neuen technologischen Entwicklungen rund um Web3, Blockchain, NFT und Metaverse sowie ihre zunehmende Relevanz – insbesondere bei den jüngeren Generationen rund um GenZ und Alphas – schaffen neue Möglichkeiten für Künstler, Fans und Investoren gleichermaßen. Der Musikvertrieb wird zukünftig dezentraler, wobei die Blockchain-Technologie eine transparentere und gerechtere Entlohnung der Künstler ermöglicht. NFTs sorgen für neue Einnahmequellen für Musiker. Und bieten auch den Fans neue Kontaktmöglichkeiten mit ihren Lieblingskünstlern. Im Metaversum können Künstler durch virtuelle Konzerte und immersive Musikerlebnisse ein globales Publikum auf neue und aufregende Weise erreichen. Uns erwartet eine Musikindustrie, innovativer und dynamischer als je zuvor, die sowohl Künstlern als auch Fans aufregende neue Möglichkeiten des kreativen Ausdrucks und der Gemeinschaftsbildung bieten.

Text: Claudia Ippen

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MUSIC

Lizzo

To say that Lizzo is a force of nature is nothing short of the truth. Her message is one of inclusive politics, self-love, and kindness.
Lizzo uses her platform to celebrate Blackness, the LGBTQI+ community, and women of all shapes and sizes. She is a singer, rapper, songwriter, and activist.
The Yitty CEO, and classically-trained flautist, has four Grammys, an Emmy, and many other awards under her belt. If you’re new to the world of Lizzo, it’s about damn time you jumped on board.
One of us was lucky enough to see her in action at the Hamburg stop of The Special Tour. Read on for a review of the experience, and a general deep dive into the life of the Lizzo’s Watch Out For The Big Grrrls host.
The Early Years
It’s hard to imagine Lizzo as anything other than a world-famous singer and rapper. However, she wasn’t an overnight success. Lizzo’s achievements are the result of years and years of hard work, incredible drive, and unlimited passion.
In her words, from the Love, Lizzo documentary:
“Ya’ll have no idea how close I was to this not being a thing.”
Let’s dive into her background, and shine some light on her journey to fame.
On April 27th, 1988, Melissa Viviane Jefferson was born in Detroit. Her parents were musical, and she was influenced by gospel and rock from early in her life. Her father loved Elton John, Queen, and Billy Joel. Her mother used to sing and play the piano in church.
When she was 10 years old, she moved to Houston with her family. After being inspired by a Destiny’s Child concert she attended, she set her mind on becoming a performer. She began to play the flute in sixth grade, after being encouraged by her father.
Four years after moving to Houston and becoming increasingly passionate about music, she founded the all-women rap group, ‘Cornrow Clique’. Here, she earned her stage name. ‘Lizzo’ was a fusion of her nickname, ‘Lissa’, and the name of the Jay Z song, ‘Izzo (H.O.V.A)’.
She was awarded a music scholarship to Houston University after high school, where she pursued the flute in the hopes of joining a professional orchestra. However, she dropped out in her sophomore year due to her father’s failing health. Around this time, she was also facing inner turmoil over whether to pursue rap or classical music.
Lizzo’s father passed away in 2009 when she was 20. For a time, she lived out of her car, while trying to break into the music industry. At this point, she battled depression, poor body image, and a lack of purpose.
On My Next Guest Needs No Introduction With David Letterman, Lizzo talks about feeling lost around this time:
“I was really depressed by the feeling of knowing that I was supposed to be doing something, and my life not reflecting that something, you know? I knew I was supposed to be this person my whole life. Not a famous person, but this person. Infectiously happy, helping people, connecting with people.”
Lizzo credits her turning point to the decision to stop comparing herself to others. She began to sing, something she previously didn’t have confidence in. In 2011, she moved to Minneapolis, where her career began to kick off.
Finding Her Feet
Lizzo says that “Detroit is where I was born, Minneapolis is where I was branded and where I became an artist… Houston is really where I was, like, bred.”
Once in Minneapolis, Lizzo played a heavy hand in forming the all-women groups ‘the Chalice’ and ‘Grrrl Party’. These groups brought out, respectively, one album and two EPs.
In her spare time, Lizzo worked on personal projects, with a focus on positive music. In 2014, she performed on Prince’s album, ‘Plectrumelectrum’. Prince served as a huge inspiration to her, as well as as a mentor at a later stage.
When Lizzo was awarded a Grammy earlier in 2023, she acknowledged Prince’s influence in her speech:
„When we lost Prince, I decided to dedicate my life to making positive music. This was a time when positive music wasn’t mainstream.”
Lizzo’s first album, Lizzobangers got her on the map as a solo artist. She was named one of Time’s 14 artists to watch in 2014. After her next album, Big Grrrl Small World, was released in 2015, Lizzo signed a contract with Atlantic Records.
Becoming a Mainstream Success
Lizzo’s first EP with Atlantic, Coconut Oil, was released in 2016. In 2019, she released her third album, Cuz I Love You. This was the album that ultimately rocketed Lizzo into the public eye.
Thanks to Netflix and Tiktok, ‘Truth Hurts’ (originally released as a single two years prior) became a sleeper hit. Since then, Lizzo has gone on to release more music, such as her 2022 album, Special.
To date, Lizzo has been celebrated and recognized with wins at the BET Awards, Billboard Music Awards, iHeartRadio Music Awards, and more. She also holds the title of People’s Champion 2022 from the People’s Choice Awards.
At the 2020 Grammy Awards, she walked home with three golden gramophones: Best Urban Contemporary Album for Cuz I Love You (Deluxe), Best Pop Solo Performance for ‘Truth Hurts’, and Best Traditional R&B Performance for ‘Jerome’. In 2023, she snatched her fourth: Record of the Year for ‘About Damn Time’.
Lizzo’s achievements don’t end at chart-topping, multi-award-winning music. Does the name Yitty ring a bell, and did you know she’s won an Emmy?
Yitty: The Shapewear for Every Shape
In early 2022, Lizzo launched her size-inclusive shapewear brand with Fabletics: Yitty.
The name Yitty was inspired by Lizzo’s aunt:
“Yitty is a nickname my auntie gave me when I was young. She was a full-figured woman and one of the coolest people ever with bold, beautiful energy. I wanted that energy in this brand.”
While it’s common for celebrities to use their platforms to kickstart business ventures, Lizzo’s move to fashion is very in line with what she stands for.
The vision behind Yitty celebrates self-love and self-confidence. These principles are captured in everyday wear for women of all shapes and sizes.
Whether a shapewear lover is a size XS or a size 6X, they’ll be able to find their size at Yitty. Yitty has received widely positive reviews, and has a good selection of shapewear, underwear, bras, and loungewear available, in many different colours.
Yitty promotes the values that Lizzo holds dear to her heart, and acts as a step toward creating the kind of world that she wants to live in.
Emmy Winning Lizzo’s Watch Out For the Big Grrrls
Lizzo’s Watch Out For The Big Grrrls recently won an Emmy for the 2022 Outstanding Competition Program.
The idea for the show was born when Lizzo was unable to find curvy, non-size 0 backup dancers. So, she took matters into her own hands, and decided to turn her search into a reality show.
In her Emmy acceptance speech, Lizzo reminisced about longing for media representation when she was young:
“When I was a little girl, all I wanted to see was me in the media. Someone fat like me, Black like me, beautiful like me. If I could go back and tell little Lizzo something, I’d be like, ‘You’re gonna see that person but bitch it’s gonna have to be you.”
This show hits all the notes of a reality show, with an interesting twist: no toxic, negative drama. The contestant selection is diverse, includes trans representation, and highlights touching stories.
The show’s format allows the contestants to focus on bettering themselves and their skills, as opposed to simply competing with each other. This nurtures a touching sisterhood where kindness and support are highly valued.
Lizzo develops personal relationships with the Grrrls throughout the show. They connect over how, in her words, „It’s hard to love yourself, in a world that doesn’t love you back.“
The show tackles topics of self-love and acceptance. It also highlights that fitness and health are different from physical looks:
„We don’t work out not to be big, we work out to be strong.“
Politics and Values: Lizzo Walks The Talk
Celebrities have a platform that they can, and should, use to make the world a better place. Lizzo has been very outspoken on matters of inclusive politics, the LGBTQI+ community, the Black community, and more.
She has become a celebrated inspiration for many who have been marginalized, and continue to face discrimination in their everyday lives. Lizzo inspires people to be a positive influence on the world, no matter who they are.
But, is being outspoken enough?
Speaking up is one thing, but acting to make the world a better place is another thing entirely. Lizzo is a prime example of a celebrity using their fame for good. She doesn’t wait until the award shows, or the occasional Instagram live, to let her fans know what she stands for.
Lizzo doesn’t just preach self-love and confidence: as a whole, her music drives a message of positivity and empowerment.
She has created Yitty, and Lizzo’s Watch Out For The Big Grrrls, to promote body positivity on a global scale. These endeavours have contributed to the representation of women with big, beautiful curves.
Lizzo’s activism journey started in 2012 after an anti-gay church group in the area protested the legalization of gay marriage. In response, she participated in a counter-protest. She also participated in the 2015 Black Lives Matter protests, sparked by the police killing of Jamar Clark.
In 2020, Lizzo used her Instagram platform to discuss the upcoming election with Kamala Harris. She encouraged her followers to vote, and spent the session discussing Kamala’s campaign and the topic of Black voter suppression.
When Lizzo won the People’s Champion 2022 award, she dedicated her acceptance speech to introducing on stage a diverse, all-women group of activists who inspire her. She spoke about each woman, and the cause they fight for.

It’s bad bitch o’clock, 
Yeah it’s thick thirty 
I’ve been through a lot, 
But I’m still flirty
 
Is everybody back up in the building, 
It’s been a minute tell me how you’re healing 
Cuz I’m about to get into my feelings 
How you feeling, how you feel right now
 
Oh I’ve been so down and under pressure
I’m way too fine to be this stressed yeah
Oh I’m not the girl I was or used to be 
Bitch I might be better
 
Turn up the music, turn down the lights
I got a feeling, I’m gonna be alright 
Okay, alright 
It’s about damn time  
Turn up the music, let’s celebrate
I got a feeling, I’m gonna be okay
Okay, alright 
It’s about damn time  
 
In a minute, I’m a need a, sentimental, man or woman 
To pump me up
Feeling fussy, walking in my, balenciussies, trying to bring out 
The fabulous 
 
Cuz I give a fuck, way too much 
I’m a need like two shots in my cup
One to get up, one to get down
Mhm, that’s how I feel right now
 
Oh I’ve been so down and under pressure
I’m way too fine to be this stressed yeah
Oh I’m not the girl I was or used to be 
Bitch I might be better
 
Turn up the music, turn down the lights
I got a feeling, I’m gonna be alright 
Okay, alright 
It’s about damn time  
Turn up the music, let’s celebrate
I got a feeling, I’m gonna be okay
Okay, alright 
It’s about damn time
 
Bitch

Text: Tamsyn Dekenah and Winston Sussens

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MUSIC

Jochen Distelmeyer

„MUSIK IST ETWAS INTUITIVES. EIN BAUCHGEFÜHL, DAS ABER DEN GANZEN KÖRPER BETRIFFT.“
Text: Claudia Ippen

Es ist Hochsommer in Berlin, keine Wolke am Himmel, 30 Grad. Alles läuft ein bisschen langsamer, gemächlicher ab. Gedämpft, als wäre Berlin in eine flirrende Wattedecke gepackt. Ich schaue hoch, in dem Moment biegt Jochen Distelmeyer mit dem Rad um die Ecke. Blauweiß gemustertes Hemd, Jeans und Drahtesel. Ich winke ihm und wir rufen uns ein Hallo zu. Ein guter Start, denke ich, die Stimmung zwischen uns von Anfang an locker und entspannt. Kaum stehen Kaffee, Wasser und Rhabarberschorle auf dem Tisch sind wir auch schon mittendrin und reden über seine neue Platte „Gefühlte Wahrheiten“. Schnell verabschieden wir uns vom oberflächlichen Geplänkel. Wir reden über Gefühle, gefühlte Wahrheiten, Identität und Verbundenheit zu sich selbst. Aber auch über Liebe und Jochens neues Verständnis davon. Und natürlich über Musik. Wie es sich anfühlt, beim Musik machen im Flow zu sein und die Wahrhaftigkeit des Moments einzufangen. Jochen nimmt sich viel Zeit und es macht Spaß mit ihm über die großen Themen des Lebens zu philosophieren. Zugegeben, am Ende schwirrt mir der Kopf – das ist bestimmt die Hitze! Irgendwann schwingt sich Jochen wieder auf sein Rad, winkt und fährt davon. Er ist noch eingeladen auf einem Geburtstag. Aber keine Sorge, hat er mir vergewissert, das Geburtstagskind ist vorgewarnt, dass er zu spät kommt…

Cyte: Gratulation zu deinem neuen Album! Ich habe es in den letzten Wochen rauf und runter gehört und mich in vielem wiederentdeckt – in einzelnen Songs, „Zurück zu mir“ zum Beispiel, aber auch in Textpassagen wie „Sag was ist, oder lass mich gehen“ von dem Song „Im Fieber“ oder „War dir so kalt, dass dir mein Feuer gefiel?“ aus „Hey Dear“. Bei „Zurück zu mir“ geht es um das wieder bei sich Ankommen nach einer Trennung. Es geht darum, wieder die Nähe und Verbundenheit zu sich selbst zu suchen und zu finden. Erreichst du diese Verbundenheit zu dir selbst beim Musik machen und Schreiben?

Jochen Distelmeyer: Dadurch bin ich immer bei mir. Insbesondere durch das Musik machen. Das ist jetzt schon so lange ein zentraler Teil in meinem Leben. Und als etwas, das aus einem selbst kommt, ist es definitiv etwas, bei dem man bei sich ist. Selbst wenn es nicht unbedingt ein Zurück ist. Aber es centered einen mehr.

C: Wird dir manches Gefühl erst beim Musik machen klar? Ich habe von dir ein Zitat gelesen „Musik ist dafür da, uns fühlen zu lassen“. Manchmal beim Schreiben, Tagebuch zum Beispiel, wird mir erst im Nachhinein bewusst, was ich fühle oder gefühlt habe. Passiert das bei dir auch oder ist vorher schon alles klar?

„UNSERE GEFÜHLSWELT IST EIN VITALES ORCHESTER“

JD: Ich kann mich schwer für ein Vorher-Nachher entscheiden. Ich kenne das Nachher auch. Das gibt’s immer wieder. Auch Jahre nachdem man ein Stück geschrieben hat und es dann nochmal live spielt. Das ist dann wie bei einem alten Bekannten, den man wieder trifft. Man denkt dann, krass das habe ich ja schon damals gewusst. Es gibt Lieder, da ist die Musik schon da, bevor die Texte geschrieben sind, ohne dass mir vorher klar ist, worum es inhaltlich geht. Wenn man dann auf die Musik hört, sich darauf einlässt, erkennt man, dass die Musik längst weiß, wovon der Song handelt. Dafür gibt es nur einen Text. Musik ist etwas Intuitives. Ein Bauchgefühl, das aber den ganzen Körper betrifft. Sie lügt nicht und man kann vertrauen auf das, was da erklingt. Auch weil die Gefühle immer ineinander übergehen oder alle miteinander verbunden sind. Unsere Gefühlswelt ist ein vitales Orchester. Das habe ich bei dem Album mit der Zeit verstanden. Aus Verzweiflung kann zum Beispiel schiere Lebensfreude kommen. Aber das Arbeiten an einem Song, auch das Schreiben, hilft dabei, bestimmte Sachen getrennter voneinander betrachten zu können und zu erkennen, wie sich Manches zusammensetzt. Das weiß man aber alles schon vorher. Es wird nur klarer. Man weiß es eigentlich schon die ganze Zeit. Es ist aber noch nicht bewusst. Bei der Zusammensetzung des Albums, der Reihenfolge, wurde mir auch nochmal klarer, wie alles zusammenhängt.

C. Was ist dir bei der Zusammensetzung des Albums klar geworden? Und war die Reihenfolge schon da, unbewusst?

JD: Ich denke ja. Ich hatte häufig den Eindruck bei dem Album, dass Vieles nicht in unserer Macht liegt. Dass es Bestimmungen gibt, Schicksal. Das Gros der Stücke, eigentlich alle, sind schon fertig gewesen, bevor wir 2019 ins Studio gegangen sind. Manche waren sogar schon deutlich älter. „Ich sing für dich“ ist von 2016. Und während des Aufnehmens war es total abgefahren zu merken, wie aktuell alles ist. Die Welt drum herum schien den Stücken nachträglich immer wieder recht zu geben. Alles was da passierte, auch mit Corona und den Maßnahmen, war schon in den Stücken bespielt. Aber das ist eine Erfahrung, die ich schon immer gemacht habe. Ich würde das als Antizipationskraft der Kunst beschreiben. Nämlich, dass in der Verbindung mit etwas Unbewussten Bilder schon da sind, bevor sie in der Welt real passieren.

„ICH SING FÜR DICH WENN DU NICHT WEISST, WO DEINE LEUTE SIND. WENN LINKS UM DICH NUR KRIEG UND KRISE TOBT. UND AUCH AUF DEINE WELT EIN HARTER REGEN FÄLLT. UND DU NICHT WEISST, WO DEINE LIEBE WOHNT“ (ICH SING FÜR DICH)

C: Ist das eine Stimmung, die man aufsaugt?

JD: Alle Menschen haben das. Es resultiert aus einer anderen Verbundenheit mit dem, was wir sind. Eine Verbundenheit unserer Körper mit der Außenwelt, durch das Licht, die Luft oder auch das Wasser, das wir trinken. Wir sind Teil dieses gigantischen Biosystems. Es gibt andere Verbindungsformen neben Ursache-Wirkungs-Ketten und Kausalitäten. Die gibt es auch. Aber ich glaube daran, dass es andere Verbindungen gibt, die sich nicht auf diese Art erklären lassen.

C: Muss man dafür besonders feinfühlig sein?

JD: Ja. Beziehungsweise man muss sich darauf einlassen können. Wir alle haben die Fähigkeit dazu, aber oft fehlt es an Zeit oder Gelegenheit, diese zu entwickeln. In dem Sinne werden Künstler:innen eben auch dafür bezahlt, sich diese Zeit zu nehmen. Zunächst ist es eine ungefragte Arbeit, der man nachgeht. Anders als im Design. Im Design wird man beauftragt, eine bestimmte Sache so zu gestalten, dass sie für ein Produkt funktioniert. Aber in der Musik, im Film, in der Literatur, Malerei etc. beauftragt man sich erstmal selbst, ohne beweisen zu können, dass die Tätigkeit irgendeinen Sinn macht und für irgendwen von Interesse ist.

C: Zumindest am Anfang…

JD: Am Anfang, aber auch immer wieder. Das hat dann auch viel mit Glück und Talent zu tun.

C: Du hast mal gesagt, die Deutschen hätten Angst vor Emotionalität. Warum denkst du ist das so?

JD: Dafür gibt es bestimmt mehrere Faktoren. Ich hatte häufig den Eindruck, dass es über Generationen hinweg laufende und unbewusst vererbte Familiengeschichten gibt. Selbst wenn die Enkelkinder nicht erfahren haben, was die Großeltern durchgemacht haben, so haben sie damit trotzdem noch zu tun. Denn sowohl nach dem Nationalsozialismus in Deutschland als auch nach der DDR ist in vielen Familien wenig darüber gesprochen worden. Von den eigenen Traumata zu erzählen, würde nämlich auch bedeuten, über Schuld zu sprechen. Das wurde vermieden und stattdessen in eine Sphäre der öffentlichen Erinnerungskultur delegiert. Und dort hat das für meine Begriffe auch nur so lippenbekenntnishaft stattgefunden. Mit meiner Musik möchte ich den Bereich der Emotionen öffnen. Und häufig kommt es mir da so vor, als würde ich die Menschen an ihren Schmerz, an ihre Scham erinnern. An Dinge also, die sie nicht empfinden möchten. Das ist nicht nur hierzulande so. Aber als jemand, der hier aufgewachsen ist, kann ich mir das so herleiten. Denn ich kenne wenige Beispiele, wo ich den Eindruck hatte, dass deutsche Musiker:innen in meinem Sinne von sich erzählt haben. 

C: Es gibt aber auch Länder, in denen das anders ist. In Spanien haben die Menschen trotz später Aufarbeitung der Franko-Diktatur keine Angst vor Gefühlen.

JD: Es äußert sich da anders. Erst gestern habe ich mit jemanden über das Rechtssystem in Spanien gesprochen. Die Unabhängigkeit der Verfassungsgerichte in Spanien ist auch ein Ergebnis des Franco-Faschismus, der 1975 endete und damit zeitlich erst recht kurz zurück liegt. Das hat die Rechtsprechung möglicherweise noch sensibler sein lassen. Deshalb sind sie dort noch unabhängiger als hier zum Beispiel. Ich denke, dass uns grundsätzlich, unabhängig von den jeweiligen nationalen Geschichten der Gesellschaften, aber das ist jetzt reine Spekulation, im Zuge einer kapitalistischen Verwertungslogik, die Illusion vermittelt wird, klar sagen zu können, wer wir sind und was wir sind.

C: Was uns gerade auf die Füße fällt…

JD: Und es ist schon seit vielen Jahren absehbar, dass dieses System so nicht mehr haltbar ist. Dass das Wachstumsversprechen, welches außerdem Identifikation stiftend ist, so nicht mehr haltbar ist. Mir kommen die Entwicklungen der letzten Jahrzehnte wie ein verängstigter Versuch vor, daran trotzdem festzuhalten. Weil wir sonst gar nicht mehr wissen, wer wir sind. Ein Identitätsproblem schlägt da zu Buche. Und das betrifft mindestens alle Gesellschaften der westlichen Industrienationen. Auch in China sieht man, wie weit ein Land geht, um eine Transformation unbedingt zu vermeiden. Die tun alles, um das Funktionieren ihres komplett wahnhaften, hochtraumatisierten, durchgeknallten Gesellschaftsmodells sicherzustellen.

C: Und damit wären wir beim Thema Täuschung. Wir versuchen, unsere Art zu leben aufrechtzuerhalten, obwohl jedem bewusst ist, dass wir das so nicht länger machen können. Für mich waren Täuschung und Selbstbetrug sowie der Gegenpol dazu, der Wunsch nach Ehrlichkeit, das wiederkehrende Themenkonstrukt deiner Platte. Wie siehst du das?

„WENN DU DEN RAUM BETRITTST WIE EIN PERFEKTER SPIEGEL, ZEIGST DU NUR JEDEM, WAS ER SEHEN WILL“ (HEY DEAR)

JD: Um Wahrhaftigkeit geht es definitiv. Es gibt auch Momente von Enttäuschung auf dem Album. Täuschung selbst würde ich nicht als zentrales Thema auf der Platte sehen. Ich hatte mich im Zuge des Romans, den ich vor mehreren Jahren geschrieben habe, unter anderem mit Balzacs „Verlorene Illusionen“ beschäftigt. Eigentlich war das schon auf „Heavy“ so, wo auf dem Cover diese Blase zerplatzt. Da war mir schon klar, dass in Momenten, in denen Erkenntnis einsetzt, die Projektionen nicht mehr an den Gegenständen oder an den Menschen anhaften. Die gewohnten Illusionen fallen einfach herunter. Aber das hat mich zu etwas anderem geführt. Ich habe heute, durch die Arbeit an meinem Roman, der Coverversion-Platte „Songs from the bottom“ und diesem Album, eine andere Vorstellung von Liebe entwickelt.

C: Inwiefern?

JD: Ich habe die Vorstellung, dass sie überall ist. Wie kann ich das erklären? Ich habe so wundervolle Begegnungen gehabt in den vergangenen Jahren, vielfältiger Art. Die mich zu dem Verständnis geführt haben, dass sie immer ist und überall. Und dass sie fast dieselbe Qualität hat in einem Moment wie in 30 Jahren. Das Ganze der Liebe ist auch in einer kurzen Begegnung schon da und spürbar. Sie kann sich auch in einer 30jährigen Beziehung offenbaren und da sein. Aber dieses Raum-Zeit-Ding ist eigentlich die Illusion, weil wir nicht in der Lage sind, anders unser Leben wahrzunehmen und einzuordnen.

C: Oft werden lange Beziehungen auch mit einem Erfolg gleichgesetzt…

JD: Das erzählen sich dann viele. Es ist aber häufig ein Ausdruck von Verunsicherung, ob es das wirklich ist. Ich freue mich darüber, wenn ich sehe, dass Paare lange zusammen sind. Auch bei allen Widrigkeiten ist es schön zu sehen, wie die Menschen umeinander ringen und sich bemühen. Treue ist eine ganz tolle Sache. Aber Leute, die das dann so vor sich hertragen, da denke ich „ist das jetzt das Einzige, was dir dazu einfällt?“

C: Und vielleicht ist das auch wieder eine Illusion.

JD: Ja, aber auch Angst vor dem Archaischen, der wilden Dimension der Liebe. Auch vor dem Aggressiven.

C: Und dem Beängstigendem?

JD: Ja, zumindest kann es ein Schlüssel sein. Nicht ohne Grund wird bei Parfums eine Bottom Note beigemischt, die nach Verwesung riecht und eigentlich kein schöner Geruch ist. Angst ist das, was uns sofort fokussieren lässt. Parfums haben immer eine unschöne Duftnote, die was mit Tod oder Gefahr zu tun hat. Und dann gibt es andere Schichten, die den Duft aufblühen lassen. Das Gefahrvolle, Riskante, das Abenteuerliche, die Kraft, die sich auch auf aggressive Art äußern kann – alles das gehört mit zu dem Zauber. Und auch die Vertrautheit, die sich einstellt. Es kann auch sein, dass man genauer liebt, wenn man älter wird. Dass man jemand anderen schneller erkennt. Oder dass man zusammengehört. Und wenn es nur für einen Moment ist, dass man dieselbe Seele ist.

C: Vielleicht auch weil man weiß, dass man selbst endlich ist? Und dadurch schneller eine Verbindung spürt?

JD: Das kann ich nicht erklären. Man erkennt sich einfach.
C: Ein sehr schöner Gedanke, dass man sich findet. Daran halte ich fest.
JD: Ja! Das ist tiefer, das ist älter als wir. Man erkennt, wenn man vom selben Stamm ist. Dass man auf derselben Wellenlänge schwingt. What the fuck auch ever. Aber das erkennt man. Und sich nicht von gängigen Konzepten, wie man das normalerweise leben würde, abhalten lässt, dem nachzugehen – denn dafür ist es zu kostbar.

C: Und damit sind wir auch wieder bei der Verbundenheit zu sich selbst?

JD: Ja, natürlich. Weil man sich auch nur mit jemand anderem und mit den anderen zusammen erlebt. Das Zurück zu mir – deswegen fand ich es auch ganz schön, dass es in dem Video so dargestellt ist – muss nicht nur darin bestehen, dass man sich zu sich bekennt und sich trennt. Das kann auch bedeuten, dass man – weil man gemeinsam auf der Hinterbank eines Autos mit jemanden ist – ganz bei sich. Da erlebt man sich, mit dem anderen zusammen. Wir sind eine Seele.

C: Meinst du, dass alles miteinander verbunden ist?

JD: Das sowieso. Das besinge ich auch in „Nur der Mond“ und „nichts das uns trennt, Spur der Ewigkeit im Moment“. Ich war da unter anderem inspiriert von der Ansage eines Stücks von Judee Sill. Judee Sill ist eine Singer-Songwriterin, die ein wundervolles Stück geschrieben hat mit dem Titel „The Kiss“. Bei einem YouTube Clip irgendeiner BBC-Aufzeichnung kündigt sie das Stück an und sagt: „The next song is about the communion of the opposites that we all have. And the kiss is the symbol of the unification.” Und das finde ich sehr weise. Diese Widersprüche oder Gegensätze, die wir haben und die wir sind, sind in dem Moment der sexuellen oder kommunikativen Vereinigung, im Moment des Kusses, spürbar. Dieser spirituelle Zauber von Sexualität, Liebe oder körperlicher Verbundenheit. Krass, was war das denn jetzt? (lacht)

„IRRATIONALITÄT ERGIBT SICH NICHT AUS EINEM ZU VIEL AN EMPFINDUNG. SIE STEUERT IN DER VERARBEITUNG UNSERER SINNESREIZE UNSERE ORIENTIERUNG DER WELT.“

C: Um nochmal zurückzukommen auf „Gefühlte Wahrheiten“ – das ist ein sehr schöner Titel, der mich zum Grübeln gebracht hat, was gefühlte Wahrheiten für mich sind. Ich bin zu dem Schluss gekommen, dass Wahrheit immer etwas Persönliches ist und Erlebnisse immer auch von uns eingefärbt werden. Was sind für dich gefühlte Wahrheiten?

JD: Zunächst ist das für mich ein Ausdruck der Dimension von einem Wahrheitsbegriff generell. Wir operieren alle immer ständig mit gefühlten Wahrheiten. Mit Überzeugungen, die wir für wahr halten.

C: Also haben wir beide hier auch gerade zwei gefühlte Wahrheiten?

JD: Ja, oder eine. Das ist das, wo wir uns begegnen. Oder was wir da gemeinsam umkreisen. Wenn man sich den gängigen Wissenschaftsdiskurs der letzten drei Jahre anguckt, auch anhand der Coronapolitik, und der Behauptung von irgendwelchen Seiten, sie würden unemotional und die anderen irrational über bestimmte Dinge reden, dann halte ich das für eine komplette Verkennung des wirklichen Zugangs zur Wahrheit. Denn der ist immer auch von Gefühlen, die wir haben, mit gesteuert oder geprägt. Das Denken des Homo Sapiens, das kognitiv-rationale Vermögen des Menschen, war entscheidend dafür, dass wir kulturelle Schutzräume schaffen und uns an die Spitze stellen konnten. Das hat aber dazu geführt, dass diese Überhöhung oder Verklärung des Kognitiv-Rationalen zu einer Verdrängung des Gefühlsmäßigen geführt hat. Ich denke, dass die Psychoanalyse bei Freud der Versuch war, Emotionalität wieder in den Wissenschaftsdiskurs einzuführen. Aber bis jetzt ist es so, dass die meisten Leute Emotionalität mit Irrationalität gleichsetzen. Das Gegenteil ist der Fall. Irrationalität ergibt sich nicht aus einem zu viel an Empfindung. Sie steuert in der Verarbeitung unserer Sinnesreize unsere Orientierung der Welt. Ein verdrängender oder abwehrender Umgang mit Emotionalität führt zu Irrationalität. In dem Moment, in dem ich versuche, meinen Gefühlen bewusst zu werden, komme ich zu einem viel ausgewogeneren Verhältnis von antizipierend-emotionalem Gehalt und rationaler Einordnung. Aber Irrationalität, und ich denke das sieht man in breiten Teilen der Coronapolitik, ergibt sich aus einer Leugnung und Abwehr vom Gefühl. Gefühl gehört zum Rationalen dazu. Es gibt kein Rational ohne Gefühl. Man kann die beiden nicht getrennt voneinander sehen. Das ist ein Zusammenspiel, ein biochemischer Prozess in uns. Ganz am Anfang, als ich mit Blumfeld die ersten Platten gemacht habe, wurde uns nachgesagt, das seien verkopfte Sachen. What? Das ist ein Body. Das ist alles miteinander verbunden.

C: Gut, dass du das ansprichst. Das hatte ich auch gelesen und mich gefragt: ist das ein Widerspruch, verkopft sein und emotional sein?

JD: Nein. Der Widerspruch wird diskursiv in dieser Art der Fragestellung aufgemacht, um, das habe ich aber auch erst später verstanden, das emotional-öffnende dieser Musik abzuwehren in Form von Anti-Intellektualismus. Man branded irgendetwas als verkopft intellektualistisch, um sich eigentlich mit dem gefühlsmäßigen Gehalt nicht auseinandersetzen zu müssen. Als wir dann „Tausend Tränen tief“ veröffentlicht haben, waren viele Reaktionen, ähnlich wie bei Kindern, sehr infantil. Diese Widersprüche sind real. Aber darauf zu verharren, dass das eine mit dem anderen nichts zu tun hat, führt zu einem falschen Verständnis von dem, wie alles zusammenhängt und wie wir zu rationalen Entscheidungen kommen. Bevor wir diese als Widersprüche wahrgenommen haben, waren sie gar keine. Ich glaube, dass sich unsere Stellung auf der Welt verändert, wenn man hierfür ein Bewusstsein entwickelt. Man bekommt eine andere Art von Demut oder Bescheidenheit. Ein anderes Selbstbewusstsein, was sich nicht an Äußerlichkeiten von Zuschreibungen orientieren muss. Weil man sehr genau weiß, wer man ist. Damals, als wir „Ich-Maschine“ gemacht haben, haben wir das noch nicht gewusst, aber intuitiv unschuldig jugendlich geahnt. Mittlerweile gehe ich davon aus, dass dies etwas ist, auf das wir uns ein Leben lang hinbewegen, auf unsere Identität oder das, was wir sind. Wir sind immer in a way bei uns, aber es ist nicht etwas, was uns substanziell vorher determiniert, sondern etwas worauf wir uns zeitlebens hinbewegen.

C: Das heißt, wir haben am Ende – wann auch immer das ist – unsere Identität erreicht? Meinst du, dass man immer mehr zu sich selbst findet im Laufe der Zeit?

JD: Ja, ich hoffe das. Bei mir erlebe ich das so. Ich weiß ja nicht, was danach ist, wenn es dann vorbei ist. Da gibt es ja auch verschiedene Konzepte. Dass wir aufgrund von Verwesung wieder eingespeist werden in diesen endlosen Kreislauf, ob als Regenwurm oder Blume.

C: Ich finde es in dem Kontext spannend, dass die Identität sich immer auch wandelt. Man findet immer mehr zu sich selbst, aber es gibt immer wieder Ereignisse, die einen aufs Neue prägen.

JD: Ja, genau. Das meine ich. Möglicherweise verliert man sich auch, oder hat das Gefühl sich zu verlieren, und dann kehrt man zu sich zurück oder glaubt, zu sich zurückzukehren. Es gibt keinen Weg ohne Umweg.
„MIR FÄLLT KEIN STÜCK EIN, FÜR DAS WIR NICHT DEN ERSTEN TAKE GENOMMEN HÄTTEN.“

C: Lass uns nochmal zurück zu deinem Album und den Songs kommen. Wobei hattest du am meisten Spaß im Entstehungsprozess? Bei welchem Song hast du dich am meisten Du gefühlt und warum?

JD: Bei allen. Da alle Songs auf eine Art Facetten von mir sind. Grundsätzlich waren die Aufnahmeprozesse, mit der Band im Studio zu stehen, wundervoll. Ich hatte die Direktive, dass wir das Album First Take-mäßig aufnehmen. Dass, was gespielt wird, ist es dann auch. Auf all meinen Stücken erkenne ich diesen gemeinschaftlichen Spielprozess wieder. Wir konnten den Moment einfangen. Viele von den Stücken sind aus einem Take entstanden. Schlagzeug, Bass, Gitarre, der Gesang – alles ein Take. Das hat mir wahnsinnig Spaß gemacht, das liebe ich total. Das ist bei allen Stücken so.

C: Machst du das immer so? Oder nur bei dieser Platte?

JD: Das war immer so ein Ideal von mir. Nicht zuletzt seit meiner Coverversion-Platte, die ich mit Swen Meyer, dem Produzenten auch von diesem Album, gemacht habe, wusste ich, dass er immer alles aufnimmt. Auch wenn man so hineinrutscht ins Spiel. Und trotzdem klingt es nicht gejammed, sondern wie ein Take. Ich hoffe, dass ich das (klopft auf den Tisch) für die weiteren Produktionen mitnehmen kann. Denn genauso möchte ich Musik machen.

C. Weil es auch eine gewisse Spontanität zulässt?

JD: Nicht nur Spontanität. Die Wahrhaftigkeit des Moments ist das Entscheidende. Jede:r Musiker:in kennt das. Es gibt Takes, die sind gut, weil sich das Gefühl darin hörbar äußert. Dann gibt es wiederum Takes, die sind viel besser gespielt, aber sie wirken nicht lebendig. Das ist egal. Relevant ist der Moment, wenn alle den Song gefühlt haben. Und dass man das aufnimmt und bannen kann, ist ein schwieriger Prozess.

C: Klar, wie timed man so was?

JD: Es gibt einen klassischen Dirigenten Sergiu Celibidache, der deswegen nie viel aufgenommen hat. Es gibt kaum Tonaufnahmen von ihm und seinem Orchester. Er hat immer gesagt, man könne Konzertsituationen nicht aufnehmen. Der Typ ist eine absolute Legende und gilt als einer der ganz großen klassischen Dirigenten. Ich kann nachvollziehen, wie er dazu gekommen ist. In der Popmusik mit kürzeren Stücken geht das manchmal. Man nimmt auf, wenn ES im Raum ist. Ich glaube jeder Musiker und jede Musikerin kennt das Gefühl, wenn man Geister einfängt und man das dann auch auf der Aufnahme noch hört.

C: Kommt das dann eher selten vor?

JD: Meine Hoffnung ist, dass man sich darauf einübt. Und ich bin überglücklich, dass es bei meiner Platte funktioniert hat. Mir fällt kein Stück ein, für das wir nicht den ersten Take genommen hätten. Und auch entschieden haben, das sind die Stücke, die auf dem Album sein müssen.

C: Wie lange dauert so ein Entscheidungsprozess?

JD: Ich habe für gewöhnlich vorher schon festgelegt, welche Stücke ich in einem Werkzusammenhang rausbringen will. Diesmal war es ein bisschen unklar wegen der englischsprachigen Stücke. Als wir dann in den Mix gingen, stellte sich heraus, dass die drei Songs einfach so stimmig zu den anderen Stücken waren, dass wir sie unbedingt mit drauf nehmen mussten. Sie gehörten mit zu dem Album, zum Vibe, und insgesamt zu der Erzählung, welche Station jemand durchläuft, um zurück zu sich zu kommen.

C: Für mich haben die drei englischen Lieder beim Durchhören des Albums eine Art Ruhepause dargestellt, eine Art Entspannung, insbesondere der letzte Song „Roads of Regret“.

JD: Das finde ich auch. Ich wusste, mit welchen Stücken die Platte anfangen sollte. Die Reihenfolge dann festzulegen, war eine schnelle Entscheidung.

C: Ihr wart im Flow?

JD: Komplett. Wahnsinn. Das war wirklich irre.

C: Bist du das immer?

JD: Ich habe mich vor Jahren dazu entschieden, auf den Flow zu vertrauen – auf meinen eigenen musikalischen Flow, aber auch auf den meiner Mitmusiker. Während draußen durch die gesellschaftspolitischen Maßnahmen jede Form von Flow unterbrochen wurde, als sei das Trennende, das unbewusst eigentlich Gewollte dieser Zeit. Aber mir kam sie eh wie die Verlängerung einer Gravitationswelle des Bösen vor, die schon Jahre vorher begonnen hatte. Nicht erst durch Leute wie Orbán, Bolsonaro oder Trump. Als wenn es ansteckend wäre, dass Chauvinisten und Möchtegern-Patriarchen an die Macht kommen.

C: Eine Zuspitzung?

JD: Ja, eigentlich aus einer Verzweiflung geboren. Klar ist, dass es so nicht weitergehen kann. Wir befinden uns in einem Transformationsprozess hin zu etwas Gutem. Und einige reaktionäre politische Figuren versuchen verzweifelt, an dem Alten festzuhalten. Das sind alles Jungs, die nicht loslassen können. Das sind auch Trennungsgeschichten. Das erleben wir gerade mit der Krim und dem Ukrainekrieg. Da sind auch Jungs zugange, die nicht loslassen können.

C: Was gefällt dir am Musik machen am meisten? Ist es das in den Flow kommen? Oder ist es die Phase davor?

JD: Ich finde alles gut daran. Wie der Körper in Schwingung gerät. Ich finde mich gut, wenn ich das mache. Auch das Singen. Es macht einfach krass Bock. Das Live spielen, das Schwitzen, der Lärm, das Leise.

C: Wann ist das Leise?

JD: Musst du mal bei den Konzerten vorbeikommen, wenn wir spielen. Kennst du Joao Gilberto? Eine der wichtigen Figuren des Bossa Nova in Brasilien. Sein Stil ist sehr leise, da er jahrelange bei seiner Schwester, die Krankenschwester war, gewohnt hat, und nachts zum Spielen immer ins Badezimmer gegangen ist. Um seine Schwester nicht aufzuwecken, musste er leise spielen. Seine Spielweise ist präzise, elegant, aber sehr leise. Sie ist wahnsinnig elaboriert und hat eine andere Autorität, die den Raum anders erfüllt. Es gibt einige Künstler, die ich gut finde, die das drauf haben. Ich kann das gar nicht weiter erklären. Musst du mal vorbeikommen!

Wir danken Jochen Distelmeyer außerordentlich für dieses Interview.

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K-Pop

HERE TO STAY!

Es geht in meinem Artikel weder um einen 20 Jahre alten Korn Song noch um ein Parfum von Naomi Campbell (14,95 € bei DM). Es geht um K-POP. Keine exzentrische Laune hysterischer Teenager. Sondern ein weltweites Phänomen. Das gekommen ist, um zu bleiben. Längst schon da ist!! Wir werfen einen Blick drauf.

 

Der Südkorea-Hype nimmt weiter Fahrt auf. Egal ob Kimchi oder südkoreanische Tapas, Parasite, Squid Game oder BTS – es führt einfach kein Weg dran vorbei. Squid Game wird zur erfolgreichsten Netflix-Serie aller Zeiten. BTS bringt drei neue Singles heraus, räumt bei amerikanischen Music Award Shows ab und zementiert ihren Ruf als erfolgreichste Boygroup der Welt.

Überall sehe und höre ich südkoreanische Lieder, Videos, Filme… Was hat es damit auf sich? Was steckt hinter dem popkulturellen Erfolg Südkoreas?


IST DAS REINER ZUFALL ODER GENIALES MARKETING?

 

Um das Phänomen K-Pop besser zu verstehen, lasst uns – in aller Kürze – zuerst einen Blick auf die Geschichte Südkoreas werfen.

Nach dem Zweiten Weltkrieg werden 1948 die Machtverhältnisse in Korea neu verteilt: Im Süden wird die Republik Korea gegründet, als Gegenreaktion entsteht im Norden die Demokratische Volksrepublik Korea. Zwei Jahre später, 1950, beginnt der Koreakrieg. Der blutige Konflikt hält die koreanische Halbinsel drei Jahre in Atem, mit dramatischen Folgen. Rund drei Millionen Zivilisten verlieren ihr Leben. Wirtschaft, Industrie und Infrastruktur liegen am Boden. Südkorea gilt als eines der ärmsten Agrarländer der Welt.

In den 60er Jahren beginnt der wirtschaftliche Aufschwung – das sogenannte „Wunder vom Han-Fluss“. In Fünfjahresplänen werden in großer Geschwindigkeit verschiedene Maßnahmen umgesetzt. Der Import wird eingeschränkt, der Export gefördert, es werden günstige Kredite erteilt und in bestimmte Wirtschaftszweige und Industrien investiert. Insbesondere in Technologie und Elektronik, später dann auch in den Kultursektor.

 

HALLYU?!

Ende der 90er Jahre beginnt die Koreanische Welle – „Hallyu“. Die Beliebtheit der südkoreanischen Pop-Kultur nimmt rasant zu. Sie wird zum Exportschlager – zuerst in China, Japan, Südostasien, dann auch in Indien. Startschuss für eine staatlich subventionierte und hoch professionalisierte K-Pop-Maschinerie. Eine Maschinerie, in der Telekommunikations- und Entertainmentkonzerne, Werbeagenturen, die Musik- und Modeindustrie sowie Kosmetiklabels perfekt miteinander verzahnt sind, mit ein und demselben Ziel: der weltweite Siegeszug der südkoreanischen Kulturindustrie.


OPPAN GANGNAM STYLE GANGNAM STYLE OPPAN GANGNAM STYLE EH SEXY LADY OPPAN GANGNAM STYLE PSY, Gangnam Style

Schonmal von Seo Taiji And Boys gehört? Die dreiköpfige Band aus Seoul revolutioniert Anfang der 90er Jahre die südkoreanische Musikszene mit ihrem völlig neuem Style – ein westlich geprägter Mix aus Hip-Hop, Rock und Balladen mit koreanischen und englischen Texten und einem ausgelassenen Tanzstil. Ihre Songs sind völlig anders als die bisherigen heimischen Balladen und patriotischen Folk-Songs – und die jungen Südkoreaner lieben sie dafür! Ihr enormer Erfolg bringt die Musikindustrie zum Umdenken. Von nun an gilt es, ähnliche Bands mit einer jungen Fanbase auf den Markt zu pushen. Der K-Pop, wie wir ihn heute kennen, ist geboren.

 

 

2012 erscheint der Künstler Psy auf der Bild- und Tanzfläche. Sein Song „Gangnam Style“ schlägt durch wie eine Rakete und sorgt weltweit für Furore. Das Lied ist zeitweise das meistgeklickte

Video auf YouTube und landet in den amerikanischen Billboard Hot 100 – Premiere für einen südkoreanischen Sänger. Was macht den Song so unwiderstehlich? Er ist überdreht, laut, knallig, nimmt sich selbst nicht ernst. Und genau das ist sein Erfolgsrezept. Das Zusammenspiel aus Musik, Bild, Inszenierung, schriller Ästhetik und exzentrischer Choreografie befördert Gangnam Style an die Spitze der Charts. Und sorgt nicht zuletzt dafür, dass K-Pop weltweiten Durchbruch schafft und seinen Weg in den internationalen Mainstream findet.

 

This is for you (This is for you, for you)
You’re my dream (Ah, ah) TWICE, 21:29

Aber das allein macht den Erfolg von K-Pop nicht aus. Wichtig ist die Nähe zur Fan-Community. Denn die Künstler wollen (sollen?) nicht als unnahbare Stars wahrgenommen werden. Sondern als Vertraute, wenn nicht gar Freunde. Sie halten ihre Fans über Social Media und Livestreams auf dem Laufenden, posten auf Instagram, TikTok oder YouTube. Viele Bands haben eigene Reality Shows, in denen sie private Einblicke in ihr Leben geben. So auch BTS. Fans können hautnah mitverfolgen, was ihre Stars essen und trinken, was sie auf ihren Reisen erleben, und in ihrer freien Zeit machen. Die Community kann vollständig eintauchen in die K-Pop-Welt, sie sind Teil von ihr – eine größtmögliche Identifikationsfläche entsteht. Die Grenzen von Intimität und Nähe werden aufgelöst und die verschiedenen Lebenswelten – Interpret und Hörer, aber auch Offline und Online – verschmelzen miteinander. Stars zum Anfassen, das ist die eine Seite der Medaille. Die große Vermarktungsmaschinerie dahinter, die andere. Ob als zahlungspflichtige „Behind the Scenes“-Inhalte, als partizipatives Mobile-Game oder als Kinofilm – die Nähe zu den K-Pop Stars gibt es nicht umsonst.

 

 

1 MILLIARDE STREAMS 700 MILLIONEN LIKES 60 MILLIONEN FOLLOWER

Echte Experten darin, mit ihren Fans zu kommunizieren, sind BTS. Sie sind außerdem die derzeit größte K-Pop Sensation. Und behaupten sich seit Jahren in den internationalen Musikcharts. Aber der Reihe nach.

BTS, was für Bangtan Boys oder Bangtan Sonyeondan steht und so viel heißt wie „kugelsichere Pfadfinder“, wurden 2010 gegründet, treten seit 2012 in ihrer finalen Besetzung auf und sind seitdem aus der internationalen Musikszene nicht mehr wegzudenken. Zuerst eroberten sie Japan und das restliche Asien, ab 2015 dann die USA und Europa. Ihr Album „Love Yourself: Tear“ landet 2018 auf Platz 1 der amerikanischen Billboard Hot 100, gefolgt von weiteren Top-Platzierungen. Sie sind die erste koreanische Band, der das gelungen ist. Ab 2020 sind BTS auch endgültig in Europa angekommen. Ihr Album „Map of the Soul: 7“ erreicht sowohl in Deutschland als auch in Großbritannien, Österreich und der Schweiz Platz 1 der Charts. BTS ist eine Band der Superlative – sie brechen die Rekorde von Michael Jackson und den Beatles, treten als erste K-Pop-Band im ausverkauften Wembley-Stadion auf, kollaborieren mit Stars wie Coldplay und Ed Sheeran, und bringen seit 2013 acht Studioalben und mehr als sechs EPs heraus. Ihre Reichweite ist enorm. Bei Instagram haben sie knapp 60 Millionen Follower, bei TikTok über 46 Millionen und 700 Millionen Likes. Ihre Single „Dynamite“ erreicht mehr als 1 Milliarde Streams bei Spotify. Von Anfang an haben sie es verstanden, auf Social Media aktiv zu sein und mit ihren Fans, die sich selbst die BTS ARMY nennen, eine enge Bindung aufzubauen. Und auch ganz offiziell sind sie Sprachrohr ihrer Generation – Südkoreas Präsident Moon Jae-in ernennt die Band 2021 zum „Sondergesandten des Präsidenten für zukünftige Generationen und Kultur“.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

얌마 니 꿈은 뭐니 (뭐니)
얌마 니 꿈은 뭐니 (뭐니)
얌마 니 꿈은 뭐니 (뭐니)
니 꿈은 겨우 그거니

I WANNA BIG HOUSE, BIG CARS & BIG RINGS (UH)
BUT 사실은 I DUN HAVE ANY BIG DREAMS (YEAH) BTS, No More Dream

 

BTS, aber auch die erfolgreiche Girlgroup Blackpink, schreiben viele ihre Songs selbst. Und zwar nicht nur Gute-Laune-Lieder. Auch gesellschaftskritische Themen werden in ihren Texten behandelt, wie zum Beispiel das leistungsorientierte Bildungssystem Südkoreas. Überrascht? Ich auch! Sind doch die K-Pop-Stars selbst Teil des strengen Ausbildungsapparats und repräsentieren wie kaum Andere die „pali pali“-Kultur Südkoreas. Denn K-Pop ist ein knallhartes Business, hinter dem große Talentagenturen und Labels wie Big Hit Entertainment, SM Entertainment oder YG Entertainment (Gründer: Yang Hyun-suk von den Seo Taiji And Boys) stehen. Diese Agenturen sind Plattenlabel, Management und Produzent in einem. Das Wunschlosglücklich-Paket also? Auf jeden Fall ist es eine hochprofessionelle Kaderschmiede. Bereits in jungen Jahren werden Kinder gecastet und bekommen einen der begehrten Plätze als K-Pop-Trainee – der Beginn einer jahrelangen Ausbildung. Wer sich hier durchsetzt schafft es mit Anfang 20 zum K-Pop-Idol und wird meist Mitglied einer Boy- oder Girlgroup. Für Konzept und Songwriting sind Manager und Produzenten verantwortlich. Genauso wie für den Look und das Image der Band. BTS und Blackpink sind hier eine Ausnahme. Disziplin und eine hohe Produktivität sind das A und O – pali pali eben. Der Output? Mehrere Alben pro Jahr, Tourneen, TV-Shows, hochkarätige Werbedeals und und und. Vor allem in den letzten Jahren – mit der zunehmenden internationalen Bekanntheit von K-Pop – hagelt es aber auch Kritik. Die Rede ist von Knebelverträgen und Eingriffen in die Privatsphäre der Idols. Sie müssen unentwegt abliefern, sind strengen Regeln, einem konstanten Leistungsdruck sowie realitätsfernen Schönheitsidealen ausgesetzt. Es häufen sich Berichte über Missbrauch und Suizid – die tragische Kehrseite des bunten K-Pop-Business. Immerhin scheint sich was zu ändern. So müssen sämtliche Verträge mittlerweile von der Korean Fair Trade Commission (KFTC) geprüft werden. Einige Bands lassen ihre Verträge auslaufen oder versuchen, rechtlich gegen diese vorzugehen. Eine längst überfällige Emanzipation? Zu wünschen wär‘s.

BLACKPINK IN YOUR AREA
보란 듯이 무너졌어
바닥을 뚫고 저 지하까지 BLACKPINK, How You Like That

BTS und Psy sind euch ein Begriff. Seo Taiji And Boys kennt ihr jetzt auch. Aber wen gibt es noch da draußen? Lasst uns abschließend anschauen, wen ihr euch unbedingt anhören solltet.

BLACKPINK – Die vierköpfige Girlgroup zählt neben BTS zu den erfolgreichsten und international bekanntesten K-Pop-Bands. Sie waren Headliner beim Coachella-Festival und veröffentlichten zusammen mit Dua Lipa den Song „Kiss And Make Up“ – ein Riesenerfolg. Außerdem sind die Vier auch solo unterwegs. Hört mal rein: How You Like That, Kill This Love, DDU-DU DDU-DU

CHUNG HA – Chung Ha startete erst als Mitglied einer Girlgroup, dann ab 2017 als Solo-Künstlerin durch. Sie experimentiert mit verschiedenen Stilrichtungen, von Pop bis Latin, und kollaboriert mit Rappern wie CHANGMO und Guaynaa. Mit Letzterem hat sie eine spanisch-sprachige Version des Songs „Demente“ veröffentlicht. Hört mal rein: Gotta Go, Snapping, Dream of You

SHINEE – Die Boygroup ist ein alter Hase im K-Pop-Business und hat schon so

einiges mitgemacht. 2017 nahm sich eines der Mitglieder das Leben, ein Jahr später wurden drei von ihnen zum Wehrdienst eingezogen. 2021 feierten sie dann ihr Comeback mit dem Song „Don’t Call Me“. Hört mal rein: Marry You, Don’t Call Me, View, Replay

AESPA – Kaum auf der Bildfläche bricht diese Girlgroup bereits die Streaming-Rekorde. Was macht die Band so spannend? Sie treten mit Avataren auf und verbinden VR mit Real Life Unterhaltung. Hört mal rein: Black Mamba, Next Level, Savage

NCT DREAM – Achtung es wird kompliziert. NCT hat 23 Mitglieder. Noch! Denn die Besetzung der Band steht nicht fest, sie kann sich erweitern oder auch rotieren. Es gibt sogenannte Subunits, NCT Dream ist eine davon. Die Jungs sind zu siebt und haben 2021 ihr erstes Studioalbum „Hot Sauce – The 1st Album“ herausgebracht. Hört mal rein: BOOM, Hot Sauce, Hello Future

IU – Die 29jährige Künstlerin ist Multitalent und eines der bekanntesten und einflussreichsten Gesichter Südkoreas. Sie singt, schreibt Songs, moderiert und spielt in TV-Serien mit. 2021 veröffentlichte sie außerdem ihr fünftes Album „LILAC“. Hört mal rein: eight, BBIBBI, Celebrity

Auf den Geschmack gekommen? Dann schaut euch für diese und weitere Songs die Playlist auf Spotify an, unter: https://open.spotify.com/playlist/5R7gWztf6Hy0iwZ7Fu3SIL?si=e709a776179343fb

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Anacker

ANACKER

„Ich mach mich auf den Weg. Und hab mein Ziel erkannt. Vertrau dir selbst. Schenk dir Liebe und setz dir Ziele. Sogar der sehnlichste Wunsch verliert mit der Zeit an Wert, wie der Segen der Kirche. Also realisier ihn oder du wirst es bereuen. Weil eine Leidenschaft Leiden schafft, wenn man sie nicht verfolgt“

 

Anacker macht seit frühester Jugend Musik, deutschsprachigen Conscious Rap – seine Songs sind ehrlich und sehr persönlich. Vielleicht etwas kitschig, zu gefühlig? Vielleicht etwas einfach und platt? Oder einfach nur berührend? Das versuche ich herauszufinden und unterhalte mich mit Hendrik Anacker alias Anacker. Denn seine Texte schreibt er selbst – oftmals ein langjähriger Prozess. Was steckt also hinter Anacker und seiner Musik? Wer ist er und was treibt ihn an?

CYTE: Erzähl uns ein bisschen von dir – wer bist du, wo kommst du her, wann und warum hast du mit der Musik angefangen?

Anacker: Ich bin Hendrik Anacker, ich bin 28 und komme aus dem Ruhrgebiet. Witten, das liegt neben Bochum und Dortmund. Hier bin ich geboren und aufgewachsen.

Die Stadt ist bekannt für deutschen Hip-Hop. In der ersten Hochphase des deutschen Hip-Hop Ende der 90er Jahre gab es einige Crews aus Witten. Die Bekannteste ist Creutzfeld & Jakob, die viele Songs über die Stadt herausgebracht hat. Durch meinen großen Bruder bin ich in Kontakt mit der Musik gekommen. In erster Linie war ich also Hörer, fand das einfach cool. Mit 15 habe ich dann angefangen selbst zu schreiben. Und mit 16 hatte ich die ersten kleinen Auftritte in meiner Heimatstadt. Ich habe jahrelang hauptsächlich geschrieben, keine Songs veröffentlicht – weil ich die Texte oft nicht zu Ende geschrieben habe und einfach nicht weitergekommen bin.

Ich habe ziemlich lange gebraucht, um meinen beruflichen Weg zu finden und bin schließlich in Köln gelandet. Hier habe ich zwei Ausbildungen angefangen, beide aber nicht beendet. 2018 habe ich dann mein Studium angefangen, Ethnologie und Medienwissenschaften, und war damit glücklich. Ich hatte endlich wieder eine Basis, mit der ich zufrieden war im Leben… Und meine Songs fertig schreiben konnte und auch den Willen hatte, die Songs herauszubringen und häufiger aufzutreten. Seitdem bringe ich regelmäßig Musik heraus und stehe auch auf der Bühne.

CYTE: War das dann für dich ein nahtloser Übergang – hast du mit dem Schreiben dort angefangen, wo du damals aufgehört hast? Oder hast du dich neu erfunden, gänzlich neue Texte geschaffen?

Anacker: Im Grunde genommen habe ich nie aufgehört mit der Musik und dem Texten. Aber ich habe versucht, eine neue Arbeitsweise zu entwickeln, so dass ich die Texte auch zu Ende schreibe. Ich habe vorher wild rumgeschrieben, auf Papier, hier ein Heft, dort ein Zettel, da eine Notiz – ich hatte früher immer mein Reimbuch mit dabei. Das habe ich dann später zusammengetragen, aussortiert und digitalisiert. So sind dann ganz viele Songskizzen entstanden, die ich weiter aussortiert habe.

Dementsprechend sind auch auf meiner Debüt-EP, die ich letztes Jahr herausgebracht habe, viele ältere Texte, Fragmente und Zeilen.

„Für mich ist die Musik eine Sinnsuche, aber auch eine Suche nach Harmonie“

CYTE: Wie würdest du in deinen eigenen Worten deine Musik beschreiben? Was macht deine Musik aus?

Anacker: Ich beschreibe meine Musik als Conscious Rap. Sie ist sehr persönlich, ich erzähle über mich, meine Erlebnisse, meine Wünsche. Für mich ist die Musik eine Sinnsuche, aber auch eine Suche nach Harmonie. Ich versuche mein Leben in Harmonie zu bringen, sowohl musikalisch als auch thematisch.

CYTE: Suche nach Harmonie – das heißt, du hast Erfahrungen gemacht, die nicht harmonisch waren und die Musik ist für dich ein Werkzeug, diese wiederherzustellen?

Anacker: In meiner Jugend war Musik, gerade Hip-Hop, sehr wichtig für mich. Ich habe mich in vielen Texten und Erfahrungen wiedergefunden – das geht wahrscheinlich vielen Jugendlichen mit Musik so. Man hat eine Phase, in der man extrem und intensiv fühlt. So war das bei mir. Ich wollte das dann selbst auch so machen, umsetzen und weiterführen.

CYTE: Im Hip-Hop geht es häufig um dicke Autos, schnelles Geld, Frauen. Deine Lieder und Lyrics sind gefühlvoller. In manchen Augen vielleicht sogar kitschig, harmlos. War es für dich am Anfang herausfordernd, dass deine Musik nicht dem Hip-Hop Klischee entspricht? War das eine bewusste Entscheidung von dir?

Anacker: Ja das war eine bewusste Entscheidung. Ich hatte bestimmte Vorbilder. Und das waren in der Regel nicht die Gangsta-Rapper. Auch wenn ich Straßen- und Gangsta-Rap mag. Wobei es für mich ein Unterschied ist, ob man diese Musik gerne hört oder das Gesagte für gut erachtet. Natürlich muss man entscheiden, was man von sich erzählen und wie man sich präsentieren möchte. Denn ich gebe viel von mir preis, Gedanken und Gefühle. Das ist mir nicht immer leichtgefallen. Vielleicht war das auch der Grund, warum es so lange mit meinen Songs gedauert hat. Das ist schließlich auch ein Prozess, sich Schwächen, Krisen, Ängste und Zweifel einzugestehen. Und über solche Gefühle dann auch Songs zu schreiben. Anstatt zu sagen: ich bin der Geilste. Das ist viel leichter.

CYTE: Kannst du nochmal was zu deinem Schreib- und Kreativprozess sagen? Hast du fertige Songs, die dir dann am Ende doch zu persönlich sind?

Anacker: Ja auf jeden Fall. Ich habe einen Song, der handelt von meinem beruflichen Werdegang. Da hatte ich viele Probleme. Ich habe über die Jahre einen Song geschrieben und den dann irgendwann zusammengesetzt. Der heißt Mosaik – der Titel passt daher auch ganz gut. Ich fand den Song super, war mir aber nicht sicher, ob ich ihn herausbringen möchte, weil er sehr persönlich ist. Irgendwann habe ich mir gedacht, ok, ich spiel ihn live und warte auf die Reaktionen. Und das war dann der Song mit den besten Rückmeldungen. Viele haben gefragt: „Wann kommt der Song raus?“ Das war für mich eine positive Bestärkung. Und hat mich überrascht.

Words: Claudia Ippen

Photos: Anacker

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Live vs Digital

TITEL: LIVE vs. DIGITAL

 

 

Endlich geht der Sommer und das Leben wieder los. Willkommen zurück, Du schöne Unbeschwertheit. Wir alle stürmen nach draußen – in die Parks, Bars und Restaurants. Genießen, in vollen Zügen! Was? Das Leben!

…und die Musik! Warum also eine klassische Plattenkritik? Können wir das nicht irgendwie kombinieren – Musik, Live-Konzerte, Lebensgefühl?!

Die Auswahl der Bands überlasse ich mehr oder weniger dem Zufall, entscheidend ist: wer spielt wann, wo, und gibt es überhaupt noch Tickets? Denn diese sind (coronabedingt) begrenzt, die Lust und Vorfreude an Live-Events umso größer.

Das Resultat findet Ihr unten… drei spannende und noch recht unbekannte Bands. Allen dreien ist gemeinsam: es hat Spaß gemacht ihnen zuzuhören, zuhause im Wohnzimmer und live zusammen mit anderen.

Also lest und hört rein – und vielleicht überkommt Euch ja auch noch der Wunsch, diesen Herbst mit Live-Musik ausklingen zu lassen.
Viel Spaß!

 

 

Dänische Jazzklänge

GIRLS IN AIRPORTS // DIVE

 

Girls in Airports. Hört sich nach einer englischen Indie-Girl-Band an. Nicht ganz …das Quartett aus Kopenhagen – bestehend aus den Musikern Martin Stender (Saxofon), Mathias Holm (Keyboard), Victor Dybbroe (Percussion) und Anders Vestergaard (Schlagzeug) – verbindet Jazz mit diversen Stilrichtungen – von Pop, Experimental, Folk, Rock bis hin zu afrikanisch inspirierten Rhythmen und psychedelischen Klängen. Und schafft so einen einzigartigen Sound. Kennt Ihr nicht? Dann ist es höchste Zeit, das zu ändern.

„Sunshine on Fish Skin“ von dem Album Kaikoura ist mein erster Berührungspunkt mit Girls in Airports. Ruhig, verträumt und trotzdem eindringlich. Keyboard und Saxofon verschmelzen auf perfekte Weise miteinander. Wenn man die Augen schließt und den Klängen lauscht, kann man sich das vielfarbige Schimmern von Fischhaut bildlich vorstellen. Und fühlt sich sofort an Strand und Meer versetzt.

Umso schöner, als ich dann erfahre, dass Girls in Airports im Sommer nach Hamburg kommen und im Rahmen des Jazzhouse Open-Airs auf dem KNUST Lattenplatz spielen. Das allein ist schon toll. Noch besser, wenn es das erste Konzert nach anderthalb Jahren Corona ist. Sommer, Sonne, Jazz und ein Drink in der Hand – sign me in.

Zuletzt war die Band vor drei Jahren in Hamburg und präsentiert nun in neuer Besetzung Stücke aus dem aktuellen Album „Dive“, über das die Band selbst sagt:

»The new album is a further development of the band’s genreless sound but includes more extravagant passages and psychedelic moods. The music takes compositional wanderings in the mind and opens up an existential abstraction that mirrors how the five band members in the encounter with the music dive into something greater than themselves and transcend from an ‘I’ to a ‘We’.« (Quelle:https://www.knusthamburg.de/programm/girls-in-airports/)

„Icicle“ lässt mein Herz schneller schlagen, wirkt geheimnisvoll, vielleicht sogar etwas bedrohlich. „Collision“ kommt ganz anders daher – leichter, schneller und mit hörbaren afrikanischen Einflüssen. „Weaver“ – mein Lieblingssong vom Album – ist kraftvoll-atmosphärisch mit psychedelischen Elementen. „Dive“ ist eine intensive Platte. Keine Easy Listening und Hintergrund Musik.

Mitte Juli am frühen Abend dann das Konzert. Draußen und bei schönstem Sommerwetter beginnen die vier Jungs zu spielen. Die Stimmung ist entspannt – man merkt: endlich ist Sommer, endlich wieder unter Leuten, endlich wieder Live-Musik. Was mir beim Alleinhören zuhause teilweise zu viel war, wirkt hier genau richtig. Anspruchsvoll, ja. Dabei aber doch irgendwie gelassen und auf schöne Weise entrückt – der perfekte Auftakt für einen seit langem herbeigesehnten Konzertsommer 2021.

 

 

Indietronic aus Leipzig

ELEPHANTS ON TAPE // EVERY STRUCTURE’S DISLOCATED

 

Ein Tag später in Leipzig …die Sommerbühne am Panometer startet mit einem kleinen, aber feinen Auftakt in die Open-Air-Saison. Mit dabei, die Leipziger Indietronic/Dreampop-Band Elephants on Tape. Die Location ist einzigartig. Ein ehemaliger Gasspeicher – mittlerweile Ausstellungsort und Eventlocation unter freiem Himmel. Die Stimmung ist entspannt, kleine Grüppchen stehen zusammen mit Bier in der Hand. Ganz so viele Konzertgänger haben sich an diesem Abend nicht eingefunden – vielleicht liegts an der Urlaubszeit, der enormen Hitze, den noch recht unbekannten Bands. Vielleicht ist aber auch noch nicht richtig in unseren Köpfen angekommen: ja wir dürfen wieder Kunst und Kultur genießen!

Die Sonne geht langsam unter, der Himmel über dem Industriedenkmal färbt sich in einem gleißenden blau. Elephants on Tape ist die letzte Band an diesem Abend. Markus Rom (Gitarre, Gesang, Synthesizer), Robert Gemmel (Synthesizer, Gesang), Lisa Zwinzscher (Gesang, Gitarre), Lukas Stodollik (Bass) und Hans Arnold (Schlagzeug) kommen auf die Bühne, die in lila-grünes Licht getunkt ist.

Die fünf haben die Band vor 9 Jahren in Weimar, wo sie an der Musikhochschule studiert haben, gegründet. Im Laufe der Jahre hat sich dann ihr Sound entwickelt – ein Mix aus Pop, Rock, Indie und elektronischer Musik. Sie selbst beschreiben ihren Sound als Weltraummusik mit detailverliebter Tiefe. „Narks“ ist Pop vom Feinsten mit einprägsamen Lyrics – „I am deep-see diving in an ocean of words from your mouth” – und leichtem Hang zum Melancholischen. Das Lied „Electrons“ – die zweite Single aus dem aktuellen Album „Every Structure’s islocated“ – ist deutlich elektronischer und handelt von der Verbindung zweier Menschen und der damit verbundenen Ähnlichkeit zu physikalischen Vorgängen. „Chaotic motion, every structure’s dislocated. Charged by the magnetic field that you created“. „Hyperactive” wirkt dagegen regelrecht jazzig, beginnt langsam und nimmt immer mehr an Intensität zu. Der Gesang von Lisa ist eindringlich und zugleich verletzlich – und löst bei mir Gänsehaut aus.

Melancholisch tanzbar – so würde ich den Sound der Fünf beschreiben. Und genau das haben wir dann auch gemacht. Getanzt! Draußen! Und uns über die zurückgewonnene Freiheit gefreut.

 

 

Deutsch-luxemburgischer Elektro-Pop

SAY YES DOG // VOYAGE

 

…wieder zurück in Hamburg. Diesmal auf der Reeperbahn im Molotow Backyard.

Im Molotow war ich schon öfter. Im Backyard – ein kuscheliger Hinterhof mit Bühne, Bar und Merch-Stand – diesen Sommer zum ersten Mal. Auch hier ist die Stimmung ganz entspannt. Was an den Corona-Bestimmungen liegen mag, denn man wird vorne empfangen und einzeln platziert – ein Novum im Molotow. Um 20 Uhr betritt das Trio die Bühne. Aaron Ahrends schlendert ans Mikro, Pascal Karier an die Drums und Paul Rundel greift sich den Bass. Alle drei in Hawaiihemden, mit Schnurrbart – 80ies Nostalgia pur. An wen erinnert mich Aaron noch gleich? Endlich fällts mir ein – Magnum!

Die drei Jungs haben sich bei ihrem Musikstudium in den Niederlanden kennengerlernt. Die Gründung der Band war aber eher ein Zufall und vor Jahren die einzige Möglichkeit, um an die heißbegehrten, aber limitierten Fusion-Tickets heranzukommen. Die Jungs bewarben sich um einen freien Slot im Festivalprogramm und kreierten fürs Set ihre ersten eigenen Songs – Say Yes Dog waren geboren.

Seitdem hat sich viel getan. 2015 erscheint das Debütalbum „Plastic Love“, das viel Aufmerksamkeit und gute Kritiken erhält. Die drei gelten fortan als Geheimtipp. Es folgen Konzerte und Festivalauftritte in Deutschland und weltweit. 2019 erscheint ihr zweites Album „Voyage“. Inspiriert vom 80er Jahre Sound, aber auch von ihren Reisen und Erlebnissen in der Ferne. Wie der Titel „Voyage“ unschwer erahnen lässt. Beide Platten sind elektronischer Indie-Pop, „Voyage“ überrascht aber mit einem verfeinerten Sound, analoger und noch melodischer. Wunsch war es, mehr nach einer Band zu klingen und weniger nach einem DJ-Kollektiv. Das haben die Jungs geschafft!

„Lies“ ist einer ihrer bekanntesten Songs und begeistert mit Synthesizer, Gitarrensolo und eingängigem Rhythmus. „The Same“ – letztes Lied der Platte – ist eine Ballade, ohne großen Klimbim, auf das Wesentliche reduziert und dadurch noch intensiver und gefühlvoller. Mit „Deep Space“ geht’s raus ins Weltall – man kann die Reise ins Unbekannte, in die Schwerelosigkeit sofort hören und fühlen. Es ist wie ein Schweben durch Raum und Zeit getragen von der Musik des Trios… „we’re floating outwards into space.“

Abheben, tanzen – das möchte an diesem Abend jede/r im Backyard. Wäre da nicht das coronabedingte Tanzverbot. Ein merkwürdiges Gefühl, wie Aaron mehrfach an diesem Abend betont. Der Stimmung im Hof tut das keinen Abbruch und hält niemanden davon ab im Rhythmus der Songs mitzuwippen und mit einem beseelten Gefühl nach Hause zu gehen.

Text+Photos: Claudia Ippen